La Alternativa en Radio

ELECCIONES 2011 por FM SONAR

2011-10-22T06:29:00.002-07:00

El hombre que hizo de la realidad, fantasía

2011-08-13T06:15:00.000-07:00

Conocido como el cocreador de El Eternauta, junto al guionista Héctor Germán Oesterheld, falleció tras luchar contra las secuelas de un accidente cerebro vascular. Fue uno de los últimos iconos de una época “dorada” de la historieta argentina.

Cuando Francisco Solano López dibujaba sus personajes, concentraba la verdad en sus ojos de tinta. No importa qué período de su extensa carrera se estudie, en la mirada de cada una de sus viñetas es posible encontrar la expresión que la definía. Desde la madrugada de ayer, cientos de esos ojos de papel están cerrados. Los de El Eternauta –Juan Salvo–, Helena, Martita, Favalli, Rolo, Slot Barr, Evaristo, y también los del propio Solano, quien falleció tras luchar contra las secuelas de un accidente cerebrovascular que sufrió a comienzos de mayo pasado.

En el último tiempo, su obra había sido releída y revalorizada en distintos ámbitos políticos, sociales y culturales. En el mundo del comic su obra ya era largamente reconocida. Su partida es la de uno de los últimos iconos de una época industrial “dorada” de la historieta argentina. Un representante de un medio que ya no es en volumen, estructura, tema ni estilo como entonces, pero que reconoce la herencia indispensable de su obra. Solano López era conocido como el cocreador de El Eternauta, junto al guionista Héctor Germán Oesterheld –desaparecido por la última dictadura militar–. Sus viñetas de una Buenos Aires cubierta de copos mortales son emblemáticas y se recuerdan siempre que cae agua nieve. Cuando en 2007 efectivamente nevó en Capital Federal, este diario hizo tapa con sus trazos, que permanecen en la memoria colectiva a 54 años de su publicación original.

Aunque es su obra más conocida, a lo largo de más de seis décadas trabajando sobre el tablero forjó otras decenas de personajes, historias y mundos junto a cantidad de guionistas argentinos, como Guillermo Saccomanno, Ricardo Barreiro y Carlos Sampayo, y también autores extranjeros. Esa, sin embargo, fue su obra cumbre y recientemente había vuelto a ser profundamente apreciada desde el ámbito político por los valores que encarnaba, a la vez que un resurgente ambiente historietístico honraba su grandeza.

Era dueño de un estilo de dibujo realista sin importar qué técnica ni materiales empleara. Un dibujante de la vieja escuela, de cuando las revistas serializadas de aventuras marcaban el ritmo de la producción. Tenía un dominio excepcional de la figura humana y era un gran dibujante de rostros. En particular sobresalían los gestos que imprimía a sus personajes y las miradas. En una entrevista a este diario, en 2007, contaba que eso se debía a que había estudiado mucho a los pintores impresionistas ingleses, quienes lo habían conmovido profundamente, y cuyo talento trataba “de emular humildemente”.

Murió a los 83 años y, pese a su edad, todavía trabajaba, o al menos lo hacía hasta el ACV que le afectó la garganta, lo mantuvo internado primero y en recuperación después. Hasta entonces era posible encontrarlo con su ayudante en el departamento de la calle Sánchez de Bustamante, donde solía atender las entrevistas que le hacían. Una mirada atenta descubría concentrada en el pequeño living una vida entera dedicada al dibujo. Solano López nació en 1928 y comenzó su carrera como dibujante de historietas en 1953, junto al guionista Roger Plá en la serie Perico y Guillermina. Tenía 25 años y, poco después, empezaría a ilustrar los guiones de Oesterheld. En 1957 el guionista fundaría la editorial Frontera y junto al dibujante cambiarían las viñetas argentinas con El Eternauta. Se publicaba como serie y su primera entrega fue publicada el 4 de septiembre, fecha por la que hoy se celebra con fuerza de ley el “Día de la Historieta Nacional”.

Es llamativo enterarse de que las páginas originales de esa obra fundamental de las viñetas argentinas no están en el país, sino en manos de un coleccionista italiano. Hace poco una editorial francesa publicó el libro a partir de esos originales y el propio Solano López comentaba sorprendido que allí había redescubierto un montón de detalles que había olvidado, merced a las falibles impresiones de la época en la que fue publicada originalmente, y sobre las cuales se hicieron las sucesivas reediciones.

Cuando el proyecto de editorial Frontera cayó, Solano se radicó en Europa y trabajó para la editorial inglesa Fleetway hasta mediados de los ‘70, cuando volvió al país. En 1976 la editorial Record lo convenció de continuar El Eternauta junto a Oesterheld. Fue una saga todavía más jugada políticamente, con Oesterheld ya integrando Montoneros, y Gabriel, hijo del dibujante, siguiendo un camino similar. Fue el propio Gabriel quien marcó los siguientes pasos del dibujante, cuando lo secuestró un grupo de tareas de la dictadura. Entonces Solano López recurrió a viejos conocidos de estudios en el Liceo Militar y consiguió liberarlo, a cambio del exilio en España. Allí creó Ana e Historias Tristes, sobre cuentos de su hijo, en lo que son varios de sus relatos más potentes y desgarradores.

Más tarde se radicó en Brasil y desde allí trabajó para editoriales norteamericanas. En su largo periplo acumuló personajes y series, siempre con un nivel notable, como Bull Rocket, capítulos de Ernie Pike, Slott Bar, Ministerio, Rolo el Marciano (las dos últimas publicadas un año y medio atrás por Página/12), Joe Zonda, Evaristo, Calle Corrientes o La guerra del Paraguay.

El de la infausta guerra de la Triple Alianza era uno de sus proyectos más valorados, ya que además de llamarse igual, era descendiente directo del presidente paraguayo al que las tropas argentinas, brasileñas y uruguayas derrocaron con la venia británica. Podía hablar horas sobre historia latinoamericana y de ese episodio en particular.

Sin embargo, jamás podría abandonar a Juan Salvo y las aventuras de quienes sobrevivían a la invasión extraterrestre. En 1997 retomó el personaje, esta vez con Pablo “Pol” Maiztegui en los guiones. Juntos crearon El mundo arrepentido. Más tarde harían otra continuación que funcionaría como metáfora del dominio neoliberal que cambiaba el poderío militar por los espejitos de colores. Luego, Juan Salvo, eterno viajero del tiempo, recorrería el cosmos buscando a su esposa, en La búsqueda de Elena. El año pasado, y en una colección bajo su dirección, publicó El Eternauta: el perro llamador, con la intervención de varios de los mejores dibujantes de las generaciones que siguieron el legado de Solano. Hasta hoy seguía en proceso una nueva historia que aguardan editores argentinos e italianos, ilustrada por el rosarino Carlos Ariel Barocelli, bajo la supervisión del maestro. La historia original, en tanto, se estaba republicando en la contratapa del matutino Tiempo Argentino. Y en Télam ilustraba la “sitcom” Sección imposible.

Curiosamente, durante mucho tiempo Solano López había tenido una mirada crítica de las intenciones políticas de Oesterheld en su obra cumbre. La progresiva radicalización del guionista, que hacia el final de su colaboración le pasaba los guiones desde la clandestinidad, generaba debate en la dupla. Los últimos años, sin embargo, habían suavizado el recuerdo y –explicaba en una entrevista reciente– había comprendido y aceptado con orgullo que los jóvenes leyeran en El Eternauta una serie de valores con los que identificarse y por los cuales luchar. En este contexto, agrupaciones kirchneristas habían retomado el dibujo clásico de Solano cambiando el rostro de Salvo por el de Néstor Kirchner y, luego, el de la presidenta Cristina Fernández.

Generaciones leyeron su obra y en cualquier charla que ofrecía se podía ver a lectores de todas las edades acercársele en busca de una firma suya. Bastaba su aparición en la presentación de un libro para que la charla se interrumpiera para recibirlo con aplausos de pie. Cuando el noveno arte local tuvo su “Espacio Comic” en la Feria del Libro de Buenos Aires 2010, se entregó un Premio que llevó su nombre, y cuyo jurado integró. Contra la ortodoxia de sus fieles más estrictos, Solano López votó por obras surgidas al amparo de nuevos tiempos y modos creativos. Para mejor guión, por ejemplo, se decidió por Cena con amigos, que llegó al papel tras publicarse al calor de los blogs. Para las categorías Mejor Dibujo y Mejor obra integral, en cambio, optó por Nocturno, de Salvador Sanz, serializada originalmente en la revista Fierro, y con influencias notorias de la narrativa oriental.

En los últimos años, con el reverdecer de la historieta local y el resurgir de los eventos dedicados a las viñetas argentinas, Solano López recibió multitud de homenajes. Todo el tiempo era invitado a muestras y convenciones en todo el país, e incluso en el exterior. Se seguía sorprendiendo y aceptaba halagado, siempre que su físico se lo permitiera, pues su avanzada edad hacía que se cansara rápido.

Solano se inscribe ahora en un año de dolorosas pérdidas para el noveno arte local. Sólo en 2011 fallecieron también el humorista gráfico Penni, el ilustrador Eduardo Santellán y el fundamental guionista Carlos Trillo. Solano se fue, pero dejó todo para que sus lectores disfruten. Sólo queda decirle gracias, Maestro, y hasta la próxima nevada.

Leonard Cohen, Príncipe de Asturias

2011-06-01T19:38:00.000-07:00

El poeta y cantante canadiense fue galardonado con el Premio de las Letras 2011 por contar la vida "como una balada interminable" y haber creado "un imaginario sentimental" en el que se funden la poesía y la música. Desde Oviedo, el presidente del jurado, el exdirector de la Real Academia de la Lengua, Víctor García de la Concha, afirmó que si bien Cohen es más conocido como cantautor, "antes fue poeta y novelista, más poeta que novelista".

Cohen, quien cumplirá 77 años en septiembre, tiene una obra literaria que "ha influido en tres generaciones de todo el mundo", recordó el jurado. García de la Concha subrayó que Cohen ha seguido "la vieja tradición que viene desde la Edad Media" de conectar "la poesía y el canto", y Rosa Navarro, por su parte, lo definió como "un nuevo juglar". "No tiene el mismo calado desde el punto de vista de creación literaria" que los otros finalistas -Alice Munro o Ian McEwan-, pero "llega a mucha más gente que a un grupito de expertos", explicó la catedrática de literatura de la Universidad de Barcelona al valorar la "divulgación" que obtiene así el Premio.

Este trovador de voz cavernosa, nacido en Montreal en 1934, profesa una fuerte admiración por el poeta español Federico García Lorca, a quien dedicó la canción "Take this Waltz". De gran profundidad poética, Cohen comenzó a escribir poemas a los 16 años y a los 22 publicó su primer título "Lets us compare mythologies", también inspirado en Lorca, y en 1961, publicó su segundo libro "Spice box of earth".

El escritor Fernando Sánchez Dragó, otro de los integrantes del jurado, resaltó que Cohen ha bebido de "todas las peripecias culturales, literarias y espirituales de nuestro tiempo", como "los 'beat', los hippies, la fuga del Mediterráneo, los amores, las drogas, el budismo zen, el vedanta o el chasidismo judío".

J.J. Armas Marcelo recordó, a su vez, que hace años que el Premio no recaía en un poeta, ensalzó la "curiosidad intelectual" de Cohen para "estudiar a fondo el misticismo oriental", que le hace ser muy reconocido en Asia y no sólo en América y Europa.

Leonard Cohen ya fue candidato este año a otro Príncipe de Asturias, el de las Artes, prueba de su "dualidad" como escritor y cantante destacó la directora del Instituto Cervantes, Carmen Caffarel, quien recordó que mucha gente ha "vivido, cantado, enamorado y pensado" con sus letras. De hecho, otro miembro del jurado, el crítico literario Andrés Amorís, cree que Leonard Cohen "no es un cantante extraordinario pero sí un poeta extraordinario, como (Jaques) Brel, (Bob) Dylan, Georges Brassens", mientras que, en ese mismo sentido, Armas Marcelo le comparó con Joaquín Sabina, Eric Clapton y Luis Eduardo Aute.

La decana de Humanidades de Harvard, Diana Sorensen, opinó que, una vez más, el Príncipe de Asturias se "adelanta" a lo que "los medios culturales son capaces de captar", que, según augura la profesora argentina, será un resurgir del mundo literario y musical de Cohen, especialmente en Norteamérica.

El Premio de las Letras, que este año recibió 32 candidaturas, fue entregado en 2010 al escritor libanés Amin Maalouf, y en ocasiones anteriores lo obtuvieron, entre otros, Ángel González, Delibes, Gonzalo Torrente Ballester, Mario Vargas Llosa, Camilo José Cela, Paul Auster, Günter Grass, Susan Sontag, Ayala, Mutis, Magris, Ismail Kadaré, Nélida Piñón, Margaret Atwood y Arthur Miller.

Este es el quinto de los ocho premios Príncipe de Asturias de 2011 -dotados con 50.000 euros, que serán entregados en otoño en el Teatro Campoamor de Oviedo.

#- nota extraída de la edición on line de Pagina 12.

El Cruce: músicos de profesión y de acá

2011-05-01T11:32:00.000-07:00

El sábado 23 de abril pasado se presento El Cruce en el Centro Municipal de Cultura de Santa Rosa. Y Sonar estuvo ahí. Mauricio Ponce (guitarra), Hernán Basso (bajo y piano), Marcos D'Atri (percusión), Sergio Bongiovanni (saxo tenor y alto), Marcelo Porcel (guitarra), Isaías Gadán (batería) y Pablo Rodríguez (batería), todos ellos músicos locales, ofrecieron un repertorio propio de música popular contemporánea. El grupo se formó en febrero de este año pero la historia se remite unos diecisiete años atrás cuando Hernán Basso y Mauricio Ponce, los responsables de la composición, se juntaban a tocar temas de Jazz y Latin, covers de muñecos como Miles Davis, Charlie Parker o Paquito D´ Rivera. Luego cada uno siguió su propio camino. Los demás integrantes venían transitando sus respectivas rutas, largas también. Unas muy largas como es el caso del Chelo Porcel y Sergio Bongiovanni, a quienes desde hace varios años se los puede ver arrullando notas en escenarios bien plantados. Estudiaron, algunos se convirtieron en profesores de música. Hasta que este año los Cruce se cruzaron y decidieron por fin plasmar algunas ideas que venían latiendo hacía tiempo. Sumando a estas raíces influencias como Piazzolla, Satie, Bartók y Frisell, el resultado final es una música popular, en tanto contiene una importante base de Folklore tradicional argentino además del Jazz, y contemporánea, en tanto que de tradicional tiene muy poco ya que partiendo de géneros precisos y buscando una vuelta particular suenan como un híbrido de armonías y ritmos, una fusión que no puede ser más que y sencillamente definida como música de acá y de ahora. Ciertamente que sea de acá resulta algo para destacar. Santa Rosa tuvo Blues, Funk, Rock and Roll, Punk, Jazz, Folklore, y muchos colores más, pero hasta el momento resulta difícil hallar un antecedente local de este género musical. ¿Cómo más definirlo? Digamos. Siete chavales leyendo partitura, ejecutando su instrumento con una técnica no precisamente de novatos, por momentos tomando largos silencios escuchándose entre ellos, sin ansiedad maduros, con una actitud casi

contemplativa, dejándola ocurrir y participando justo ahí, donde a cada uno le toca ¿Música intelectual podríamos llamarla? Tal vez, no sé ¿Cómo llaman ustedes a lo que hace Spinetta? Como fuere, no hay dudas que es una propuesta nueva para un público muy específico. Uno que antes tenia que ir a las grandilocuentes y neuróticas ciudades para mover el piecito y sentir ese tipo tan particular de placer que produce el estímulo de un lenguaje complejo, ese que pega en las cabezas que han tenido demasiado de algo y quieren más (en este caso mucha música escuchada). Ahora Santa Rosa suma diversidad a su agenda. El Cruce son literalmente músicos de oficio. Y es para disfrutar.

Sonar Noticias: Ataque a Radio Minka

2011-04-25T09:42:00.000-07:00

APN - Los vecinos de Barrio Malvinas de de San salvador de Jujuy luchan por sacar una planta transformadora de energía que lleva más de 10 años en el lugar y cuyo campo electromagnético ya ha enfermado de cáncer, leucemia, diabetes a mucha gente y matado a otros tantos. Radio MINKA apoya la lucha de los vecinos, por eso la empresa privatizada de energía eléctrica, EJESA, nos exigió vía carta documento que dejemos de pasar un spot en donde denunciamos todo esto.
Hace más de dos años que venimos apoyando la lucha de los vecinos del Barrio Malvinas en nuestra capital jujeña, ¿Por qué luchan ellos?

Luchan por sacar una planta transformadora de energía del corazón de su barrio, una planta que está a 50 metros de una escuela y a 20 de casas de familia. Entre otras cosas el campo electromagnético que emana la planta, ya ha enfermado a muchísimos vecinos del barrio y matado a otros tantos. Cáncer, leucemia, diabetes, abortos repentinos y malformaciones son algunas de las cosas que está produciendo en los vecinos del barrio esta transformadora que ya lleva más de 10 años en el lugar.

Según datos y requerimientos científicos, esas plantas tienen que estar a más de 10km de zonas urbanas. Muchas veces se fue a hablar con la empresa (EJESA), con el gobierno y la legislatura, ninguna respuesta favorable se obtuvo, se hicieron movilizaciones, escraches, volanteadas, cines abiertos y nada. Los vecinos siguen muriendo, a fines del año pasado falleció un conocido vecinos que dejo siete niños pequeños.
Desde los vecinos se plantea que a la planta la necesitamos, pero que la trasladen, no la podemos tener en el barrio a costa de la vida de nuestra gente, pero parece que a la empresa de energía, le cuesta menos ver morir a los vecinos que hacer la inversión necesaria.

Lo último que sucedió, fue que la empresa nos mandó a nosotros (Radio Minka) una carta documento en la cual nos exige que dejemos de pasar un spot en donde nosotros denunciamos todo esto, la carta dice que de no hacerlo, procederán a tomar acciones legales tanto civiles como penales. Es un claro ataque a la libertad de expresión y un intento más de judicialización de la protesta social.
Nosotros no podemos dejar de pasar ese spot porque somos el único medio que levanta la voz de los vecinos en lucha y además, también somos vecinos de la planta.

Necesitamos rodearnos de toda la solidaridad posible de organizaciones, radio comunitarias, medios en general, partidos políticos y demases, necesitamos la solidaridad de todo nuestro pueblo para frenar los ataques de EJESA.

Por eso estan llegando comunicados en solidaridad de todas partes de nuestro país y de Latinoamérica para mostrar que aunque estemos en una provincia chica y relegada de la Argentina, no estamos solos y no nos van a poder hacer lo que quieran , y menos acallarnos. Si no nos cuidamos entre el pueblo mismo, ¿Quién lo hará por nosotros?

Colectivo MINKA de Arte y Comunicación - Jujuy - Argentina

Agencia Popular de Noticias

El Viaje de Quique ... Primer Parte: Tilcara

2011-04-18T05:20:00.000-07:00

Hola gente. Aquí los motoqueros reportándose desde Tilcara. Oigan, no es poca cosa lo hecho hasta aquí. Vamos por partes dijo Jack. Para los que no lo saben, hace algunos meses pasó por casa a tomar unos mates el hijo de Alicia y Enrique Cataudella que son los dueños del Camping Los Quijotes en San Marcos Sierras. Nos conocemos desde hace muchos años. Diego, 31 años, cumplirá 32 el 29 de Abril, día del animaaaaalll, pleno viaje si la cosa sigue así. Bueno, decía, pasó Diego por casa y dijo que se iba al Macchu Picchu en moto. Dije yo que lo acompañaba. Pero si vos no tenés moto. La pido. Pero si en tu puta vida te subiste a una moto. Aprendo. Total que Luciano De Gatica, odontólogo de Luján, pcia de Buenos Aires, me prestó su Honda Magna 500 mod 85 con mas kilómetros que el Gato y el Mancha (a ver, goggleame o wikipediame Gato y Mancha). La fuí a buscar, rendí Moto 1 con el dueño y al día siguiente me largué por la ruta de Luján a Campana con los cuatro cilindros y los cuatro carburadores consumiendo mas combustible y energía que Fukushima. De ahí a Rosario. Apoliyada en casa de Pablito Azqueta y al día siguiente el tramo hasta Córdoba vía vieja ruta nueve. En Villa María me subí a la autopista y llegué a lo de Julio Villarroel con total felicidad.

Boludo uno. Queriendo meter la moto en el garaje de Julio, paff, pierdo el equilibrio, moto detenida y al piso con toda las de la ley. Las de la ley de la gravedad. Newton y la p... Una jovencita que por allí pasaba vió a dos viejos hechos bolsa tratando de levantar, infructuosamente, claro, una moto mas pesada que un Stenway cuarta cola. La niña ofreció su ayuda avergonzando profundamente a ambos sexagenários.Día siguiente y con la compañía de Diego en su Kawasaki 250, relizamos la travesía desde Córdoba capital hasta San Marcos Sierras.Boludo dos. Semáforo en La Falda, moto detenida... no se qué hice, paff, nuevamente al suelo con moto y todo. Gente que se arremolina alrededor mío, caído en el piso, preguntando quién me había atropellado, que había pasado, quién había sido el responsable... Yo, dije clarito, que soy un boludo bíblico. Al caerse la moto se rompe el parabrisas. Diego tiene el tino de recojer un pedazo que yo había abandonado por completo y que después sirvió para repararlo.Ya en casa, decido, a la luz de la opinión de un mecánico de Villa Giardino, de confianza de Diego, hacerle un cambio de aros a la vieja Magna. Allí comenzó un vía crúcis interminable. Les voy a ahorrar detalles. Los amigos del alma del viejo club Huracán, se pusieron inmediatamente a la búsqueda de algunas piezas verdaderamente inconseguibles. Tambíen lo hizo el propio dueño de la moto. Gracias a la insistencia de Diego, a una paciencia heredada de su padre y una tenacidad que viene de parte de madre, pudimos salir al fin el Jueves 14 de Abril, solo diez días después de lo planeado.El viaje se decidió sin fecha de vuelta, lo que facilita enormemente el disfrute y la posibilidad de ir solucionando problemas sobre la marcha.Primera etapa hasta Frías, Santiago del Estero. Hotelito Mediterraneo, 80 pesos la doble, atendido por un cotur que también tiene un almacén de ramos generales. El agua en el baño, en lugar de buscar la rejilla, iba directamente hacia el dormitorio, como si el piso de dicho baño hubiese estado construído por el negro Barrera. Para los no iniciados, constructor de San Marcos que nunca entendió que el agua no sabe trepar. Del colchón del dormitorio mejor no hablar. Cena dicharachera, jocunda, bien regada, whiskicito en el dormitorio, habano y disquisiciones varias sobre la inmortalidad del cangrejo. Gran ventaja, Diego no ronca, no le molesta el humo y no pide habanos. Impresionante compañero de viaje.Segunda etapa hasta Rosario de la Frontera, en Salta pasando por el borde de San Miguel de Tucumán. Frío, nublado, abrigados.Boludo tres. No se si esta es graciosa. Circunvalación de Tucumán. Diego adelante. Se le desprende la bolsa de dormir y al caer, se la traga la rueda trasera empujándola violentamente hacia el cuadro de la moto y frenando totalmente el giro de rueda a 80 kms por hora. Veo colear la moto, humareda producto del rozamiento de la goma con el pavimento. Solo la pericia del conductor evitó un desastre. Pasaban camiones gigantescos a una velocidad aterradora. Diego se detiene en la banquina, yo con un susto de aquellos, freno, voy a la banquina, piso inclinado, me detengo totalmente, a qué no saben lo que pasó?... si señores y señoras, se han ganado el renó Gordini de luxe, nuevamente pierdo el equilibrio y se produce el famoso boludo tres. Paff. Al piso con moto y todo. La dejo donde está, corro hacia Diego que estaba lo mas bien, lo mas bien cagado en las patas... Se acerca un motoquero y muy serio nos dice... qué están haciendo aquí? Era obvio que no estabamos armando un picnic. El tipo insiste mientras nos damos cuenta de que hordas de indocumentados se precipitaban por el terraplén en dirección nuestra. El tipo, ya lívido dice... desaparezcan inmediatamente, aquí te chorean todo, no te dejan nada, en el mejor de los casos lo que en la colimba tipificaban como AD. Por supuesto que corrimos hacia la Honda, gran esfuerzo para enderezarla, oraciones y plegarias para que no falle el arranque y pusimos piés en polvorosa o gomas en pavimento.En Rosario de la Frontera, hotel lindo, mas caro. Estabamos en Salta. Empanadas, dijimos. Vino tinto Valmont, lo mejorcito que había en Las Tinajas. Brindamos por mi vieja, que amén de dejarme la guita como para hacer este viaje, le gustaba mucho ese vino.
Me clavé media docena de empanadas pensando en el Dr Jorge Genesir, experto en diabétes de la ciudad de Córdoba. A la mañana siguiente, 110 de glucémia, el diabético ejemplar, pense que a este paso voy a ser inmortal. Tengo que hacer algún desarreglo serio.Tramo hasta Tilcara. Muchos problemas de temperatura y ruidos valvulares en la Magna. Tengo la impresión que la vieja no puede seguir con este viaje hasta Macchu Picchu. Veremos hoy, con Diego desarmaremos el radiador y revisaremos el sistema de enfriamiento. Está tan ruidosa la magna que estoy pensando en cargarle gas oil directamente. No importa, nada nos detendrá. Al Macchu Picchu llegaremos. Ya estamos lo suficientemente al Norte como para no abandonar este viaje. Creo que a la moto hay que hacerle el motor completo. Vale la pena, está muy linda y muy entera a pesar del boludo uno, dos y tres. Y los que seguirán. Invertiré esa plata ya que Luciano dijo, la moto es nuestra Quique, hacé con ella lo que mejor te parezca. No es emocionante?Llegamos dificultosamente a Tilcara en busca de la casa de Carolina Pórfido. Notita. Había ido a buscar a sus tíos al aeropuerto de Jujúy, pasarían una semana con ella. Nosotros al hostel Colores. Bien hostel. Recontra hostel. Desensillamos, me saqué unas polainas hechas en la talabertería de Don Pesoa, con unos cueros regalados por.................Fijarse en las fotos, enseguida customizo todo lo que cáe en mis manos. Los mataperros de la moto tiene unos guardapiés de cuero que tambíén fueron hechos y diseñados en la talabartería de Don Pesoa. Queselevaser.Aquí estamos. Ahora hay asadito en el hostel de la turca Mariem. Lo estamos pasando bien. En los hosteles no te aburrís como en los hoteles. Tomamos mates con una cubana casada con un sudafricano, mientras dos chicas trataban de hacerse entender por una londinense. Los porros van y vienen. No gracias. Por ahora.Tilcara, dice Caro, es una cocolichada. Así la vemos, una mezcla de croterío con culorrotísmo de mucha guita. No me gusta. Tenía un mejor recuerdo de treinta años atrás. Bueno, pasa lo mismo con San Marcos Sierras. En fin. Hasta áquí vamos bien dijo el chancho y estaba en la puerta del horno.Los mantengo informados.
El Peter Fonda del subdesarrollo.
abrazos con coca y bica.
uncle

Javier Malosetti regala un show imperdible

2011-03-18T05:24:00.000-07:00

El próximo sábado 19 de marzo el genial bajista Javier Malosetti se presentará con su banda Electrohope para mostrar su disco “Ten”. Será desde las 22 horas y las entradas están en venta en el mismo Teatro Español, escenario del concierto. $40 y $50.

“La banda ya tiene poco más de un año, pero en comparación con otras que tuve -y que quizás duraron más tiempo que eso- hemos logrado en este corto tiempo un nivel de cohesión que me asombra y enorgullece por partes iguales. ¿A qué se deberá esto? A que además de talentosos son músicos muy jóvenes, a que no son músicos de jazz y a un poco de cada cosa. Lo que entiendo es que se han compenetrado y comprometido con la música en cuerpo y alma, haciendo de ELECTROHOPE su propia banda”, dice Javier Malosetti, band leader.

“Era hermoso ver (y oír) como comenzaban a funcionar increíblemente cuatro chicos que no se conocían entre sí y que yo los conozco de situaciones y momentos diferentes. A Nico (Rafetta) lo conocí en las sesiones de Buscando un amor, el último álbum del genial Pappo. Con 25 años él era su pianista y yo escribí y dirigí la sección de vientos de ese disco. Tomi (Sainz) estudiaba a los 17 en una escuela de música donde di una clínica en la que participaban los alumnos tocando conmigo, y Hernán (Segret) y Damián (Carballal) venían con 16 años cada uno a tomar clases de bajo en casa. De los cuatro guardé los números de teléfonos fantaseando con incluirlos en algún proyecto algún día. Así fue que en el verano de 2008/09 estaban los cuatro, pisando con cuidado y de a poco, sonando cada vez más contundentemente y encendiendo mi imaginación a tope”, agregó Javier .
“Ten” representa varias cosas según el líder del proyecto e hijo del genial Walter Malosetti. “Ten de tener, ten esto que estoy dándote, ten el número diez en inglés... me gusta mucho la palabra que conlleva una connotación de entrega, dar por algo a cambio”, define Javier quien además recuerda que es su décimo álbum.

El sonido de rock, fusionado con el blues, el jazz y la energía de la juventud que el cuarteto le dispara a Javier, representa un interesantísimo resultado que se podrá ver en Santa Rosa el 19 de marzo y al día siguiente en Ciriaco de General Pico (entradas a la venta en el mismo bar).

Organizan :Producciones Crack y Magna Jazz Producciones

JM Electrohope

Javier Malosetti – Bajo, Guitarra, Voz.
Nico Raffetta – Teclados.
Hernán Segret – Guitarra, Bajo, Voz.
Tomi Sainz – Batería.
Damián Carballal – Percusión, Road Manager.
Alejandro Giraudo – Operador de sonido.
Julián Malosetti – Asistente.

http://www.youtube.com/watch?v=YEgPcQTVlv8&feature=player_embedded

60X60 DOMINGO 20 EN EL ESPAÑOL - 21 HORAS

2011-03-17T05:12:00.000-07:00

60X60 EN EL TEATRO ESPAÑOL

El 60x60 es un proyecto anual, coordinado por Robert Voisey, director del sello de música electroacústica Vox Novus, de Nueva York, que incluye 60 piezas de compositores de diferentes partes del mundo cuyos trabajos sean de una duración de 60 segundos o menor.

El próximo domingo 20 de marzo a las 21 se presentará Vermilion Mix 60x60en la sala mayor de nuestra ciudad. Cada año se seleccionan piezas que integran diferentes mezclas, en este caso Vermilion Mix, del que participan músicos de Canadá, México, Inglaterra, Francia, EE.UU., Escocia, Alemania, Brasil, Argentina, China, Holanda, Italia, Serbia y Grecia. Uno de los trabajos seleccionados, es de Fabián Racca, impulsor del Carbonoproyecto, quien convocó a artistas pampeanos en su mayoría y otros de provincias como Córdoba y Buenos Aires, para realizar obras a partir de cada uno de los 60 audios de un minuto, desde distintas manifestaciones (fotografía, danza, teatro, video, escultura, pintura y dibujo).

De este modo, esta presentación será la primera del 60x60 Vermilion Mix en Argentina. Esta versión es un multimedia que construye a partir del concepto de artes integradas, produciendo colaboraciones entre artistas de diferentes partes del mundo y autores regionales.

Los artistas que participan son Jimmy Rodríguez, Nicolás Márquez, Betina de la Cruz, Ana Belmonte, Alicia Vignatti, Daniela Rodi, Laura H., Ludmila Ayala, Lihue Pumilla, Silvana Staudinger, Vicky Corral, Lucas Ayala, Bibi González y Taller del patio, Nadia Grandón y La Espina, Rubén Schaap, Fabián Racca, Adriana Muñoz y alumnos del CREAr, Temponautas, Dini Calderón, Ricardo Echaniz, Santiago Echaniz, Laura González, Jimena Cabello, Alejandro Urioste, Florencia Pumilla, Gastón Balbo, Cristian Alcalde ‘Tian’, Micaela Basso, Lis Cofré, Federico Barabino, Ricardo Malsam Cabral, Sergio Ibaceta, Nora Urquiza, Oscar Nicola, Natalia Sapegno, Guillermo González Schain, Juan Pablo Bertolini, Mauricio Tolosa, Silvio Tejada, Julia Oliferuk, Mariela Arzadun, Shaisa X, Anna Badillo y alumnos, Marcelo Martel, Mariela González, Gabriel González Carreño, Margarita Solé, Laura Beckman, Natalia Dittler, Raquel Pumilla, Sergio Sarik, María E. Steibel, Juan Bautista Domínguez, Gustavo Valerga, Juliana Rodríguez Poussif y Diego San Miguel.

La entrada será libre y gratuita, y desde las 20 se podrá disfrutar de música de sala en un formato de instalación en vivo, a cargo de un grupo de músicos experimentales de La Pampa, Córdoba y Buenos Aires que colaboran en el evento.

La iniciativa cuenta con el auspicio de la Dirección de Cultura de la Municipalidad de Santa Rosa y las firmas Horacio Raul Bustos, Asio, Renovales, www.bosquepampeano.com, el polirubro Inche Nen, la imprenta TSC y el Fotocine Club Pampeano.

Los organizadores comunican que encontrarán más detalles sobre el proyecto en www. carbonoproyecto.wordpress.com

Largas a Vargas

2011-03-15T05:55:00.000-07:00

El escritor peruano Mario Vargas Llosa publicó ayer en España y Argentina una columna en torno de la polémica suscitada por la invitación a inaugurar en Buenos Aires la Feria del Libro. En el texto, el Premio Nobel de Literatura alude a Horacio González, cuya carta inicial a la Fundación El Libro generó la discusión. Aquí, la respuesta del ensayista.

Por Horacio Gonzalez

Como veo que usted ha escrito en El País y lo ha reproducido La Nación, algo que en ciertas épocas se llamaba un brulote, debo responderle. Pensé, Vargas, que todo estaba claro. Que la polémica que resta se haría de un modo adecuado. Escribo esta nota para seguir defendiendo que sea así, y para ello deberé insistir una vez más que donde usted, Vargas, ve barbarie, hay civilización. Entonces, daré largas a Vargas. Es cierto que mi primera carta se prestaba a interpretaciones de diversa intencionalidad (por eso, fue aclarada y para que quedara aún más clara, retirada por indicación de la Presidenta; había volado la imaginación de varios diarios y del propio Vargas Llosa, que recordó la censura de sus libros durante el gobierno militar, en una extrapolación que no la hubiera hecho mejor su estrambótico personaje, el locutor de La Tía Julia y el escribidor). Pero la carta, al decir “lo invito a reconsiderar” y otras expresiones parecidas, no intentaba dar ninguna indicación a las autoridades de la Feria contrapuestas a la presencia de Vargas Llosa, sino a seguir interpretando la inauguración como el espacio de la voz de escritores que evitaran las típicas efusiones de cruzados de una organización política, que ante cualquier crítica menor estallan al grito de “inquisición, inquisición”. Luego, bienvenida su charla. Está muy claro que nunca hubo una supuesta cruzada contra el cruzado, limitándole sus libertades al Sr. Marqués. Cualquier espíritu que sepa evitar las zancadillas del prejuicio, la arrogancia o la testarudez, sabe que no fue así. Pero es una pena que Vargas Llosa se deje llevar por sus relaciones peligrosas. Relaciones peligrosas es una novela del siglo XVIII escrita a través de epístolas. Algo me dice, pues, esta cuestión de las cartas. Acepto que aun siendo ellas ingenuas, pueden parecer aventuradas. El tema de aquella novela admite una descripción, el encanto del libertinaje, tema de Vargas Llosa. Ahora sé que también es tema del cual también debemos ocuparnos.

En sus cartas recientemente publicadas Vargas Llosa da prueba de su mala fe (pero poco sartreana en este caso), al creer que escribe contra censores y nacionalistas. Busca enemigos fáciles, a priori repudiados en el mundo globalizado en el que se mueve. ¿Qué peor que el inquisidor y el aldeano reducido a su necedad, el pobre individuo obturado por su cerrazón? ¿Contra eso discute usted, Vargas Llosa? Si es así, no es un polemista genuino, dispuesto a comprender razones y argumentos de sus contrincantes. Se mueve dentro de grandes cli-shés despojados de espesura, esos que le festejan las derechas mundiales. No vacila, en la cumbre de su fervor por la bravata –una fruición que domina a la perfección, pero con una superficialidad que en general no tienen sus novelas–, en arrojarnos a Ernesto Guevara o a Alberdi como inculpación, y al universalismo democrático y republicano como cartilla que no poseeríamos. ¡Meras argucias del pobre polemista mal informado!

Cuando usted escribió la saga de Roger Casemet, un alma conversa que pasa de su condición de agente humanitario del Imperio Británico hasta tornarse representante juramentado del Alzamiento protagonizado por la Hermandad Republicana Irlandesa, había demostrado mayor sensibilidad hacia las ideologías del siglo, los tormentos espirituales de los hombres combatientes o los rasgos mesiánicos de las raras criaturas antiliberales que pueblan el retablo revolucionario. Se dirá que el novelista promueve un interés especial por figuras que condenará en cambio el polemista de derecha, y que las dos esferas están separadas. Cierto, pero asombra la ligereza con que actúa con personas que no conoce, cuyo pensamiento no ha consultado, montándose así en previos eslabones de desprecio solventados por el grupo Prisa. En efecto, todo es muy rápido. No podemos comprender que como novelista alguien atienda bien las múltiples conciencias de sus personajes, y como polemista sea un prejuicioso señorcito, munido de sus certezas cortesanas, sin saber el significado real del episodio que lo involucra, paseándose por el mundo impartiendo condenas episcopales y dando cátedra sobre cómo fingirse víctima y actuar como un damnificado, que no lo es. No sabíamos cuánto le gustaban Alberdi y Che Guevara, señor Vargas Llosa, si no lo hubiéramos invitado a alguna mesa redonda sobre estos temas. Pero entonces allí sería necesario considerar diversas cuestiones. Nuestro universalismo parte efectivamente del concepto de pueblo-mundo de Alberdi, expresado en oportunidad de su oposición a la guerra contra Paraguay y la simultánea guerra Franco-Prusiana. Habría que ver qué piensan sus actuales amigos sobre esos puntos. No es el mismo universalismo del abstracto cosmopolitismo globalizado, sino que es el internacionalismo con atributos libertarios, que en nuestro caso mucho inspiramos en un Jorge Luis Borges, estación que queda muy lejos de la parada Vargas Llosa.

Le informo, mi amigo, que la Biblioteca Nacional de la Argentina, entre sus tantos linajes histórico-literarios (el morenista, el groussaquiano, el nacional-popular democrático), cultiva el de Borges, especialmente en lo que se refiere al tratamiento de las fantasmagorías complementarias de la historia. Hay una de ellas, la del “tema del traidor y del héroe” que usted, Sr. Vargas Llosa conoce bien, pues en él se inspira para escribir El sueño del celta. A condición de que esa circularidad de figuras contrapuestas no paralice la historia, es un buen ejercicio ético para cultivar una prudencia esencial para juzgar los grandes caracteres del movimiento social. Si Vargas Llosa sabe de esto, ¿por qué insiste en un juego menor de considerarse la víctima que no es, el censurado que no es, el perseguido que no es, el humillado que no es y, en última instancia, el liberal que no es? Sí, porque el liberalismo, tradición ideológica compleja, incluye la consideración absoluta por los argumentos que surgen del Otro, de ahí que las grandes filosofías del siglo XX son filosofías del Otro en diálogo trascendente con las filosofías del liberalismo de otras épocas.

Me refiero a las grandes herencias del hegelianismo, el marxismo, la fenomenología, el existencialismo, el psicoanálisis lacaniano, y sin duda también de Heidegger, cada uno con sus diferencias y dificultades. No hacen otra cosa que replicar en variados ambientes históricos las grandes conquistas antiabsolutistas del liberalismo revolucionario. La conversión incesante a la que Vargas Llosa somete a sus personajes y opiniones, lo hace hoy un protagonista especial de la transformación del liberalismo de la alteridad (y algo de eso sabía cuando le escribió su buena carta a Videla para pedir por los escritores desaparecidos) en un liberalismo repleto de astucias aprendidas en los laboratorios de una derecha internacional poco afecta al debate, pero insaciable en la invención de villanos y esperpentos con los que sería pan comido debatir. No somos eso, Sr. Vargas. Si desea discutir, cuando dé sus conferencias entre nosotros, trate de afinar sus argumentos para que no sean simples fachadas con las cuales confundir a las buenas conciencias sobre los gobiernos populares que usted busca debilitar. Lo escucharemos de todas maneras, pero lo preferimos en su mejor agudeza antes que en su enunciación chicanera. No le hace bien quedar a un nivel inferior a la de las más débiles “zonceras” que el escritor argentino Arturo Jauretche supo criticar con ironía.

Si se le pudiera decir algo a Vargas Llosa –a su sensibilidad de novelista, no de articulista mal informado– le indicaríamos que deje de inventar hombres infames y réprobos, prefabricados en el laboratorio creado por alquimistas duchos en moldear marionetas como contrincantes, con las que les sería fácil discutir y derrotar sin la molestia del argumento. Si aun no le molesta argumentar, Sr. Vargas, ensaye hacerlo con nosotros, que no somos lo que usted caricaturiza sin resguardar estilo ni cuidado. El buen liberal, si no es excesivamente de derecha, dice que el ser es lo que es, pero que puede cambiar. Usted, como liberal, parece en cambio un arrebolado dialéctico de las catacumbas más atrevidas: el ser no es lo que es y es lo que no es. Y así, le gusta debatir contra espectros de su propia imaginación y encima se convierte en guevarista. Se lo festejamos. Cuando ofrezca sus conferencias quizás tendrá oportunidad de aclararnos tantas confusiones, y si se lo permite su papel de monarca en el Olimpo desde los que manda sus rayos de Júpiter sin averiguar de qué se trata, acaso se anime a debatir estos temas sin recurrir a injurias, que no lo favorecen, pues incluso el arte de injuriar requiere estar antes bien informado. Relea los consejos de Borges al respecto. O vea cómo debatieron, escribieron y formularon un universalismo desde su circunstancia peruana, José Carlos Mariátegui o César Vallejo. Confío, Vargas, que no los haya olvidado.

Fuimos nosotros los que dijimos que lo respetábamos como novelista, no sólo las suyas de los inicios, sino también las de su madurez. Es que tuvimos en cuenta para eso la condición amplia del lector contemporáneo, el lector que a pesar de ser buen custodio de sus propias exigencias, también se entrega a las obras bien planeadas y escritas, aunque salidas de un gabinete de recursos y géneros que ya no reservan sorpresas mayores. Si nos colocamos en las posiciones más rigurosas, es evidente que este es su caso, al ofrecer ahora una novelística para un lector abstracto internacional, facturada con buenos recursos, pero ajena a la aventura de las lenguas que se piensan a sí mismas en su argamasa interna de disonancias y experimentaciones.

Ahí, nos permitimos dudar de que usted siga frecuentando los horizontes de la gran novela –las de Faulkner, Conrad o Flaubert que esgrimiera en sus primeros escarceos–, sustituidas apenas por las técnicas del buen artesano. Créanos, Vargas Llosa, abra su escucha a quienes no sólo no lo censuramos ni lo injuriamos, escuche a quienes bien lo hemos leído y decidimos entablar una discusión con usted; no asemeje su labor literaria en lo que le queda de elegante, bien resuelta, sin duda ingeniosa, con los atributos del panfletista desflecado (adjetivo de David Viñas), que ve amenazas inexistentes, horrorosos nacionalismos, inquisidores atrabiliarios y otras yerbas del bestiario del ciudadano exquisito. ¿Nosotros atados a los postes restringidos de cualquier cierre cultural? No, amigo mío: somos hijos de José Martí, universalista latinoamericano, y de José Lezama Lima, poeta irredento. Nunca nadie quiso impedir sus conferencias; ahora le pedimos que las dé si es posible con los temas de este debate, que se informe adecuadamente sobre las ideas que trata de embestir, y una vez cumplido, que trate de exponer caballerescamente sus ideas, como en otros tiempos supo hacerlo. La ciudad que todos deseamos ver sin el mundo viscoso de las órdenes y oscuros poderes que usted caracterizó y criticó muy bien en sus primeros escritos, lo espera para un digno debate. No se hurte de él con esas fáciles prisas por el agravio inútil.

* Ensayista.

Texto: Pagina 12 - 14-03-11

Retrato de una Dama

2011-03-09T08:43:00.000-08:00

Por Mónica Maristain

Desde México D.F.

Elena Poniatowska, escritora y periodista, nació en París el 19 de mayo de 1932. Llegó a México en 1941, donde se convirtió en una intelectual de energía inagotable, amiga de todos los personajes que construyeron la cultura diversa y transformadora del gran país centroamericano. Amiga de Juan José Arreola, de Carlos Monsiváis, de Diego Rivera, de Luis Buñuel y, sobre todo, amiga de su madre, a la que perdió en 2001, el mismo año en que recibiera el premio Alfaguara de novela por La piel del cielo.

Su crónica sobre la matanza estudiantil del 2 de octubre de 1968, reflejada en el libro La noche de Tlatelolco, es aún material de consulta inapreciable, y su novela Tinísima, dedicada a la fotógrafa italiana Tina Modotti, ha sido considerada un tratado de enorme belleza que da cuenta de los febriles años ’20 en un México que se abría al mundo.

Elena Poniatowska ganó el premio Rómulo Gallegos en 2007 por su novela El tren pasa primero, basada en el movimiento ferrocarrilero mexicano de 1959, y por su profuso trabajo en los medios gráficos, donde desarrolló una técnica impecable de la entrevista amena y confesional, esta hoy dulce anciana de origen aristocrático y de militancia de izquierda es considerada maestra de periodistas.

Octavio Paz la elogiaba porque “domina el arte de escuchar” y el cronista y escritor Carlos Monsiváis, su gran amigo fallecido en 2010, le decía “Elenita” con una ternura que ella añora hoy, casi con desgarro. Al fin y al cabo, fue Poniatowska la que hizo temblar el Palacio de Bellas Artes en el pasado junio, cuando en un estremecedor discurso preguntó al aire y con voz fuerte y llorosa: “¿Qué vamos a hacer sin ti, Monsi? Aquí estamos tus amigos, preguntándote, por qué nos hiciste esto... Por qué no nos preparaste para tu ausencia...”

Su apellido es de origen polaco y su familia vivió en Francia durante tres generaciones. Toda su vida en México ha sido al servicio de las causas sociales y de un oficio que abrazó con pasión en 1953, “por el afán de saber, de participar y también el afán de ser querido”.

Lee a todas horas y escribe todo el tiempo, pero jamás aceptaría que la llamaran una intelectual. “Soy una mujer ama de casa. Tengo diez nietos, voy al supermercado y tengo que pulir las lámparas, hacer el desayuno, hacer la comida, hacer la cena. Me gusta mucho hacer eso. Y pienso que debí hacerlo más cuando mis hijos eran pequeños, en vez de apasionarme con la escritura”, se lamenta.

A la literatura la mira con respeto. “Ahora, con la edad, pienso que me cuesta más trabajo ser crítica, y a medida que avanza el tiempo en vez de ganar seguridad, la pierdo”, admite.

Sin embargo, no le va nada mal con sus novelas. En un territorio editorial donde la competencia se ha hecho feroz, esta mujer de ojos azules, pelo blanco y muy bien llevados 79 años, acaba de ganar el premio Biblioteca Breve 2011 por la novela Leonora, dedicada a su amiga, la pintora inglesa Leonora Carrington.

El jurado, integrado por los escritores José Manuel Caballero Bonald, Pere Gimferrer y Rosa Montero, el catedrático de literatura y crítico literario Darío Villanueva y por la editora Elena Ramírez, afirmó que “en un escenario cosmopolita y con recursos verbales magistrales, Elena Poniatowska construye una figura femenina turbadora en la que se encarnan los sueños y las pesadillas del siglo XX”. El galardón, que se otorga anualmente, está dotado con 30.000 euros (algo más de 40.000 dólares).

–¿Le gusta seguir recibiendo premios?

–Claro, me gusta mucho. Los premios son un aliciente a tanto trabajo, tanto esfuerzo. Realmente es muy difícil escribir. No es nada alivianado. Digamos que es más fácil hacer periodismo, ¿no le parece? Por ejemplo, si tuviera que hacer una entrevista o una crónica, ya sé que con ese tema de las prisas, con esa cuestión de la entrega, puedo librarme del compromiso. Si sale algo más o menos siempre tendré la excusa de que no tuve suficiente tiempo. Pero aislarse y estar encerrada durante un tiempo para hacer una novela, la llena a una de mucha responsabilidad. La literatura es un acto solitario, todo depende de uno mismo, no le puede echar la culpa a nadie.

–¿Y cómo se enteró de que había ganado el Biblioteca Breve?

–Me llamaron por teléfono y la verdad me puse muy contenta. ¡Es Seix Barral! Además, con la situación de guerra que estamos viviendo en México, es una buena noticia que una mexicana gane un premio. Esta espantosa guerra del narco nos está doliendo a todos los ciudadanos y espero realmente que las cosas cambien, aunque no para mal, claro está.

–A lo largo de su carrera, ¿qué importancia han tenido los premios?

–Bueno, fue muy importante el Rómulo Gallegos en 2007. Me acuerdo mucho cuando gané el Alfaguara. Me dio mucha alegría por un lado, pero por el otro estaba muy triste. Ese fue el año en que murió mi madre, que fue una mujer extraordinariamente valiente. Era bellísima, tímida y extremadamente preocupada por sus hijos. Quiero demostrar mi cariño, ser así, como era ella.

La Carrington

Poniatowska suele decir de Leonora Carrington que es “una madre devota, de vocación total hacia la maternidad”. Carlos Monsiváis destacaba de ella “su gran compromiso con los principios libertarios del movimiento estudiantil del ’68”. Carlos Fuentes adora sus cuadros. “La imaginación no es sólo el reflejo de la realidad: la crea”, afirma el autor de La muerte de Artemio Cruz cuando habla de la plástica de esta artista nacida el 6 de abril de 1917 en el pueblo de Chorley, en Lancashire, Inglaterra, quien abrazó la corriente surrealista gracias a su encuentro en 1936 con el pintor alemán Max Ernst, con quien también mantuvo una relación sentimental.

En París, Carrington se hizo amiga de famosos surrealistas como el pintor catalán Joan Miró y el poeta francés André Breton. De militancia antifascista, Leonora también se volcó de manera rigurosa a la escritura, hecho que según Monsiváis “distingue notablemente su manera de pintar”. Carrington llegó a México en 1943 y desde entonces formó parte activa de la vida cultural azteca.

Hoy, Elena Poniatowska vuelve a ponerla en el centro de atención con un libro que, asegura la escritora, “no es ni una crítica de la pintura de Leonora Carrington ni una biografía. Es una obra basada en conversaciones que sostuvimos durante múltiples entrevistas, en los libros de la propia Leonora y en los que se han escrito sobre ella: el de Whitney Chadwick, el de Susan L. Alberth, el de Julotte Roche”.

En un artículo publicado en el periódico mexicano La Jornada, Poniatowska reveló que conoció a la pintora, que es tema de su reciente novela, en los años ’50. “La primera entrevista que le hice apareció en el periódico Novedades, que ya no existe. En estos últimos años he visitado a Leonora a menudo. Hablar con ella de su infancia fue sencillo. Yo le contaba de la mía y, a pesar de los quince años de diferencia en edades, había muchas semejanzas en la forma europea en que nos educaron. De lo que no habló fue de Max Ernst. Cuando le pregunté si había sido su gran amor, respondió que cada amor era distinto; cuando le comenté que su matrimonio con Renato Leduc había sido sólo conveniencia, respondió: ‘Bueno, tampoco’...”

“Leonora no es sólo un acto de amor sino también un homenaje a la vida y a la obra de esta mujer que ha hechizado a México con sus colores, sus palabras, sus delirios, sus arranques, sus historias. Trajo a nuestro país todos los recuerdos de sus vidas anteriores, todos los paisajes, los caminos bajo las acacias, todas las verduras que en México no se comían como los salsifíes, las endivias, las alcachofas. Trajo a Simone Martini, a Piero della Francesca, al Bosco y a Grünewald. Pudo haber vivido en Inglaterra, su país de origen, en los Estados Unidos, en Francia o en España, pero es un privilegio saber que un artista de su altura haya decidido ser mexicana. La deuda con ella es inestimable.”

–¿Cómo es Leonora Carrington?

–Es una mujer maravillosa, tiene una sonrisa preciosa, posee inteligencia y sentido del humor. Me da mucho gusto visitarla. Ella no sería lo que ahora es sin México, siente que la gente la admira y la quiere, es una persona extraordinaria y fuera de lo común; desde hace muchos años fuma y fuma tanto que pienso que un día se va a evaporar con el humo del cigarro.

–¿Sabía que usted estaba escribiendo una novela sobre ella?

–Ay, no sé. Seguro que no. Y si lo sabía, no le importó. A ella no le importan las cosas que se escriben o se dicen de ella. Le gusta la política o habla de las cosas inmediatas, comunes, cotidianas. Está por encima de todo mito.

–¿Y por qué eligió la novela como género para hablar de Leonora y no una biografía?

–Mire usted, no tengo formación académica para escribir una biografía. Me da mucha flojera eso del pie de página. Además, en Leonora hay muchas cosas inventadas, hay diálogos que no existieron. Ella, además de ser pintora, es una gran escritora, que narra muy bien. En mi libro hay muchos cuentos que ella me ha pasado.

Mucho trabajo, mucho esfuerzo

–¿Sus hijos son lo que usted hubiera querido de ellos?

–Sí. Son muy buenos, desprendidos. Muy dispuestos a dar a los demás, tienen carreras, les gustan los árboles, son buenos con los animales, tienen perros y gatos.

–¿Son sus lectores?

–Poco. Quizás han leído un libro, pero no lo sé. Me parece espantoso, pesarles, imponerles. Nunca les pregunto si han leído algo o no. Creo que cuando me muera leerán algo para saber, pero ahora es como un trabajo, hablamos de cosas generales.

–Y en la relación con su hija, ¿cree que hay cosas parecidas a las que usted tenía con su mamá?

–Sí, siento que mi hija es muy noble, muy agradecida. Mis hijos son gente de primera, porque no viven para ellos mismos o para estupideces como para un coche o una casa. Ellos viven para los demás.

–¿Lee más de lo que escribe o escribe más de lo que lee?

–Pues escribo mucho, porque sigo haciendo mucho periodismo, pero quisiera dedicarme nada más a los libros. Ahora siento que se me acerca más el fin y quisiera poner orden en todos mis papeles, no soy organizada, me faltan muchos materiales. Mis hijos no van a querer todo lo que hay aquí, no los puedo abrumar, en la vida moderna de los jóvenes no hay cabida para los libros, entonces, quiero organizar, recuperar. Tengo muchísimas libretas en las que hay cuentos y poemas y quisiera ver de qué se trata. Y quisiera donar, porque si yo me muriera ahora les dejaría un gran problema.

–¿Escribiría sus memorias, por dónde empezaría a contarlas?

–He puesto mucho de mí en las novelas, entonces creo que puedo seguir haciéndolo en novelas. Uno va poniendo cachitos de lo que uno vive. De lo que uno experimenta.

–¿Y qué historias se quedaron en el camino?

–Bueno, hay muchas. Como entrevistas que no hice, por ejemplo me hubiera gustado entrevistar a Nelson Mandela, me hubiera gustado entrevistar a Dr. Atl (seudónimo del pintor mexicano Gerardo Murillo) que me vino a buscar a la casa.

–¿Qué quería el Dr. Atl?

–Bueno, vino por amable, supongo que habría escuchado hablar de mí y me quería saludar, conocer. Yo no lo fui a buscar y esperé y después murió. Hay muchas cosas que no he hecho. He trabajado mucho, la cantidad de volúmenes y volúmenes de entrevistas, algunas muy inútiles que me ha mandado a hacer, claro, el jefe de redacción.

–¿Cuál es la entrevista inútil?

–Como era mujer, me mandaban a hacer notas de consejos de belleza, de moda, crónicas de bodas. A mí eso no me interesaba.

–¿Y qué libros vienen?

–Bueno, me faltan nueve para cumplir mi objetivo.

–¿Cuál es ese objetivo?

–Hacer un libro para cada uno de mis nietos. Tengo diez. Leonora está dedicado a mi nieto Thomas Haro Refuveille. Y el próximo será para Inés, mi nieta, la hija de Felipe. Voy a ir de mayor a menor.

–¿Y sobre qué escribirá?

–Bueno, tengo muchas cosas en la cabeza. Quiero escribir una novela sobre mi marido Guillermo Haro (un astrónomo de gran relevancia, padre de sus hijos y en quien Elena se inspiró para escribir Piel del cielo). También quiero hacer una novela sobre los Poniatowski, porque encontré que Estanislao Poniatowski fue amante de Catalina la Grande; podría hacer algo sobre esa época, me gustaría mucho.

–¿Es cierto eso de que en México no se lee?

–No, no es cierto. Los mexicanos sí leen. Lo puedo ver por mi propio libro La noche de Tlatelolco, que se sigue vendiendo a través de los años. Y hoy mismo le mandé un libro a alguien porque me dijo: ¡Ay, no lo leí! De todos modos, siento que no hay un público como lo habría en Argentina o en Europa.

–Ahora que se va a España a presentar su libro, ¿le A gusta viajar?

–Sí, me gusta, aunque no quisiera ser el tema principal de cualquier plática en España. En eso, me estoy pareciendo a Leonora Carrington. Me gustaría más dialogar sobre las cosas que pasan en el mundo y no tanto de mí.

publicado en diario pagina 12 - 09-03-11 .

Cosquin Rock 2011 ...¡¡¡ Allá vamos !!!....

2011-01-23T04:00:00.000-08:00

Definitivamente Cosquin Rock es uno de los festivales más importantes de Latinoamérica y sin duda el primero en marcar la ruta de los nuevos mega eventos internacionales del género en Argentina.

Este festival toma el nombre de la ciudad que lo vio nacer. Cosquín es una localidad ubicada a poco más de 60 km de la capital mediterránea y es conocida a nivel internacional por los festivales de raíces folklóricas que alberga durante el verano.

La idea de compartir la tradicional plaza folklórica con un pariente, en ese entonces, tan lejano como el rock, surgió de la voz del festival “Aquí Cosquín”. Fue Julio Márbiz, el histórico presentador del evento de las 9 lunas, quien abrió la puerta del estadio, para que José Palazzo comenzara a soñar con un festival de Rock.

Lo que desde un principio pareció salido de un brote de locura, prontamente iba tomando color. El tridente conformado en ese entonces por José Palazzo, Costantino Carrara y Héctor “El Perro” Emaides fue consolidando la idea junto a dos bandas clave: Divididos y Los Piojos. La grilla también se completó con grupos como Las Pelotas, Catupecu Machu, Bersuit Vergarabat, Pez y Kapanga. Más de 14 bandas repartidas en dos jornadas, Sábado 10 y Domingo 11 de febrero de 2001.

Un año más tarde, a pesar de la crisis que desde fines del 2001 conmovía a todo el país, el festival seguía en pie, y no sólo eso… se decidió redoblar la apuesta. Se convocaron 36 grupos para pisar el escenario Atahualpa Yupanqui, entre los cuales se encontraba Pappo´s Blues y Riff, Babasónicos, Las Pelotas, Divididos, Catupecu Machu, Ratones Paranóicos, Ataque77, entre otros. La cantidad de días había aumentado, y también las preocupaciones. Durante la noche del viernes 8 de febrero del 2002, un grupo intentó entrar por la fuerza, lo que desencadenó en una riña que tuvo como resultado un par de detenidos, roturas de vidrios y, lo peor, el festival estaba a punto de suspenderse. Por suerte todo se solucionó en cuestión de horas y Cosquin Rock sobrevivió para recordarlo.

Para el 2003 Charly García fue convocado como una de las estrellas que coronarían la tercera edición. Su actuación entre las sábanas de una cama, tendida en medio del set fue memorable.

En esta oportunidad fueron 4 días (8, 9 10 y 11 de febrero) y entre las bandas que se presentaron en el CR 03 se encontraban: Divididos, Almafuerte, Kapanga, Las Pelotas, Catupecu Machu, Charly García, Fito Paez, Los Piojos, Pappo. Lo que se destaca de esta grilla fueron los increíbles cruces en el escenario que se dieron durante la presentación de Charly, quién apenas comenzó a tocar “Cerca de La revolución” invitó a Fito a subir al escenario; o el show de Los Piojos y Las Pelotas, haciendo “Shine” juntos.

Para el 2004 la grilla era increíble. Se planearon 4 días (5, 6, 7 y 8 de febrero). Los principales grupos eran: Charly García, Fito Páez, Los Piojos, Leon Gieco, Spinetta, Las Pelotas, Divididos, Molotov, Bersuit Vergarabat, Attaque 77, Catupecu Machu e Intoxicados. A pesar de esto, fue un año caótico para Cosquin Rock. Varios acontecimientos tiñeron de malos recuerdos esta cuarta edición. Por empezar, a raíz de unos cambios que la organización propuso efectuar en la infraestructura de la plaza, el pueblo de Cosquin se levantó en contra del festival, intentando que no se hagan modificaciones en el histórico predio. Por otro lado, los sponsors retiraron su apoyo a pocos meses de su realización. Continuando con la seguidilla de hechos lastimosos, la intendencia puso trabas continuamente para el desarrollo del encuentro. Sumado a esto, llegado el primer día, la ciudad quedó desabastecida en horas y las calles estaban colapsadas de gente; Andrés Ciro se lesionó en medio del show de Los Piojos; hubo graves problemas en la organización. Y la gota que rebalsó el vaso, por problemas en el sonido Charly se enojó y abandonó el escenario. La gente, ya (muy) enojada, comenzó a romper lo que encontraba a su paso…. Cosquin Rock 04 parecía embrujado.

Finalizado el festival, se replantearon muchas cosas para no cometer errores en 2005. La producción comenzó con tiempo a organizar la 5ta edición, pero la intendencia continuaba poniendo obstáculos para realizar el evento en Cosquin. Y a pesar de la voluntad y los intentos de armonizar intereses, no se llegó a un acuerdo, y la producción decidió mudar el festival a otro predio.

Al año siguiente el festival renacería en otro lugar. El mega evento se asentó en una pequeña localidad, la Comuna San Roque. Este nuevo encuentro nacional de bandas se desarrollaría con tres escenarios simultáneos a orillas del lago y enmarcado por las mágicas sierras. Las esperanzas estaban renovadas y, a pesar del trajín que significaba mudarse a un lugar completamente vacío (sin ni siquiera tendido eléctrico), parecía ser proyecto auspicioso. Se habían programado 5 noches, de las cuales, la primera sería coronada con la presencia de Charly García, totalmente gratis. También se esperaba la presencia de Callejeros, que en esa época eran la banda del momento; Sepultura, Marky Ramone, Molotov y Barón Rojo, además de las mejores figuras nacionales (Charly García, Leon Gieco, Luis Albero Spinetta, Los Cafres, Fidel Nadal, Divididos, Catupecu Machu, Riff, Babasonicos, Rata Blanca, Las Pelotas).

Todo parecía moverse sobre ruedas, hasta que ocurrió la peor catástrofe del rock nacional. La tragedia de Cromañón. Como era de prever, este funesto evento repercutió gravemente en Cosquín Rock. El mundillo rockero se dividió entre los que apoyaban a la banda de Fontanet y los que le dieron la espalda. Al igual que muchos músicos, la mayoría de los Sponsors se bajaron del festival. Sumado a esto, El Perro, abandonó el proyecto, dejándolo en manos de Palazzo y del “Negro” Constantino. Obviamente Callejeros no tocó y en su lugar, el cierre lo haría León Gieco.

Volviendo al primer día y la actuación de Charly, esta también fue un poco accidentada. Las puertas del festival se abrieron y 40 mil personas pisaron por primera vez el predio de la montaña. Todos esperaban a Charly García… y sí que esperaron. Llegó 8 horas tarde, pero aún así, la gente quedó conforme. Fue un show de casi 3 horas, sin dudas uno de los mejores conciertos que ofreció en su vida. El resto de los días se desarrollaron con normalidad.

El 2006 el rock se viste nuevamente de luto. Pappo pierde su vida en enero de ese año, y la necesidad de homenajearlo era compartida por todos, organizadores, músicos, fanáticos… y así fue. Norberto Napolitano tuvo su tributo junto a sus compañeros de ruta.

La sexta edición contaba con 5dias nuevamente (25, 26, 27, 28 y 29 de Enero). Fueron más de 120 grupos entre los que se encontraban principalmente: Skay Beilinson, Leon Gieco, Los Cafres, El Bordo, La 25, Miranda, Nonpalidece, Fidel Nadal, Catupecu Machu, La Vela Puerca, Babasonicos, Rata Blanca, Las Pelotas, Intoxicados, Los Violadores, Cadena Perpetua, Dos minutos.

El clima fue un eterno rival del festival. El día en que Skay debía probar sonido hubo un tifón en Santa María de Punilla, provocando desastres en la estructura del festival, pero las cosas se arreglaron y todo siguió como debía. Ese Cosquín fue memorable. Gracias a la idea de Skay se produjo un “encuentro cultural” en el que participaría Rocambole, el mítico retratador Ricotero, con una muestra de serigrafías de su autoría, también fueron invitados algunos periodistas especializados y la gente de la Unión de Músicos Independientes para dar charlas abiertas al público.

En el 2007, Cosquin Rock volvió a la mesurada cifra de 3 días de festival. Viernes 9, Sábado 10 y Domingo 11 de Febrero, la montaña volvía a latir al ritmo del rock. Esta vez, la estrella del Festival fue Callejeros y 30 mil fanáticos se congregaron para disfrutarlos, durante la tercer jornada.

Al año siguiente se siguió con la modalidad de los tres días (Viernes 8, Sábado 9 y Domingo 10 de febrero de 2008). Suicidal Tendencies, Attaque 77, La Vela Puerca, Catupecu Machu, Cafe Tacuva, Los Cafres, Carajo, Árbol, Todos tus muertos, Almafuerte, Horcas, O`connor, Kink, Los Gardelitos, Intoxicados, Las Pelotas, Ratones Paranoicos, Los Violadores, Cadena Perpetua, 2 minutos, son algunas de los casi 80 grupos que sonaron en la Comuna San Rock-e.

La presentación de Los Gardelitos, durante el cierre de la segunda noche, fue digna de mención. Bajo una lluvia torrencial, el grupo de Eli Suárez brindó un show realmente enérgico, con más de 10 mil personas saltando bajo el agua.

Ese año, Los Piojos volvieron a tocar en Cosquín el domingo 10, debutando en el nuevo predio, luego de 3 años de ausencia. Cerrando la noche, se proyectó Luca, la película de Rodrigo Espina que narra la vida del cantante de Sumo.

En la novena edición, se esperaba la participación de uno de los grupos más importantes del heavy metal y hard rock internacional: Deep Purple. Las fecha del festival estaba programada para el 13, 14 y 15 de febrero del 2009, pero a raíz de un cambio de último momento en la gira de los Purple, se debió trasladar todo una semana más. Otra de las modificaciones fue la inclusión de una nueva jornada en la grilla. Sería el 27 de febrero, día en el que actuaría Manu Chao con su radio Bemba.

Entre las casi 80 bandas que se presentaron en este festival se encontraban: Intoxicados (el último show de la agrupación, antes de que Pity Álvarez volviera con Viejas Locas), Babasonicos, Catupecu Machu, León Gieco + D-MENTE, Las Pastillas del Abuelo, Massacre, Todos Tus Muertos, Las Manos de Filippi, Shaila, Almafuerte, Deep Purple, La Vela Puerca, No Te Va Gustar, Los Cafres, Cielo Razzo, Los Piojos, Las Pelotas, Ratones Paranoicos, Los Gardelitos, Viticus, Manu Chao, Karamelo Santo, Kapanga.

Y finalmente llegó el momento esperado y, a la vez, el que nadie imaginó desde un principio. Cosquin Rock llegó a cumplir la década y se celebró durante el viernes 12, sábado13 y domingo 14 de febrero. Esta edición se planteaba como una fiesta y estaban todos invitados. El viernes se presentó Emir Kusturica desquiciando al público con sus sonidos balcánicos. Además participaron de la grilla Skay, Las Pelotas, Las Pastillas del Abuelo, El Cuarteto de Nos, Dancing Mood, La Franela, La 25, Gardelitos, Cielo Razzo, Almafuerte, Sepultura, Dead Mar- I, Masacre (Colombia), Babasónicos, Charly Garcia, Ratones Paranoicos, Babasonicos, Die Toten Hosen y Viticus, entre otros.

La segunda noche iba a ser para Callejeros, pero por problemas de público conocimiento se tuvieron que bajar de la grilla y en su lugar, Viejas Locas cerró las dos primeras noches. La tercera jornada estuvo a cargo de un Charly García completamente renovado. Durante los tres días se incorporó el museo de Peter Capusotto donde se mostraba la indumentaria que utiliza el ex Cha Cha Cha para darle vida a sus personajes.

En el 2011, Cosquin Rock vuelve a mudarse a una nueva sede para una mayor comodidad y calidad organizativa. Hasta ahora era lo único que se conocía. Pero además, es sabido que el festival está por cumplir 11 años de trayectoria y en su haber, una serie de acontecimientos han forjado una esencia que va más allá de los lugares de asentamiento y sus invitados estelares… Son estas y muchas otras anécdotas las que lograron darle vida propia a un festival que, más allá de su existencia, por siempre seguirá palpitando en la montaña.

Fuente: www.cosquinrock.net

El día en que el mundo volvió a quedar patas para arriba

2011-01-11T04:44:00.000-08:00

Creadora de personajes entrañables, como Manuelita la tortuga, y de canciones inolvidables, fue una de las grandes figuras de la cultura popular del siglo XX. Escribió más de 40 libros y no esquivó nunca –ni siquiera en dictadura– el debate político.

Por Silvina Friera - Pagina 12 - 11-01-11

Verano imperdonable, con la tristeza embotellada en los ojos, en el cuerpo. El país está de riguroso luto. Las niñas y los niños de ayer, las mujeres y los hombres de hoy que siguen cantando a coro a Manuelita que vivía en Pehuajó tienen una pena infinita. Esas voces ahora se quiebran –la congoja siempre desafina– cuando intentan completar lo que hizo la tortuga: un día se marchó. “¡Qué de campanas en la sangre siento/ cada vez que me olvido de la muerte!/

Pero sucede que ella no me olvida”. Estos versos, pletóricos de exquisito dolor adolescente, pertenecen al primer libro que publicó María Elena Walsh, Otoño imperdonable, en 1947. Prologaban, con la energía desmesurada delosprimeros pasos, la obra de una artista genial, tan fuera de ser

ie que todo lo que tocaba –poesía, narrativa, música, dramaturgia– devenía inmediatamente en oro. Tan fuera de serie es –en presente, porque su inmenso legado no admite el pretérito– que considerarla un “icono nacional, “prócer cultural”, “blasón de casi todas las infancias”, “un mito o patrimonio de la Argentina”, es recitar –de memoria– una seguidilla de lugares comunes de la lengua contra los que ella luchó hasta pulverizarlos. La muerte no se olvid

ó de ella. Aunque se deseó que la noticia se hiciera humo, como un mal presagio, ayer murió María Elena o la Walsh –como prefiera cada lector–, a los 80 años, “luego de una prolongada internación y como epílogo de padecimientos crónicos que la aquejaban”, según indicó el parte emitido por el Sanatorio de la Trinidad.

La muchacha que alguna vez se definió como “desabrida, limpia y chúcara” nació en “cuna de oro” el 1º de febrero de 1930, en Ramos Mejía. Su padre, Enrique Walsh, era un alto empleado de los ferrocarriles, “un anglo-argentino enamorado de Dickens y fabuloso músico autodidacto” que tocaba muy bien el piano. Su madre, Lucía Elena Monsalvo, descendía de andaluces. En la tranquila población de la línea del Oeste, la niña trovadora crecía con el abono ideal: infancia de clase media ilustrada, rodeada de libros y de cine. Entre sus fantasías más secretas –confesaría muchos años después, cuando ya era María Elena Walsh y se arrimaba a la orilla de lo que se llama un clásico– se imaginaba cantando y bailando en un escenario, como en las “maravillosas” comedias musicales que admiraba, las de Ginger Rogers y Fred Astaire. En el aula de sus recuerdos brillaba la alumna aplicada, amiga atenta de los árboles y las gallinas, y del pastito que brotaba entre los ladrillos de las antiguas veredas, las mismas que evocó en una de sus canciones, “Fideos finos”. En ese ambiente de libertad, el oído se afinó con las canciones tradiciones inglesas para niños que su padre le cantaba. Ahí comenzó a meter manos a la obra gracias a las construcciones verbales del nonsense británico.

Dueña de un pudor victoriano que se confundía tal vez con timidez, María Elena se plantó, incorregible en su rebeldía, cuando a los 12 años decidió ingresar a la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano. Allí conoció a la fotógrafa Sara Facio, quien con los años se convertiría en su “gran amor, ese amor que no se desgasta sino que se transforma en compañía perfecta”, como se lee en su última novela autobiográfica, Fantasmas en el parque, publicada en 2008. En 1945, con tan sólo 15 años, apareció su primer poema, titulado “Elegía”, en la revista El Hogar, y también escribió para el diario La Nación. Dos años después, en ese 1947 dolorosamente inolvidable, murió su padre al mismo tiempo que publicaba el poemario Otoño imperdonable, que recibió el segundo Premio Municipal de Poesía. Una lluvia de elogios coronó a la “joven promesa”. Jorge Luis Borges, Pablo Neruda, Silvina Ocampo y Juan Ramón Jiménez celebraron ese primer libro.

Cuando se recibió de profesora de Dibujo y Pintura, enfiló con una beca para la Universidad de Maryland (Estados Unidos), invitada por Jiménez, el autor de Platero y yo. Los seis meses que permaneció junto al poeta fueron una experiencia traumática. Inolvidable, en el peor de los sentidos. “Cada día tenía que inventarme coraje para enfrentarlo, repasar mi insignificancia, cubrirme de una desdicha que hoy me rebela –escribió Walsh en un texto publicado en la revista Sur, en 1957–. Me sentía averiguada y condenada. Suelo evocar con rencor a la gente que, mayor en mundo, tuvo mi verde destino entre sus manos y no hizo más que paralizarlo.”

De regreso en Buenos Aires, consiguió la medicina para superar ese mal trago junto a Jiménez. Volvió a escribir ensayos en diversas publicaciones y frecuentó los círculos literarios e intelectuales. “Como a sus vanas hojas/ el tiempo me perdía./ Clavada a la madera de otro sueño/ volaban sobre mí noches y días.” Otra vez llegó un libro, el segundo poemario, Baladas con Angel, editado en un mismo volumen con Argumento del enamorado, de Angel Bonomini, quien entonces era novio de María Elena. No todo iba viento en popa, aunque pocos lo pudieran percibir. No soportaba las presiones familiares ni de la sociedad. Para ella el peronismo era una “dictadura”. Necesitaba un cambio, respirar otros aires. La aventura arrancó con una carta que sería el principio de una asociación artística y amorosa. La tucumana Leda Valladares, que entonces se encontraba en Costa Rica, la tentó con una propuesta: juntarse en Panamá para rumbear juntas hacia Europa. En el barco Reina del Pacífico, María Elena se probó el traje de cantante. Días y noches su voz se fue fogueando con las zambas de Yupanqui y los hermanos Abalos; cantó chacareras, bagualas y vidalitas anónimas, al son de los instrumentos de la compañera tucumana. Instaladas en París en 1952, en el Hôtel du Grand Balcon, una desvencijada pensión de artistas, la dupla fue eclipsando los escenarios parisienses con su exótico repertorio de canciones folklóricas. El dúo llegó nada menos que al famoso cabaret Crazy Horse. Pablo Picasso, Jacques Prévert y Joan Miró estuvieron entre su fascinado público. Las muchachas compartieron camarín con Charles Aznavour, por entonces un simple debutante.

En la “ruta a la libertad”, en la París donde se codeó con la chilena Violeta Parra y grabó sus primeros álbumes –Chants d’Argentine (1954) y Sous le ciel de l’Argentine (1955), con canciones de tradición oral del folklore andino argentino–, empezó a escribir su primer libro para chicos, Tutú Marambá. Leda & María Elena volvieron a la Argentina en 1956 y pronto salieron de gira por el noroeste argentino. Después grabarían los dos primeros álbumes en el país, Entre valles y quebradas vol 1 y Entre valles y quebradas vol 2, ambos de 1957. Canciones de Tutú Marambá (1960) incluye las primeras canciones que harían famosa a María Elena: “La vaca estudiosa”, “Canción del pescador”, “El Reino del Revés” y “Canción de Titina”. El espectáculo musical-dramático para niños concebido por el dúo, Canciones para mirar, se estrenó en el Teatro San Martín en 1962. A partir de doce canciones, Leda y María irrumpían en el escenario vestidas como juglares mientras los actores –Alberto Fernández de Rosa y Laura Saniez– representaban mímicamente, entre otras, “La Pájara Pinta”, “Canción del estornudo” y “La mona Jacinta”. La sociedad parió un nuevo espectáculo más, Doña Disparate y Bambuco, dirigido por María Herminia Avellaneda, donde aparecieron el Mono Liso y la tortuga Manuelita, el personaje insignia del universo infantil amasado por Walsh.

Antes de la separación de María Elena & Leda, hubo un último disco, Navidad para los chicos (1963). Etapa creativa y amorosa cerrada, publicaría un puñado de libros para chicos –El reino del revés (1964), Zoo loco (1964), Dailan Kifki (1966), Cuentopos de Gulubú (1966) y Aire libre (1967), que consolidó el universo infantil que MEW construyó en la década del ’60. Desde entonces, las infancias de millones de argentinos estarán enlazadas por una liturgia inoxidable.

Narradora del disparate, “milagrera” a la hora de expandir el humor y el absurdo, irreverente hasta lo inconcebible, además de irónica y satírica, no habrá otra igual. La genia MEW, como si fuera una hechicera, tenía una pulsión poética extraordinaria. En la matriz de su escritura está la poesía. En el prólogo de Hecho a mano, su poemario para adultos de 1965, está la clave. “No sé, yo solamente versifico/ pura conversación a mi manera”, decía. Las etapas, del folklore a las canciones para chicos, pasaban. La poesía siempre quedaba. En el ’68 arrancó con sus recitales unipersonales para adultos, Juguemos en el mundo, que fue disco también y en 1971 se transformó en una película en la que actuó, dirigida por Avellaneda. Ese espectáculo-disco incluía la emblemática “Serenata para la tierra de uno”: “Porque me duele si me quedo,/ pero me muero si me voy/ con todo y a pesar de todo/ mi amor yo quiero vivir en vos”.

A la Walsh –opción que suena mejor para repasar sus intervenciones públicas– le encantaba levantar polvareda. La bandera que se enarboló como símbolo de libertad y coraje fue el artículo que publicó en 1979 “Desventuras en el País-Jardín de Infantes”, cansada por la censura y las prohibiciones de películas, programas de televisión y libros. Ya estaba retirada de los escenarios; dictadura, terror y espanto trajeron el parate artístico en 1978. Esa pieza contra la figura del censor merece ser revisada y discutida sin menoscabar la importancia capital que tuvo. Un párrafo de los menos recordados legitima sin artilugios lingüísticos el accionar de la represión y convalida la teoría de los “dos demonios”. “Que las autoridades hayan librado una dura guerra contra la subversión y procuren mantener la paz social son hechos unánimemente reconocidos –señaló en ese texto–. No sería justo erigirnos a nuestra vez en censores de una tarea que sabemos intrincada y de la que somos beneficiarios. Pero eso ya no justifica que a los honrados sobrevivientes del caos se nos encierre en una escuela de monjas preconciliares, amenazados de caer en penitencia en cualquier momento y sin saber bien por qué.” Ante la posibilidad de implementar la pena de muerte en el país, en 1991 escribió un poema demoledor: “Cada vez que se alude a este escarmiento, la Humanidad retrocede en cuatro patas”. La Walsh no sintonizaba con el imperativo de la “corrección política”. Una de sus últimas intervenciones más criticadas fue cuando –en 1996– invitó a la Carpa Blanca docente a retirarse de la plaza “por autoritaria e inofensiva”.

Su primera novela para adultos, Novios de antaño, fue publicada en 1990, el mismo año en que recibió el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Nacional de Córdoba, cuando ya era –desde 1985– Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. En 1994 se recopilaron las canciones completas para niños y adultos bajo el título Las canciones; toda su obra literaria ha sido reeditada por Alfaguara y sus libros han sido traducidos al inglés, francés, hebreo, italiano, finés, danés y sueco. En una de sus últimas entrevistas con el suplemento Radar habló de su reconciliación con el peronismo. “Al ver los manejos de la Revolución Libertadora recapacité sobre todo lo que había sido la obra del peronismo, aparte de sus manejos, así, represivos, digamos. Me di cuenta de lo que había representado para el pueblo, que es mucho. Años después viajé por el interior y la única escuela que había y el único puente eran restos de esa época del peronismo.” Se burlaba, en esa entrevista, sobre lo que le generaba la palabra “póstumo”. La pensaba como “una especie de chiste”. Y confesaba que le gustaría ser recordada “como alguien que quería dar alegría a los demás”. La vida sin María Elena tiene un gusto amargo. Entre risas y lágrimas, dos sentimientos que no son incompatibles, los argentinos la despedimos, emocionados: “¡Gracias, maestra, por tanta alegría!”.

HOT FESTIVAL 2010

2010-11-01T08:22:00.000-07:00

10 años después de la 1era edición del Festival mas auténtico e impactante de la Argentina (2001 campo de polo con REM, BECK, NEIL YOUNG y OASIS entre muchos otros) vuelve con un lineup super actual e igual de impactante que la 1era edición, uno de las mejores de los últimos años. Smashing Pumpkins (apertura en el luna el 18/11), Scissor Sisters, Mika, Massive Attack, Thievery Corporation, Phoenix, Hot Chip, Pavement, Stereophonics, Girl Talk, Cobra Starship, Catupecu Machu, Benjamin Biolay entre el viernes 19 y sabado 20 de Noviembre en Costanera Sur.

Contenidos: discotecas, carpas de disfraces, motel dentro del lugar, sector animé, masajistas, espacios fisico 2.0 (karaoke, rockband, subí a tocar en el festival, realizá tu clip, espacio facebook y twitter), casamientos en el hot, túnel del amor, descuentos para estudiantes, orangutanes bailando en escena y muchas otras actividades que lo convertirán en el evento del año. El Festival que faltaba en el cono sur, como Coachella en USA, Glastonbury en UK, Roskilde en Dinarmarca, Rock in Rio…. el HOT FESTIVAL en Buenos Aires!

Girl Talk, Stereophonics y Catupecu Machu se suman al Line Up del HOT junto a Smashing Pumpkins, Scissor Sisters, Mika, Massive Attack, Thievery Corporation, Phoenix, Hot Chip, Pavement, Benjamin Biolay, COBRA STARSHIP… y muchos más.

Entre las últimas confirmaciones de artistas que pisarán Costanera Sur los próximos 19 y 20 de Noviembre destaca con fuerza la presencia por primera vez en nuestro país de Stereophonics, la banda galesa de Britpop liderada por el carismático Kelly Jones.
Por su parte Girl Talk, (Gregg Gillis) uno de los músicos mas irreverentes que existen en la actualidad y sin duda uno de los mejores creativos de los mashups… promete con sus shows en vivo una experiencia INOLVIDABLE.

Finalmente, Catupecu Machu, la banda de Fernando Ruiz Diaz desplegará toda su energía sobre los escenarios del HOT Festival para empezar a despedir el año.
Como condimento final (por el momento), se sumó Cobra Starship al line-up del 20 de Noviembre. La mega-banda liderada por el uruguayo Gabe Saporta, será el plato fuerte del día.

Nonpalidece en Ángeles del Marconi

2010-10-29T19:36:00.003-07:00

El Próximo jueves 18 de Noviembre de 2010 se presenta en nuestra ciudad Nonpalidece y el escenario sera: ANGELES DEL MARCONI. Las Entradas ya están a la venta en Angeles del Marconi a $ 40 pesos (Quintana 44). La banda oriunda del partido de Tigre esta presentando su quinto disco llamado " El Fuego en Nosotros".

EL FUEGO EN NOSOTROS

El reggae argentino atraviesa un momento prolífico y exitoso y, en ese contexto, Nonpalidece se revela como una experiencia llena de colores y matices –los elementos acústicos, los cruces con el blues y el jazz– que los de Tigre llevaron a su punto máximo en el vivo Nonpalidesenchufado(2008). El fuego en nosotros continúa la línea de búsqueda cristalina de Hagan correr la voz (2006) y define la poderosa presencia instrumental de la banda; como incansable sostén de las plegarias del soul singer ("En el aire", "No te enfades" y la intensa y extensa "Las flores de tu partida") o como corazón caliente que impulsa el cuerpo ("Acto reflejo", "Tu recompensa"). Producido por Kenyatta Hill, cantante de los legendarios jamaicanos de Culture, en este disco Nonpalidece se recibe de Nonpalidece, marcando tras cinco discos una forma personal de hacer reggae en Argentina. Sin desbordes, con los graves bien al pecho y la transparente voz de Néstor Ramljak –a esta altura una marca registrada en el universo tricolor nacional– cada vez más libre, Nonpa se enciende y su brillo ilumina el fogón. Hagan correr la voz.

(critica: Rolling Stones).

ALERTA PUNKKKKKKKKKKKKK

2010-10-26T16:37:00.000-07:00

Para continuar sumando a la difusión de géneros musicales y culturales, FM Sonar se complace en presentar un nuevo integrante en la grilla de programación: ALERTA PUNK, Música corrosiva para oidos enfermos.

Producido y conducido por el Sr. Cristian "El Gallego" Gonzalez, todos los viernes a partir de las 22 hs por Radio FM Sonar 91.3 MHz y Sonar Net (www.fmsonar.com.ar).

Para comunicarte con la produccion de este programa: alertapunk@hotmail.com .

Dos nuevas propuestas para compartir ...

2010-09-03T04:54:00.000-07:00

Celebrando la reglamentación de la Ley de Servicios Audiovisuales, Radio FM Sonar tiene para compartir con sus queridos oyentes y seguidores dos interesantes programas. Estamos hablando de REVUELTO GRAMAJO programa que hace 8 años se emite en fm la tribu 88.7 y 42 radios comunitarias del interior de nuestro país y de latinoamerica. Se amitira por esta humilde radio los dias martes a las 20 hs, en la ante sala de SALIERIS.

Por otro lado y aportando un granito de arena a la difusion de contenidos nacionales, Sonar comenzara a transmitir un programa de Rock Nacional llamado "Cerca de la Revolucion". Programa perteneciente a los creadores de la pagina de rock nacional Rock.com.ar. En esta ocasion, este sera tranmitido los dias viernes a las 21 hs, dos horas de puro rock nacional.

QUIQUE PESOA ESTA EN SONAR

2010-09-01T14:29:00.001-07:00

Sonar Estreno: JUGO DE CACTUS - Viernes 23 hs x Sonar.

2010-08-05T07:19:00.001-07:00

Para todos los amantes del Hard Rock, Heavy Metal, Stoner, Southern, Blues, y Otros géneros relacionado, a partir de este Viernes 05 de Agosto llega al AIRE de Radio FM Sonar: JUGO DE CACTUS, puro rock sin aditivos. La cita sera a partir de las 23 hs. Dos horas sin anestesias.

Escuchalo en el 91.3 Mhz de tu dial o en Sonar Net: www.fmsonar.com.ar y ... No digas que no te advertimos.

Blues en el Español

2010-07-27T08:12:00.000-07:00

Sonar Informa: Blues Internacional, de Chicago a La Pampa

2010-07-13T05:51:00.000-07:00

El guitarrista de blues Lurrie Bell, nacido en Chicago en 1958, se presentará en Ciriaco Pub de General Pico el sábado 7 de agosto a las 22, y en el Teatro Español de Santa Rosa el domingo 8 a las 20:30, antes que en La Trastienda y como parte de su gira por Sudamérica.

Lurrie Bell estará acompañado en Santa Rosa con el guitarrista santafesino Max Valldeneu, quien reside en Chicago y en donde compartió con Lurrie la Mississippi Heat Blues Band. Valldenau ha compartido escenario con Little Milton, Phil Guy, Tyrone Davis, Nellie Travis, Nora Jean, etc.
La formación en el escenario del Teatro Español se completará con el bajista Mariano Vermeulén y el baterista Jorge Rodríguez, dos de los músicos más importantes de la escena local.

Las entradas se conseguirán en la disquería La Cueva, desde el próximo lunes 19 d de julio.
Organizan SF Producciones, productores del Magna jazz.

Algunos datos

Lurrie Bell es hijo del famoso armonicista Carey Bell quien fue su mentor, el que le dio el don del blues. Criado naturalmente en la música: “Debido a mi papá numerosas celebridades del blues han pasado a ensayar en nuestra casa”, guitarristas de la talla de Eddie Taylor, Eddie C Campbell, Jimmy Dawkins y Eddie Claywater, leyendas de la armónica como: Big Walter Horton y pianistas como Sunnyland Slim y el mismísimo Muddy Waters.

A los 14 años debutó como artista acompañado por Lovie Lee, quien lo llevo a un bar nocturno de South Side para representar un blues shuffle. A los 17 años fue miembro fundador de The Sons of The Blues junto a otros patrones del blues: Freddy Dixon (hijo de Willie Dixon) y Billy Branch (hijo de Ben Branch), presentándose así como la nueva generación del Blues de Chicago fueron designados hasta para el Grammy por su trabajo en la serie Living Chicago Blues.

A los 20 años se unió a la Reina del Blues: Koko Taylor y permaneció durante varios años, aprendiendo el oficio de las cuerdas. De chico también ha grabado para varios discos de su padre y para Eddie C Campbell pero el reconocimiento de Lurrie Bell llega en el 90’, cuando logra salir de situaciones personales que lo mantuvieron fuera de estudio durante un largo periodo a fines de los 80’, y así es que de la mano del sello Delmark Records con el que grabó una sucesión de discos se afirma como artista.

Lurrie Bell no fue sólo reconocido como un talentoso, excepcional guitarrista y músico, su conocimiento de los diferentes estilos de blues y su madurez musical, lo llevan a escribir publicaciones en los prestigiosos Magazines como Rolling Stone y The New Cork Times.

Una serie de premios y nominaciones en el mundo como Mejor Guitarrista de Blues y sus 18 discos editados al día dicen aún más de la trayectoria de Lurrie Bell.

En el 2007 Lurrie sufrió dos perdidas continuas e importantísimas para su vida, la de su mujer y seguida la de su padre, con el acababa de lanzar la grabación en vivo de “Carey & Lurrie Bell: Getting Up Live” DVD/CD, donde se los vio compartir escenario por última vez.

Premios y Nominaciones

Lurrie Bell fue nominado en el año 2008 a " Blues Artist of the Year " Living Blues Magazine.
* 2008 Critics' Poll - Blues Artist of the Year Lurrie Bell.
* Most Oustanding Musician
* Readers' Poll Blues Artist of the Yar (Male)
Nominado tres veces por la Blues Fundation a Blues Best Guitar; Best Traditional Male Artist; Best Blues DVD, for Gettin Up Live, con Carey Bell.

http://www.youtube.com/watch?v=Y5xRlHtRTPE&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=W2e7C-5MOcE&feature=related

Frida Kahlo, la pintora, el mito.

2010-07-06T14:34:00.000-07:00

Kahlo, Frida (1907-1954), pintora mexicana que realizó principalmente autorretratos, en los que utilizaba una fantasía y un estilo inspirados en el arte popular de su país. Hija del fotógrafo judio-alemán Guillermo Kahlo, Frida nació en Coyoacán, en el sur de Ciudad de México. A los 16 años, cuando era estudiante en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad, resultó gravemente herida en un accidente de camión y comenzó a pintar durante su recuperación. Tres años más tarde le llevó a Diego Rivera algunos de sus primeros cuadros para que los viera y éste la animó a continuar pintando. En 1929 se casaron.

Influida por la obra de su marido, adoptó el empleo de zonas de color amplias y sencillas plasmadas en un estilo deliberadamente ingenuo. Al igual que Rivera, quería que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas extraídos del folklore y del arte popular de su país. Más adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el movimiento surrealista.

Sus cuadros representan fundamentalmente su experiencia personal: los aspectos dolorosos de su vida, que transcurrió en gran parte postrada en una cama, son narrados a través de una imaginería gráfica. Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció en obras como La columna rota (1944, colección Dolores Olmedo, Ciudad de México), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando una columna rota en lugar de la columna vertebral. Su dolor ante la imposibilidad de tener hijos lo plasma en Hospital Henry Ford (1932, colección Dolores Olmedo), en la que se ve a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, diseminados alrededor de una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Otras obras son: Unos cuantos piquetitos (1935, colección Dolores Olmedo), Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) y Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo).

Sony News ... Herbie Hancock

2010-06-22T15:54:00.000-07:00

HERBIE HANCOCK GRABÓ "THE IMAGINE PROJECT" ALREDEDOR DEL MUNDO JUNTO A GRANDES ESTRELLAS DE LA MÚSICA.

El LANZAMIENTO DE ESTE ALBUM ICONICO COINCIDE CON EL CUMPLEAÑOS NÚMERO 70 DE HERBIE.

Hancock se unió a Anoushka Shankar, Seal, Pink, John Legend, Juanes, Jeff Beck, Konono No l, Lionel Loueke, Ceu, Dave Matthews, Lisa Hannigan,

Derek Trucks, Susan Tedeschi, Chaka Khan, Tinariwen, The Chieftains, Marcus Miller, Wayne Shorter, Oumou Sangare, Los Lobos, India.Arie, James Morrison,

Toumani Diabete y otros.

"The Imagine Project" el nuevo disco de Herbie Hancock, el artista múltiple ganador del Grammy y pionero musical, es un proyecto internacional

de grabación y video sin precedentes que presenta colaboraciones entre el legendario músico Herbie Hancock y más de una docena de superestrellas

de cada región del planeta. Utilizando el lenguaje universal de la música para expresar temas centrales tales como la paz y la responsabilidad global,

las colaboraciones musicales combinan la visión musical de Hancock con la identidad musical "local" de culturas de todo el mundo. Con el veterano

productor musical Larry Klein como uno de los consultores productores del álbum, "The Imagine Project" será lanzado hoy mundialmente.

"La música es verdaderamente el lenguaje universal", dice Hancock, "The Imagine Project explorará ese concepto alrededor del mundo,

uniendo una mirada de culturas a través de la canción y la expresión creativa positiva. Mi esperanza es que la música sirva como una

metáfora para las acciones tomadas por los habitantes de este maravilloso planeta como un llamado para la armonía del mundo en todos

los niveles".

Una reflexión global sobre el poder de la canción para unir a la gente, la grabación de "The Imagine Project" de Herbie Hancock ha

tomado lugar en cada territorio natal de cada colaborador donde fuese posible, y encarna el espíritu, los corazones, sonidos, colores

y sabor de cada lugar - una experiencia musical sensorial completa. El resultado es un álbum sin fronteras, tanto una celebración como

un llamado a la acción.

"The Imagine Project" de Herbie Hancock es el paso siguiente en la extraordinaria carrera de Hancock y se construye sobre sus

recientes sucesos y reconocimientos (Grammy al Álbum del Año - "River/The Joni Letters" en 2007, 100 Personas Más Influyentes

del Mundo de la Revista Time, múltiple ganador de premios de álbums y Films, "Possibilites", Silla de Jazz en la Filarmónica de

Los Ángeles, entre muchos otros).

El premiado productor Larry Klein (Joni Mitchell, Madeline Peyroux, Luciana Souza, Tracy Chapman, Melody Gardot y colaborador

de Hancock en "River") ha sido el productor de varios de los tracks del álbum.

Mientras que el disco significará, en cierto nivel, potente testamento para las metas de la paz mundial, la humanidad y

la tolerancia junto con el respeto hacia nuestro planeta, "The Imagine Project" de Herbie Hancock permanecerá, en su núcleo,

como un álbum creativo, emotivo y musicalmente único.

Más información:

http://www.herbiehancock.com/

Muere José Saramago, escritor de lucidez y compromiso

2010-06-18T11:33:00.000-07:00

José Sousa Saramago: la voz del iberismo portugués que nos previno de la ceguera de nuestro tiempo.

Se fue de este mundo fuera de su Península, en Lanzarote tras 87 años de intensidad vital, humanística y literaria.

Su trayectoria nos deja muchas secuencias: su activismo político, su cercanía a los lectores y a los problemas de la sociedad...

una buena parte de ellas se concentra, no obstante, en los últimos doce años, desde que recibió el Premio Nobel que terminó por

universalizar, no sólo su obra, sino la literatura en portugués.

Esculturas de palabras

«La vida es así, está llena de palabras que no valen la pena, o que valieron y ya no valen.

Cada una de las que vamos diciendo le quitará el lugar a otra más merecedora, que lo sería no tanto por sí misma,

sino por las consecuencias de haberla dicho».

«Pienso que todos estamos ciegos. Somos ciegos que pueden ver, pero que no miran».

«No creo en Dios y no me hace ninguna falta. Por lo menos estoy a salvo de ser intolerante.

Los ateos somos las personas más tolerantes del mundo. Un creyente fácilmente pasa a la intolerancia.

En ningún momento de la Historia, en ningún lugar del planeta, las religiones han servido para que

los seres humanos se acerquen los unos a los otros.

Por el contrario, sólo han servido para separar, para quemar, para torturar.

No creo en Dios, no lo necesito y además soy buena persona».

«Estoy comprometido, o sea, vivo, en un mundo que es un desastre.

Mi empeño es no separar al escritor de la persona que soy.

Me esfuerzo, en la medida de mis posibilidades, en tratar de entender y explicar el mundo».

«Somos la memoria que tenemos y la responsabilidad que asumimos. Sin memoria no existimos y sin responsabilidad quizá no merezcamos existir».

«Hay quien se pasa la vida entera leyendo sin conseguir nunca ir más allá de la lectura.

Se quedan pegados a la página, no entienden que las palabras son sólo piedras puestas atravesando la corriente de un río.

Si están allí es para que podamos llegar al otro margen, el otro margen es lo que importa».

«Los únicos interesados en cambiar el mundo son los pesimistas, porque los optimistas están encantados con lo que hay».

«El nombre no es más que una especie de muro no voluntario que impide saber quién es el otro.

Los nombres que tenemos son cada vez menos importantes, lo que hoy cuenta verdaderamente es el número de la tarjeta de crédito.

Todo lo que tú hagas y sientas hoy se puede deducir de un número; te define».

«Los escritores viven de la infelicidad del mundo.

En un mundo feliz, no sería escritor».

«La derrota tiene algo positivo: nunca es definitiva. En cambio, la victoria tiene algo negativo: jamás es definitiva».

«He reflexionado sobre el hecho de que yo siga siendo comunista. Por supuesto que lo soy y no me imagino a mí mismo siendo algo distinto.

Pero me he dado cuenta de que tenía que añadir algo a ese 'yo soy comunista', y lo que estoy añadiendo es que soy un comunista libertario».

Su obra

1947 Tierra de pecado

1966 Poemas posibles

1970 Probablemente alegría

1971 De este mundo y del otro

1973 El equipaje del viajante

1974 Las opiniones que DL tuvo

1975 El año de 1993

1976 Apuntes

1977 Manual de pintura y caligrafía

1978 Casi un objeto

1979 La noche, teatro

1979 Poética dos cinco sentidos: o ouvido

1980 Alzado del suelo,

1980 ¿Qué haré con este libro?

1981 Viaje a Portugal

1982 Memorial del convento

1984 El año de la muerte de Ricardo Reis

1985 De este mundo y del otro

1986 La balsa de piedra

1987 La segunda muerte de Francisco de Asís

1989 Historia del cerco de Lisboa, en 1147

1991 El Evangelio según Jesucristo

1993 In nómine Dei

1995 Ensayo sobre la ceguera

1997 Cuadernos de Lanzarote (1993-1997)

1997 Todos los nombres,

1998 Cuento de la isla desconocida

2000 La caverna

2002 El hombre duplicado

2004 Ensayo sobre la lucidez

2005 Poesía completa

2005 Las intermitencias de la muerte

2006 Las pequeñas memorias

2008 El viaje del elefante

2009 Caín

El Estado de las Cosas Entrevista esta noche a María Sucarrat

2010-06-09T12:33:00.000-07:00

El inocente. Vida pasión y muerte de Carlos Mugica, de María Sucarrat

Nunca nadie sabrá si cuando Carlos Mugica vio los ojos de su asesino, aquella noche del 11 de mayo de 1974, entendió que estaba allí debido a su inocencia. El cura de los pobres, nacido en aristocrática cuna, fue creyente fervoroso y, a la vez, crédulo compulsivo. Descubrió el peronismo proscripto en las barriadas populares, abrazó la insurgencia juvenil, fundó el Movimiento de Sacerdotes para el Tercer Mundo, fue confesor y amigo de los jóvenes Abal Medina, Ramus, Firmenich, entre tantos alumnos del Nacional Buenos Aires, cuando Montoneros no era ni siquiera el sueño de la organización armada que ajusticiaría a Aramburu y con la que terminaría enfrentado.

Mugica fue peronista de Perón. Volvió en el avión que trajo al General de regreso al país tras dieciocho años de exilio. Le creyó siempre. Y así, creyente y crédulo, aceptó a López Rega y también sumarse a la pantalla ministerial que ³El Brujo² desplegaba desde Bienestar Social, la fachada pública de la criminal Alianza Anticomunista Argentina.

En El inocente, María Sucarrat recorre la vida, la pasión y la muerte de Carlos Mugica, en una biografía conmovedora que puede ser leída como una novela de la tragedia argentina de la segunda mitad del siglo xx, y cuyos alcances llegan hasta nuestros días.

María Sucarrat nació en Buenos Aires en enero de 1966. Es periodista y egresada de la Escuela de Letras de la Universidad del Salvador. Formó parte de las redacciones de La Semana y Noticias, fue subeditora de la sección Economía y Finanzas del diario El Comercio, en Lima, Perú y editora de las revistas Claro y Caras. Escribió para las revistas Playboy, y Caras y Caretas. Se desempeñó como jefa de redacción de la revista 7 Días y como jefa de editores de la sección Sociedad del diario Crítica de la Argentina. Actualmente es secretaria de redacción del diario Tiempo Argentino. Vida sentimental de Eva Perón (2006) fue su primer libro.

Esta noche a partir de las 22 hs por FM Sonar & Sonar Net, Sergio De Matteo entrevista a María Sucarrat.

Sonar Noticias: Al Dorso a partir del lunes 14 de Junio por Radio Sonar

2010-06-07T09:38:00.000-07:00

Al Dorso es un proyecto político de comunicación alternativa que integra diferentes expresiones comunicacionales en torno a un eje articulador: el estudio de la deuda externa.

Se recurre a los diferentes soportes, medios y formatos a fin de poner en circulación un discurso que invite -a partir de un análisis profundo y complejo- a apropiarse críticamente del continente que conforma tal especificidad.

El proyecto de Al Dorso invita a una actitud de lucha, de compromiso social. Se propone apoyar y acompañar los procesos políticos progresistas y revolucionarios que se están viviendo en América Latina, poniendo en discusión la legalidad, legitimidad y eticidad de la deuda externa.

Somos equipo operativo y multidisciplinario de trabajo que se propone analizar temáticas referidas a deuda externa y todos los engranajes que se articulan a sus fines.

¿Qué hacemos?

Desde Al Dorso proponemos comunicar para transformar. Para ello tomamos como punto de partida y eje articulador de diferentes debates, el análisis de la deuda externa.

Se busca presentar a la deuda como parte de la vida cotidiana. Para esto se recurre a temáticas presentes en la agenda mediática, a análisis históricos, a relecturas de obras literarias, etc.

Tomar la deuda externa como disparador permite adoptar una perspectiva abarcadora y posibilita un abordaje interdisciplinario, esto es, ir más allá de aquellas áreas donde las relaciones de dominación son más explicitas (de clase o capital-trabajo) y donde las variables son menos visibles.

Analizar la complejidad de las relaciones que se tejen en torno a la deuda externa, desde su dimensión macro, posibilita el trabajo sobre cuestiones políticas, ideológicas y culturales.

Esta manera de abordar la deuda tiene su correlato en los diferentes formatos utilizados por Al Dorso donde se trabaja buscando generar rupturas con el fin de incentivar y promover una apropiación crítica de la información que recibimos cotidianamente.

Desde Al Dorso buscamos analizar el carácter político de la deuda, advertir que se trata de un aparato de dominación, de transferencia de recursos y financiación. Consideramos que es preciso ahondar en su desarrolla histórico, exponer sus verdaderas formas de actuar, los nombres y rostros de sus cómplices.

Los procesos de endeudamiento de América Latina permiten ver el funcionamiento de un sistema perverso que domina nuestras economías. Por ello, intentar analizar este sistema desde una perspectiva estrictamente económica y técnica es no comprender su carácter profundamente político e ideológico.

Sello Al Dorso

Entendemos a la comunicación como diálogo, interacción desde donde es posible crear y fortalecer lazos. En consecuencia, consideramos “interlocutores” a los destinatarios de los proyectos (directos e indirectos).

Destacamos la importancia de innovar como medio para alcanzar un fin político. Este aspecto expone la no conformidad con la situación actual y posibilita rupturas constantes que el equipo considera indispensables para una propuesta alternativa.

Trabajamos adoptando una mirada prospectiva. Analizamos el pasado y valoramos la experiencia de los procesos políticos, al mismo tiempo que reconocemos las particularidades del contexto actual.

Las producciones de Al Dorso circulan sólo en medios de comunicación alternativos.

Misión

Como proyecto político de comunicación alternativa la misión de Al Dorsos es instalar el debate en torno a la deuda externa, mediante un abordaje comprensible y viable.

Visión

Constituir a los productos comunicacionales de Al Dorso en un referente en el tratamiento y análisis de la deuda externa.

Objetivo general

Gestionar un proyecto político comunicacional para instalar el debate en torno a la deuda externa como mecanismo de dominación en América Latina.

Objetivos específicos

Establecer nuevos canales de comunicación para fortalecer y crear vínculos con los interlocutores de Al Dorso.

Construir espacios de promoción y debate para integrar interlocutores e interesados al proyecto comunicacional.

Justificación

Actualmente, en América latina y el Caribe se están desarrollando grandes procesos de cambio, tanto políticos como sociales, que aspiran a combatir la desagradable herencia que el Consenso de Washington, que impuso a nuestros pueblos el modelo neoliberal en casi treinta años.

A partir de un análisis transdisciplinario y de un abordaje crítico en torno a la Deuda Externa, el proyecto Al Dorso se propone ser parte de las nuevas luchas que se están desarrollando desde el Río Bravo - pasando por Centroamérica y las islas caribeña- hasta Tierra del Fuego.

Al Dorso se propone participar de la transformación social y económica que plantean muchos de los movimientos sociales y populares de nuestras tierras con el fin de defender la soberanía nacional de cada país latinoamericano ante las amenazas intervencionistas de Estados Unidos, y ante las presiones económicas, comerciales y financieras de los bancos del Norte y los organismos internacionales de crédito.

A través de una comunicación integral (utilizando la mayoría de los medios disponibles), y denunciando la gran estafa de la deuda externa que se le impone a los pueblos del Sur, Al Dorso busca sumar fuerzas en la lucha contra el desarrollo desigual de la historia humana que aún persiste y que el sistema capitalista en su fase neoliberal profundiza generando hambre, pobreza, analfabetos, pillaje de los recursos naturales, contaminación ambiental y guerras sangrientas impulsadas por las potencias del Norte.

Sonar Tristeza: Adiós Penca ...

2010-06-01T13:24:00.002-07:00

Poetas argentinos para no olvidar - Juan Carlos Bustriazo Ortiz

“Mi nombre es Juan Carlos Bustriazo, pero como poeta he firmado Ortiz como mi madre: Vicenta Ortiz Ñáñez. Bustriazo es apellido de origen italiano. Significa tres bueyes grandes. Mis padres vinieron de Europa. Yo nací en Santa Rosa, soy santarroseño, un lunes tres de diciembre de 1929. Tengo setenta y nueve diciembres.”Singular y compleja es la tentativa poética de Bustriazo Ortiz. Los suyos son himnos a la noche, eróticos y trágicos, cantos a la existencia, intensa de quien bordea un saber ancestral, cargado de símbolos, descubridor de neologismos, un lenguaje de múltiples registros. Precisión verbal, riqueza de imágenes inesperadas y un ritmo que roza lo sagrado y lo alucinatorio lo caracterizan.

Primera Palabra

Y aquí estoy yo, pensoso y descendiente,
junto a esta luz meralda que se mece,
el juan azul, el carlos marilloso,
espiando aquí, dentrocullá, qué tonto.
Quién me dirá qué-buscas-en-lo-huyente?-,
la-cepa-o-ya-la-borra-de-tu-gente?
Aquí estoy yo, racimo alabancioso.

Fantasmas más, fantasmas menos, duerme .

Décima Sexta Palabra

Adiós, adiós. Hasta mañana, lengua,
lueguito o no, luegura si me llega,
levántar me, nacerme de la huesa,
la sabanura, almohada, estotra greda
de la que subo taza, vaso o luenga
jarra de Juan. Hasta mañana, lengua!
(Ellos ya están cantando: “cuchillocóoooooo!...)

Décima Séptima Palabra

Renqueante voy bajo esta luz, confuso,
a tu fulgor, ay vino. Yo me acuso
de ir a robarte donde un dios te puso
en el mesón sabido. Yo, que iluso
ando en dolor violeta. Quién dispuso
que pase así? Perdón si yo te uso.
Es mi destino y el telar y el huso:
mi Tejedora Tinta, vino infuso.

Sonar Noticias: Murió Rubén Juárez

2010-05-31T13:03:00.000-07:00

Los restos del eximio músico del dos por cuatro de 62 años y más de 40 de trayectoria artística, serán velados a partir de las primeras horas de esta tarde en la Legislatura porteña.

El bandoneonista y cantautor Rubén Juárez falleció esta mañana en el porteño sanatorio G3emes donde se encontraba internado desde el viernes, debido a un "deterioro importante" en su salud, víctima de un cáncer de próstata que lo venía castigando desde hace varios años.

Los restos del eximio músico del dos por cuatro de 62 años y más de 40 de trayectoria artística, serán velados a partir de las primeras horas de esta tarde en la Legislatura porteña.

Dueño en su momento del recordado Café Homero en la zona de Palermo, Juárez se había radicado desde hace algunos años en Carlos Paz, Córdoba, su provincia natal, ya que había nacido en la ciudad de Ballesteros.

Decía Juárez sobre su residencia, que "tal asentamiento me hace ver las cosas de otra forma: Uno no tiene ganas de correr, todo es más despacio e incluso me divierto con la gente, en el supermercado, por la calle. Todo es más natural, sin clichés armados".

Juárez tenía dos años cuando su familia dejó Córdoba para mudarse a la bonaerense ciudad de Avellaneda, donde él, a los seis años, empezó a estudiar bandoneón y guitarra y en 1956 integró como bandoneonista la orquesta típica del club Independiente.

Comenzó su etapa profesional al ganar un concurso de cantantes organizado por una cantina de barrio y luego concretó giras por las provincias a dúo con el guitarrista Héctor Arbelo, quien había acompañado al afamado cantor Julio Sosa hasta que éste murió, poco tiempo antes.

En una de esas turnés, Juárez conoció a Horacio Quintana, ex vocalista de la orquesta de Lucio Demare, quien quedó gratamente sorprendido por las cualidades del joven artista y trabó con él una amistad que al bandoneonista le abrió las puertas de Caño 14, el más importante reducto tanguero capitalino de los '60, y le facilitó grabar en 1969, para Odeón, su primer disco con el tango "Para vos, canilla", del propio Quintana y Julio Gutiérrez Martín.

"El tango vive un momento de gran ebullición como danza -comentó Juárez hace algunos años-. Se está bailando mucho tango en todo el mundo, pero todavía nos falta consolidarnos bien en lo autoral, porque aunque hay cosas nuevas, los clásicos siguen predominando. Hay gente joven que tiene muchas ganas y está buscando un lugar, pero también deberían estudiar un poco más y escuchar a los maestros".

"Me siento un afortunado por todo lo que la vida me dio -comentó en esa oportunidad-, tuve el honor de participar de la orquesta de Aníbal Troilo "Pichuco", mi gran maestro; admiré y admiro al genial Astor Piazzolla, y la asignatura que me quedó pendiente fue haber grabado algo con ellos".

Sonar Noticias: Audiencia Pública - Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual

2010-05-26T19:42:00.000-07:00

Enclave de Jazz: Especial Zappa.

2010-05-13T12:13:00.000-07:00

Información no es conocimiento

Conocimiento no es sabiduría

Sabiduría no es verdad

Verdad no es belleza

Belleza no es amor

Amor no es música

Música es LO MEJOR ."

(F.Zappa: 1979)

Hoy a partir de las 20 hs x FM Sonar, Enclave de Jazz, con la conducción de Carlos Francingues. Esta noche sera especial ya que nos visitara Alfredo Bosco, un especialista y amante de la obra de Frank Zappa.

Sonar Jazz - Miles At Fillmore

2010-05-11T17:52:00.000-07:00

MILES DAVIS AT FILLMORE

En Vivo at the Fillmore East - Una de las grandes grabaciones en vivo del genio de la trompeta.

Con las críticas hacia el recién aparecido Bitches Brew dando vueltas en todos los diarios nacionales e internacionales y en todas las revistas de jazz, y con Steve Grossman ya establecido en el lugar dejado vacante por Wayne Shorter en el saxo tenor, Miles Davis realizó una jugada arriesgada: agregó a Keith Jarrett en órgano a un grupo que ya contaba con el bajista Dave Holland, con Chick Corea en piano eléctrico, el percusionista Airto Moreira y el baterista Jack DeJohnette para una parada de cuatro noches en el Fillmore East en la bahía de San Francisco, del 17 al 20 de Junio de 1970.Este CD doble incluye juntas selecciones de las cuatro noches, sin tener en cuenta las repeticiones, por lo que se incluyen varias versiones de los mismos temas, práctica que era costumbre en las producciones que hicieron juntos Davis y Teo Macero.

Esta colección muestra como fue posible que este grupo de Miles Davis alcanzara niveles extraordinarios en sus presentaciones en vivo.

¡ Muy Pronto ! NOCTURNO RADIO x SONAR

2010-05-07T13:23:00.000-07:00

"Nocturno", historias de noche donde las personas muestran su cara oculta, haciendo cosas que únicamente se pueden hacer a las 3 de la mañana.

"Nocturno de Día", es la contra cara, el rostro público del animal que sale de noche, el de la buena letra.

NOCTURNO comenzó en el 2006 en Radio Nacional Faro, luego convertida en podcast. Ahora Nocturno Radio también está en FM Sonar.

Sonar Jazz: DIZZY Noticias.

2010-05-04T12:00:00.000-07:00

THE COMPLETE RCA VICTOR RECORDINGS

UNO DE LOS GENIOS DEL JAZZ EN UN MOMENTO CLAVE DE SU HISTORIA.

Las contribuciones de Dizzy Gillespie al jazz fueron inmensas. Uno de los grandes trompetistas de todos los tiempos (algunos dicen que el mejor), Gillespie fue un intérprete muy complejo, tanto que sus contemporáneos terminaron copiando a Miles Davis y a Fats Navarro en vez de a él, y no fue hasta bien entrados los setentas que el estilo de Dizzy fue recreado con éxito.

Dizzy Gillespie fue también clave en la creación del jazz Afro-cubano (o Jazz Latino), agregando las congas de Chano Pozo a su orquesta en 1947, utilizando complicados ritmos en esa época temprana. Líder de dos de las más finas big band de la historia del jazz, Gillespie fue muy diferente a sus contemporáneos ya que era un magistral showman que podía hacer que su música fuera accesible y divertida a sus audiencias. Con sus mejillas hinchadas, su trompeta doblada (lo que ocurrió por accidente a comienzos de los 50 cuando un bailarín tropezó con su trompeta) y su increíble y rápida inteligencia, Dizzy fue una figura muy colorida. Comediante natural, también fue un soberbio cantante de scat y ocasional ejecutante de percusión latina sólo para divertirse, pero fue su trompeta y su liderazgo que lo hicieron un gigante del jazz.

Todo esto está presente en este CD doble que abarca el período entre 1947 y 1949 época en la que Dizzy Gillespie grabó para la RCA. Después de 1949 no volvería a grabar para el sello. Pero todo este material aquí reunido nos brinda un panorama completo de la enorme importancia de estos primeros años de su carrera en los cuales presidió el lanzamiento de una nueva forma de jazz.

FELIZ DIA PARA TODOS !!!!!!!!!

2010-05-01T09:55:00.001-07:00

Sonar Noticias: Divididos presentará Amapola del 66 en Neuquén

2010-04-13T05:27:00.000-07:00

"Que crezca sanito" fue el deseo de Mollo y Arnedo al final del DVD Amapola del 66, que muestra la elaboración del flamante álbum de Divididos. La novedad es que Neuquén será uno de los lugares en los presentarán a su nuevo bebé ante el público. La fecha confirmada en el sitio oficial es el próximo sábado 15 de mayo y el lugar del bautismo es el estadio Ruca Che.

"Amapola del 66", unos de los mejores discos nacionales de la década, fue grabado entre finales del 2009 y principios de 2010 íntegramente en el estudio “La Calandria”, que armó el grupo en la casa quinta de la que son amos y señores. "El disco se fue creando mientras se armaba el estudio", dijo Arnedo completamente feliz.

El álbum ya se presentó en Tilcara, Jujuy, ante 10 mil personas que llegaron desde distintos puntos del país. Córdoba y Neuquén son las únicas ciudades en las que Mollo, Arnedo y Ciavarella tocarán antes del desembarco en Buenos Aires, en el estadio Luna Park, el próximo 2 de junio.

Sonar Recuerdos: a 16 años de la muerte de Kurt Cobain

2010-04-05T10:30:00.001-07:00

" La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor ".

Intentar descifrar qué pasó por la mente de Kurt Cobain ese 5 de abril fatídico es tan complejo como imposible.

Más allá de leer las biografías o de mirar Los últimos días (esa enorme película de Gus Van Sant que no pretende responder nada, solo impactarnos con los climos), las obsesiones de Kurt Cobain latían en las perturbadoras letras de sus canciones y es a lo único a lo que el melománo puede continuar aferrado. 16 años atrás, el líder de Nirvana se quitaba la vida.

Hoy, sigue siendo la cara del grunge, el creador de ese himno violento e insuperable llamado "Smells Like Teen Spirit" y uno de los máximos representantes de la oscuridad poética.

" Si los medios de comunicación divulgaran más música buena, la gente tendría mejor gusto” Kurt Cobain

... Domingo en Aire ...

2010-03-28T06:27:00.000-07:00

LO NUEVO, EN SONAR.

2010-03-27T06:12:00.000-07:00

A partir de hoy, sábado 27 de Marzo de 2010, Sonar se enorgullece en retransmitir este gran programa. Enviado desde Nono, en el Valle de Traslasierra, provincia de Córdoba, Argentina.

Realizadores:

Sol Tibiletti / Martin Incolla / Francisco Chiacchietta / Arturo Cuadrado.

Todos los Sábados a las 15 hs - Viajero Inmóvil x FM Sonar La Alternativa en Radio.

Sonar de Jueves por la Noche ...

2010-03-25T10:18:00.000-07:00

Sonar Noticias: Nuevo Disco de Gabriel

2010-03-14T07:25:00.001-07:00

Peter Gabriel pertenece a la no muy numerosa elite de músicos surgidos del rock que siempre han mirado hacia adelante, que no le han temido a la innovación y a los que les calza bien el siempre incómodo rótulo de artista… Nunca me canso de escuchar sus discos solistas para descubrir y redescubrir algún sonido nuevo, algún instrumento que no había advertido… Up fue el último, publicado en el ya lejano 2002, y es uno de mis favoritos a la hora de buscar inspiración, sosiego, dramatismo… Pero ya pasaron 8 años… Calmó un poco mi ansiedad la visita que realizó en marzo de 2009, cuando fui feliz de poder observarlo finalmente, con una banda extraordinaria y ejecutando todas las canciones que quería oír…

Pues bien, la espera terminó y el próximo 15 de febrero está anunciada la salida de Scratch My Back, su nuevo álbum de estudio, aunque las expectativas son mayores porque se trata de un trabajo especial: es un disco de versiones de distintos artistas, en formato orquestal, con instrumentos acústicos (piano, cuerdas)… A modo de devolución, se dice que esos mismos artistas interpretarán canciones de Gabriel en un futuro álbum que se titularía I’ll Scratch Yours…

Las 12 canciones que integran Scratch my Back pueden oírse de manera exclusiva en el sitio del diario The Guardian: Heroes (Bowie); Street Spirit (Radiohead); The Book of Love (Magnetic Fields); Flume (Bon Iver); My Body is a Cage (Arcade Fire); Listening Wind (Talking Heads); I Think It’s Going to Rain Today (Randy Newman); Après Moi (Regina Spektor); The Boy in the Bubble (Paul Simon); The Power of the Heart (Lou Reed); Philadelphia (Neil Young), y Mirrorball (Elbow)… En el sitio oficial del músico también puede bajarse la canción Flume, que Gabriel interpreta de manera magnífica, acompañado de un piano y cuerdas… Aquí se las dejo:

Para la apuesta de Scratch My Back, Gabriel eligió grabarlo en el estudio propiedad de George Martin, junto con el ingeniero Tchad Blake, el productor Bob Ezrin y el arreglador John Metcalfe…

El año último, en el festival de Womad, Gabriel tocó, acompañado de cuerdas, el tema de Paul Simon The Boy in the Bubble… Esta es una filmación amateur, bastante mala, pero que sirve para vislumbrar el espíritu del disco, del que además habrá (atención coleccionistas) edición en vinilo ...

Lo reconozco: siempre me generaron incomodidad los discos enteramente compuesto por versiones de otros artistas; me atemoriza pensar en el fin de la creatividad o la inspiración del músico que se carga al hombro un proyecto de esas características… El tango redunda ya de discos en los que se siguen grabando versiones de Uno, La última curda, Adiós Nonino; el jazz desborda de discos con versiones de Stella By Starlight, Have You Met Miss Jones, All Of Me, Autumn Leaves (¿hace falta seguir grabándolos una y otra vez?)… El caso del rock es, tal vez, un poco más amplio, pues el abanico de géneros es grande y las versiones pueden encontrar distintos formatos, ya magistrales, ya incomprensibles…No me malinterpreten: se puede hacer un muy buen álbum de versiones… Sin ir más lejos, en 2007, Patti Smith editó Twelve, donde recreó de manera genial canciones de los Stones, Hendrix, Harrison, Dylan y Nirvana, entre otros…

En este caso, Scratch my Back es un trabajo introspectivo, calmo, intimista, dramático; ora minimalista, ora pretencioso y, hay que aclararlo para los desprevenidos, totalmente diferente de sus discos anteriores… My Body is a Cage (Arcade Fire) es uno de los puntos más altos, en tanto que Street Spirit, de Radiohead, lleva a la conmoción, el dolor está palpable… Tómenlo con calma; escúchenlo tranquilamente… No es para cualquier momento…

Fuente: Diario La Nacion.

! Muestra Gratis ¡

2010-03-10T10:20:00.000-08:00

En muy pocos días, todos los habitantes de la capital pampeana tendrán una oportunidad única. La Revista Barcelona desembarca en la ciudad para sumarse a una serie de muestras que habrá en el Centro Municipal de Cultura en los próximos días.

La Cita es a partir del día miércoles 17 (inauguración = 20 hs) al miércoles 24 de marzo.

Vuelve el ROCK ...

2010-02-22T09:45:00.000-08:00

Segunda Temporada de "Enclave de Jazz"

2010-02-07T09:36:00.000-08:00

Desde el Jueves 4 de Febrero de 2010, está nuevamente en el éter de FM Sonar 91.3 Mhz y Sonar Net, Enclave de Jazz. Por supuesto conducido por el excelentísimo Carlos Francingues. Todos los jueves a partir de las 20 hs, los amantes del Jazz pueden deleitar sus oídos con la majestuosa selección musical, información y comentarios de un conocedor de este legendario genero.

Mas Opciones para escuchar, lo que queres escuchar !!!

2009-12-04T06:25:00.000-08:00

Santa Rosa - La Pampa - Patagonia Argentina

Sonar Noticias II: ACDC, El Recital

2009-09-25T18:49:00.000-07:00

Bueno todos ya saben que AC/DC se va a presentar el 2 de diciembre en el estadio River Plate, pero sobre los precios de las entradas solo habia rumores. Hoy la pagina de Ticketek confirmo los precios!

Habrá que romper en chanchanchito y algo mas !!!

Las Entradas estan a la venta a partir del 29 de septiembre.

Sonar Noticias: Kresta 6to. Aniversario

2009-09-22T16:33:00.000-07:00

Kresta, el suplemento cultural de El Diario, cumple seis años y celebra, humildemente, con un concierto en Jockey. Nuestros amigos CatalinaTom, con su nueva formación, y Baltasar Comotto & Los Dragones Albinos, presentando su disco "Rojo".
Comotto es actual integrante de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, la banda que acompaña al Indio Solari. Además, tiene una extensa trayectoria junto a los mejores músicos del país, entre ellos, Luis Alberto Spinetta.
La cita es este viernes 25 de septiembre, a la medianoche, en Jockey. Entradas anticipadas a $15.

Estan Todos Invitados.

Sonar Noticias

2009-08-06T16:37:00.000-07:00

Un autográfo de Bob Marley, un manuscrito de Frank Zappa, una postal enviada por Yoko Ono y John Lennon a Linda Mc Cartney; todo esto y muchos otros productos relacionados con el negocio de la música serán los protagonistas principales de la Feria Internacional de Coleccionismo Discográfico.

El evento, que nació en Madrid en 1982 y recorrió el mundo, se llevará a cabo por primera vez en nuestro país y estará disponible durante tres días de este mes. Las subastas comenzarán con valores que van de los 300 a los 30.000 pesos, aunque se espera encontrar todo tipo de precios en los stands que están en alquiler para quienes quieran estar del otro lado del mostrador. La idea es que empresas, grandes, medianos y pequeños coleccionistas puedan comprar, vender e intrcambiar material relacionado con la industria discográfica.

Una oportunidad única para aquellos que en tiempos de música en formato digital aún prefieren el formato físico. Para fanáticos, coleccionistas obsesivos y amantes de la música.
Agenden: 7, 8 y 9 de agosto, en el pabellón 4 de Costa Salguero. Las entradas, la información y las curiosidades están acá.

http://www.feriadediscosdebuenosaires.com/

Sonar Blog Informa: Tribulaciones Live presenta ...

2009-07-29T14:08:00.000-07:00

¡EN VIVO!

El músico británico que revolucionó la escena del rock y la electrónica creando en los ’90 el Trip Hop junto a Massive Attack, llega por primera vez a Buenos Aires a presentar “Knowle West Boy” su aclamado nuevo álbum acompañado por una banda de músicos notables:

Tricky – vocals
Francesca Belmont – vocals
Pete Clements – bass
John Maiden – drums
Gareth Bowen – keyboards
Tristan Cassel-Delavois – guitar

UNICA FUNCION!!! - VIERNES 21 DE AGOSTO– 21hs

Teatro Colegiales – Av. Federico Lacroze 3455
Anticipadas en venta con descuento hasta el 3 de agosto

ROCK'N FREUD - Arenales 3337 - Local 2 –

Paseo del Sol – Alto Palermo - (¡Sin Service Charge!)

Incluyen: El último CD de Tricky “Knowle West Boy” (EMI), dos tragos sin cargo, credencial y pulsera oficial del evento.

TICKETEK al 5237-7200, puntos de venta y www.ticketek.com.ar

ENTRADAS VIP (CANTIDAD LIMITADA) $ 230

TRICKY BIOGRAFIA

Tricky (Tricky Adrian Thaws) nació en Bristol en 1964. Huérfano desde pequeño, formó junto con otros compañeros el colectivo musical "Wild Bunch".

Su genial carrera comenzó junto a Massive Attack, con quienes participó en su primer disco, "Blue Lines", en 1991. Posteriormente iniciaría la que hasta hoy ha sido su prolífica carrera en solitario. Su primer y excelente álbum "Maxinquaye" se publicaría en 1995, precedido del single Aftermath que vio la luz en 1994 y que es uno de sus temas más conocidos.

Tras la publicación de varios singles de su primer álbum, llegó el esperado segundo disco de larga duración, "Nearly God", en 1996, que contó con colaboraciones tan valiosas como Björk o Neneh Cherry.
El mismo año lanza su tercer album, "Pre-Millennium Tension", más oscuro y emotivo.
En 1998 publica su cuarto álbum, "Angels With Dirty Faces" y al poco tiempo el quinto, "Juxtapose", dos discos enmarcados en la ruptura con su antigua discográfica, Island, que concluyo en 1999. En ellos también contó con la compañía de DJ Muggs (Cypress Hill) o Mad Dog. Tricky pasó por una mala época que le llevó a estar hospitalizado y a realizar varios cambios en su vida profesional.

Tras una larga pausa, llegó por fin su siguiente álbum en 2001, "Blowback", que si bien sigue siendo un álbum electrónico, se aleja de los anteriores y se adentra más en el rock, utilizando guitarras (nada menos que la de John Frusciante) varios temas y con colaboraciones como Alanis Morissete o Cindy Lauper.
A finales del año siguiente, Tricky publicó un nuevo disco, "A Ruff Guide", en esta ocasión recopilando sus singles más significativos, bien originales o remezclados, de su breve pero prolífica carrera hasta la fecha.

Luego de cinco años de ausencia, Tricky volvió a la escena con “Knowle West Boy” (Domino – EMI) un disco notable que recibió excelentes críticas de las principales revistas especializadas y que lo ubicó nuevamente en los primeros lugares del mercado del rock y la electrónica británica.

Dentro de su carrera ha tenido colaboraciones por parte de John Frusciante, Flea, Martina Topley-Bird, Damon Albarn, Terry Hall, Ambersunshower, Björk, Cath Coffey, Neneh Cherry, DJ Muggs, Garbage, Alison Goldfrapp, Gravediggaz, PJ Harvey, Chesney Hawkes, Ed Kowalczyk of Live, Cyndi Lauper, Hawkman, Massive Attack, Stephanie McKay, Alanis Morissette, Alison Moyet, Red Hot Chili Peppers, Constanza Francavilla, Terranova, Tool y Afrika Islam (Here Come The Aliens).

DISCOGRAFIA

1995 – MAXINQUAYE – Island

1996 – NEARLY GOD – Island

1996 – PRE- MILLENNIUM TENSION – 4th Broadway

1998 – ANGELS WITH DIRTY FACES – Island

1999 – JUXTAPOSE - Island

2001 – BLOWBACK – Hollywood

2003 - VULNERABLE – Sanctuary

2003 - BACK TO MINE – (Back To Mine)

2008 – KNOWLE WEST BOY (Domino - EMI)

Sonar Musica: 360 todo para ver.

2009-07-01T19:18:00.000-07:00

Con un concierto a la altura de su historia, Bono y cía. empezarán a rodar por el planeta para presentar su último disco.

En el estadio Camp Nou de Barcelona (España), hoy (martes) se dará el puntapié inicial a la nueva gira de U2. Como ya es costumbre en el grupo, las características del espectáculo serán magnánimas. El 360º Tour mostrará, entre otras características, un escenario que será dispuesto en el medio del estadio (a la manera de un ringside de boxeo) y estará rodeado por una estructura espectacular de luces y sonido, la cual se sostendrá en cuatro columnas. Dicho derrotero de tecnología, se montará para que Bono y sus muchachos presenten su aclamado último álbum, No Line On The Horizon. Así, con entradas agotadas y números aperturas de la talla de Snow Patrol, los irlandeses rodarán por Europa hasta finales de agosto. Mientras que, en septiembre y octubre, harán lo propio en Canadá y Estados Unidos. Por estas horas, circula la información de que entre noviembre y diciembre U2 desembarcaría con dicho show en Sudamérica, principalmente en Brasil y Argentina. Habrá que esperar por más novedades.

Sonar Data: Arctic Monkeys, detalles del Nuevo Disco

2009-06-25T13:46:00.000-07:00

La salida del tercer álbum, llamado Humbug ha sido anunciada para el 24 de agosto del año en curso 2009. Producido por Josh Homme en el desierto Maojave y en Los Angeles; y también con James Ford en Brooklyn.

Sabemos que este es año de lanzamiento para Arctic Monkeys, con un disco demandado y ya necesario tras el agotado sonoramente Favourite Worst Nightmare. Tras varios rumores y una incertidumbre más bien importante, los ingleses han confirmado algunos detalles de lo que será su nuevo disco.

Alex Turner y amigos han hecho público lo más importante del álbum, su fecha de lanzamiento. Este material, que aún no tiene título asignado, será lanzado el 24 de agosto, y ha sido grabado en Estados Unidos junto a Josh Homme y James Ford de Queens of the Stone Age.

Los Arctic Monkeys aún no han confirmado los singles, pero sí el tracklist. De los diez temas que compondrán el disco, Turner señaló que Cornerstone y Secret Door compiten entre sí para ser la cara visible del álbum. Por lo pronto dejamos el tracklist completo.

En Dias un track adelanto disponible para los lectores del blog.

~ Lista de Temas ~

01 My Propeller
02 Crying Lightning
03 Dangerous Animals
04 Secret Door
05 Potion Approaching
06 Fire and the Thud
07 Cornerstone
08 Dance Little Lier
09 Pretty Visitors
10 The Jeweller's Hand

¡ Sonar Celebra ! Los 50 programas de Nunca el Peon se come al Rey

2009-06-18T13:02:00.000-07:00

Sonar Arte : Bienal del Fin del Mundo 2009.

2009-04-24T07:20:00.000-07:00

El arte de vanguardia conquista Tierra del Fuego
Con obras de 43 creadores provenientes de 16 países, Ushuaia se convierte durante un mes en la capital de los artistas más innovadores y polémicos del momento. Hoy comienza la Bienal del Fin del Mundo.

Por Judith Savloff, desde Ushuaia (Diario Crítica)
24.04.2009

De un lado, el canal de Beagle azul helado. De otro, los cerros manchados de verdes y ocres coronados por capuchones de nieve. Y arriba, los variados cielos que Ushuaia suele mostrar en simultáneo sobre un fondo gris que casi nunca llega a difuminarse: en este atardecer, un racimo de nubarrones negros al lado de un azulejo celeste al lado de algunos destellos de sol naranja.

La naturaleza es majestuosa aquí. Ushuaia, como reconocen los lugareños, tiene un buen lejos. Cuando el zoom se acerca, en cambio, el crecimiento urbano, a pasos agigantados, delante de la planificación es evidente. Desde comienzos del siglo XX, con la creación del presidio que albergó al anarquista Simón Radowitzky y al asesino conocido como “Petiso Orejudo”, con la base naval, con la ley de promoción industrial de 1972 (de la que la planta de Aurora Grundig, luego recuperada por los trabajadores, fue un emblema) o con las oportunidades del turismo, la ciudad pasó de 9.500 a 55 mil habitantes en 2006, la mitad menores de treinta años. Se asentaron donde y como pudieron, incluso en casitas de chapas o madera

Pero el hangar del Comando del Área Naval Austral, ex aeropuerto y núcleo central de la segunda edición de la Bienal del Fin del Mundo que abre hoy con obras de 43 artistas de 16 países, está fuera de ese caos urbanístico.

Lo separan unas veinte cuadras y sin embargo, rodeado de pastizales altos y secos, parece estar solo con la naturaleza, quedar muy lejos. Ya desde afuera uno se convence de que no hay mejor lugar que esa edificación de techo a dos aguas, pintada con las manchas marrones y verdes del camuflado militar, para funcionar como corazón de un evento de arte contemporáneo cuyo tema es la “Intemperie”.

Un concepto que, como señala la presentación, alude al aire libre, a los grandes espacios desiertos, a la fragilidad de la vida ante una naturaleza cada vez más amenazante como consecuencia del cambio climático y opera como metáfora de un mundo regido por la incertidumbre y la transitoriedad.

Adentro la idea de que no hay mejor lugar para esta movida cala en los huesos. El curador de la Bienal, el crítico de arte alemán Alfons Hug, director de dos ediciones de la Bienal de San Pablo y del Instituto Goethe de Río de Janeiro, lo definió como “un bosque de videos de cinco mil metros cuadrados”. Salvo por las pantallas, está oscuro. Y sin calefaccionar.

Se exhiben veinte video-instalaciones, agrupadas por temas: agua, aire, tierra, fuego. Entre las perlitas, están el incendio que filmó Reynold Reynolds (Burn), la transformación de la lava de un volcán de Hawai en agua que proyecta el esloveno Andrej Zdravic (Origin), la cápsula espacial construida con madera fueguina que alberga un proyector como símbolo irónico de la colonización de Bjorn Melhus (Beagle 3), la ilusión de pozo sin fondo que la argentina Graciela Sacco crea con espejos donde exhibe un video de pasajeros en el aeropuerto de Barajas, Madrid (Cuánto es un metro cuadrado de destierro), o la filmación del dibujo que reconstruye los planos de una casa derribada para crear la autopista porteña realizado por otra argentina, Carolina Andreetti (Había una casa).

Otra sede de la Bienal es el ex presidio, hoy museo histórico, donde Sacco intervino una celda con otros espejos multiplicadores y deformantes (Cuánto es un metro cuadrado de infinito), fotos de tótems hechos piedras que quedaron como huellas del artista local Miguel Pereyra en los lugares que visitó y una serie de dibujos, Proyecto carcelario para castores, una plaga local, de Verónica Gómez.

Entre los árboles petisos del bosque Yatana, ubicado tras un enrejado en el centro de la ciudad, apareció una ballena gigante, amasada con arcilla por Adrián Villar Rojas y equipo. Se titula Mi familia muerta, porque nació de un dibujo para el abuelo fallecido del artista y porque, como él dice, hace monumentos “porque nunca se está listo para ninguna pérdida”.

También hay obras en el espacio público, en la ex usina y en la Casa de la Cultura, donde Fernando Farina, curador por Argentina, presenta una muestra de artistas locales. Y performances, como la de la cordobesa Adriana Bustos que, trabajando sobre la idea de la fuga, creó una Máquina para volar.

La Bienal incluyó expediciones a la Antártida y a Ciudad del Cabo, Sudáfrica, y muestras previas en Brasil. Pero los sponsors se cayeron. El mural de Hernán Salamanco, que iba a reemplazar el que creó Clorindo Testa para la primera edición de la Bienal en 2007, quedó en suspenso. Lo mismo que una propuesta pensada para El Calafate. Pero a Hug, quien en la conferencia inaugural reclamó a los organizadores hacerse cargo de las deudas que quedan, no le gusta echarle la culpa a la crisis. Dice que sin crisis no habría arte contemporáneo. Que las crisis son una oportunidad. Y que no hay mejor lugar que la Antártida, un espacio utópico, sin leyes de propiedad, o “el fin del mundo” para replantearse todo y volver a empezar. Los que concurran a Ushuaia podrán ver esta demostración de arte del nuevo milenio durante el próximo mes

Sonar Historietas : Quino dice hasta luego.

2009-04-19T13:22:00.000-07:00

Quino anuncia que dejará de dibujar temporalmente para no repetirse.
El creador de Mafalda quiere así evitar repetirse y pide al público que no lo tome "como una despedida"

19/04/2009

Buenos Aires. (EFE).- El argentino Joaquín Salvador Lavado Quino anunció en una revista que publica sus historietas que para evitar repetirse dejará de dibujar, pero pidió al público que no lo tome "como una despedida sino como una ausencia temporal".

El creador de Mafalda y otros entrañables personajes utilizó las páginas que suele destinar a sus dibujos Viva, la revista dominical del diario Clarín -el más vendido del país-, para escribir una carta a sus "queridos lectoras y lectores". "Como ya saben, desde hace un par de años esta querida revista viene republicando páginas mías, algunas dibujadas hace mucho tiempo, otras no tanto", dijo en el manuscrito Quino, nacido hace 76 años en la ciudad de Mendoza (oeste).
"Resultó interesante volver a verlas por la asombrosa actualidad que presentaban muchas de ellas -agregó-, lo que prueba que tantos problemas que hoy nos agobian vienen repitiéndose gracias al talento que pone la sociedad en reciclar sus errores". El autor, que tiene más de 50 años de trayectoria, recordó que la idea de volver a publicar "aquellos trabajos surgió" cuando se dio cuenta de que también él sufre "de ese mismo mal" de repetirse "en los temas y el estilo de dibujo"."Me pareció acertado (...) tomarme un tiempo hasta encontrar algún modo de renovar el enfoque de mis ideas o al menos nuevas formas en mi línea gráfica. Lamentablemente, al día de hoy no he sabido encontrar la fórmula de tales cambios", explicó. Quino justificó su decisión de no seguir repitiendo "páginas ya republicadas" al considerar que sería "una falta de respeto no sólo a los lectores de Viva sino también a una larga carrera".

"No se tomen estas líneas, que tanto me cuesta escribir, como una despedida sino como una ausencia temporal que espero sea breve porque no me gusta nada la idea de que mis dibujos no sigan apareciendo en estas páginas", concluyó. Hijo de españoles emigrados en 1919 a Argentina, Quino se vio atraído por el dibujo desde niño y cursó estudios de Bellas Artes, pero los abandonó para dedicarse al humor gráfico y publicó su primera página en 1954.

Heredero, según él, del carácter trágico y el humor negro de los andaluces, el dibujante alcanzó fama mundial gracias a Mafalda, personaje nacido en 1963 y cuyas historietas se han traducido a más de treinta idiomas. Aunque Lavado dejó de dibujar en 1973 a esa niña de pelo oscuro y cara redonda que hacía gala de una gran ironía, Mafalda sigue siendo símbolo de rebeldía.

"Me pregunto cómo es posible que yo haya dibujado hace tanto tiempo cosas que siguen pasando hoy", dijo Quino cuando en 2004 se inauguró en Buenos Aires una muestra con trabajos de sus cincuenta años como dibujante. El autor, casado con Alicia Colombo y que últimamente se ha dedicado a la pintura y a gestionar la difusión de sus dibujos, está radicado en Europa desde hace varios años y en 1990 adoptó la nacionalidad española. El creador de Mafalda, Manolito, Felipe, Libertad y otros personajes ha recibido gran cantidad de premios y muestras de reconocimiento tanto en Argentina como en el resto del mundo.

Sonar Tango : Fueye y Guitarra

2009-04-18T12:23:00.000-07:00

Leopoldo Federico y Hugo Rivas recrean la tradicional dupla de fueye y guitarra, y lanzan un disco impecable.

Por Federico Monjeau

La vuelta al noble y económico formato de bandoneón y guitarra es uno de los giros más afortunados que ha dado el tango en estos últimos años, aunque en este esperado disco de Leopoldo Federico y Hugo Rivas (Sentido Unico, que se presentó en el Tasso), no se vuelve al dúo, sino al modelo de Troilo y Grela: un cuarteto que completan Osvaldo Fernández en guitarra rítmica y Manuel Gómez en contrabajo.

No es sólo esa base más ampliada lo que le da a Sentido Unico su carácter orquestal, sino también el propio estilo de Leopoldo Federico. Si la historia del bandoneón reconociese efectivamente sus dos afluentes principales en el lirismo melancólico de Maffia y el estilo más rítmico y aguerrido de Laurenz, Troilo estará más cerca del primero y Federico del segundo. Escuchamos en este disco a Federico y pareciera que el bandoneonista sigue arrastrando a una orquesta entera con su empuje, aunque conviene aclarar que la potencia no le quita un ápice de sutileza a su fraseo. El estilo del virtuoso guitarrista Rivas congenia naturalmente con Federico, y los arreglos de uno y otro dejan ver también un fondo de orquesta: en las figuras de acompañamiento, en los ricos contracantos, en la robusta sonoridad general.

La impecable selección incluye una docena de títulos, muchos de los cuales Federico ya había interpretado en aquel histórico disco con Grela, Tangos para un patio sin tiempo, como Danzarín, (Plaza), De puro guapo (Laurenz), A la guardia nueva (Troilo), el vals Un momento (Stamponi) y Berretín (Laurenz), a los que se suman, entre otros, Cabulero, del propio Federico, y Romance de barrio, ese vals perfecto que Troilo escribió sobre versos de Manzi cuya hipnótica ejecución forma tal vez el punto más brillante del disco.

El Cigala : La Secuela de un Éxito.

2009-04-17T11:53:00.000-07:00

La secuela de un éxito "Dos lágrimas" de Diego El Cigala

Ya sin Bebo Valdés, el cantaor reitera la fórmula de aquel "Lágrimas negras".

La cruza de cante flamenco con ritmos afrocubanos sigue rindiendo.

Por: Mariano del Mazo

Secuela del exitosísimo Lágrimas negras que el español Diego el Cigala lanzó junto con el legendario pianista cubano Bebo Valdés en 2003 o, mejor dicho, profundización del concepto de aquel álbum, Dos lágrimas es la consolidación del cantaor como artista que busca más allá de los límites del flamenco, para someter su cante a una suerte de internacionalización pop.

Ya sin Bebo, El Cigala se adueñó del álbum enterito y puso como pianistas acompañantes al veterano músico cubano Guillermo Rubalcaba (no confundir con Gonzalo) y al catalán Jumitos. El resultado es, nuevamente, un encuentro entre la férrea cultura flamenca -en este caso representada en la voz- y la dulzona tradición afrocubana, que aquí abunda en son, tumbao y bolero. La tensión en el abrazo de los dos universos resulta inquietante y logra un efecto doble: por una lado amortigua el sanguíneo, críptico y hermético efecto del cante jondo, ese que en términos comerciales mantiene al flamenco como un género endogámico, para puristas, que sólo logra respirar a través de la rumba; por el otro, le saca al bolero esa forma expresiva afectada, por momentos empalagosa, siempre al borde de la parodia.

Así Dos lágrimas se vuelve un disco disfrutable, en un equilibrio entre el gesto artístico y la fórmula rendidora. Conmueve el desgarro de El Cigala en clásicos como Dos gardenias (y su extraordinario tumbao), Historia de un amor, María de la O y Te extraño. Y es vibrante la interpretación de Compromiso: el piano introductorio de Rubalcaba (con fraseo de candombe incluido), el cajón de Sabú Suárez Escobar y la cubanísima segunda voz de Reinaldo Creagh, definen uno de los mejores momentos del disco. En cambio, resulta fallido el abordaje de Caruso (Lucio Dalla) a ritmo de tango, un tango cuadrado infectado de lugares comunes, casi un tango italiano, con el bandoneón del francés Richard Galliano.

Dos lágrimas exhibe, finalmente, el potencial interpretativo de El Cigala y los rindes excepcionales de una fórmula cautivante.

¡ Vuelve el Rock al Club Argentino !

2009-04-15T12:10:00.001-07:00

La Dirección Municipal de Cultura, con el objetivo de generar espacios para la difusión y fomento de nuevas bandas y nuevos circuitos alternativos de Rock programó el Ciclo 4 PUNTOS DE ROCK. El mismo será en cuatro barrios de nuestra ciudad.

La primer fecha será el 18 de abril, a partir de las 20 h. en el Club Argentino (San Juan y Duval). Las bandas convocadas son Oruga y DM2. La entrada no será con dinero, sino con la colaboración de un paquete de azúcar, leche en polvo, yerba, mermelada o harina. Todo lo recaudado será entregado al Desayunador de Villa Germinal.

Cabe destacar que esta modalidad de entrada se repetirá en el resto de las fechas, siendo entregados los alimetos ha distintas entidades no gubernamentales.

Sonar Beatles : Remasterizado Digital

2009-04-13T11:29:00.000-07:00

El sonido de los Beatles se pone al día
El catálogo remasterizado de la banda de Liverpool sale a la venta el 9 de septiembre
EFE - Madrid - 08/04/2009

Los álbumes de los Beatles remasterizados digitalmente se publicarán por primera vez en todo el mundo el próximo 9 de septiembre, ha informado hoy la discográfica EMI al anunciar "el proyecto de relanzamiento de catálogo más completo, cuidado e importante de la historia de la música". Esa misma fecha se pondrá a la venta además un videojuego dedicado al grupo, The Beatles: Rock band.

El relanzamiento de la discografía de los Beatles incluye los 13 álbumes originales del grupo más la recopilación Past masters, que serán editados en estéreo en CD, un formato en el que no habían aparecido aún los cuatro primeros discos de la banda de Liverpool -Please please me (1963), With The Beatles (1963), A hard day's night (1964) y Beatles for sale (1964)-.

Cada uno de los álbumes será editado en una réplica idéntica al diseño y al arte originales, incluidos los libretos de las primeras ediciones con nuevos textos y fotos inéditas. Durante un periodo limitado, cada CD incluirá breves documentales sobre el álbum, que contienen imágenes de archivo, fotografías raras y conversaciones de los Beatles nunca escuchadas.
También en mono
Los 14 álbumes en estéreo, junto a un DVD con una colección de documentales, se lanzarán en una caja especial, también el 9 de septiembre. Otra caja reunirá los 10 primeros álbumes de The Beatles en versión mono, que también han sido remezclados, junto al disco Mono masters -la versión en mono del álbum Past masters-. Los discos de los Beatles fueron publicados en CD en los años ochenta, pero entonces no fueron remasterizados digitalmente.

Este proceso se ha llevado a cabo durante los últimos cuatro años en los estudios de Abbey Road -donde fueron grabadas la mayoría de las canciones del grupo- por un equipo de ingenieros que utilizó las últimas tecnologías de grabación junto a los antiguos equipos del estudio. EMI ha explicado este proceso en un comunicado en el que destaca que se ha mantenido "cuidadosamente" la "autenticidad" y la "integridad"de las grabaciones analógicas originales, y que el resultado es "la más alta fidelidad al catálogo que se ha conocido desde su edición original".

La discográfica ha relatado que el proceso de remasterización comenzó con un largo periodo de comprobaciones, pruebas y chequeos antes de transferir las cintas máster analógicas a los soportes digitales. Durante la remasterización se acordó que los chasquidos eléctricos, golpes de aire en los micros producidos al cantar, silabeos excesivos y otros problemas "fueran solucionados hasta donde fuera posible, sin afectar a la integridad original de las grabaciones", indica EMI, que asegura que la tecnología de reducción de ruido ha sido utilizada "de manera sutil y moderada".

Una vez que todos los álbumes fueron transferidos, cada canción fue escuchada varias veces para detectar cualquier imperfección, en un proceso dirigido por Guy Massey, quien trabajó junto al ingeniero de restauración de audio Simon Gibson. Después se procedió a comparar el sonido de las cintas originales con los nuevos transfer y cuando se acabó el proceso en cada álbum, se realizó una nueva y profunda escucha para dar los últimos retoques a la ecualización.

Marisa Monte : El Oficio de Cantar

2009-04-12T17:27:00.000-07:00

Documental sobre Marisa Monte. El oficio de cantar
Marisa Monte reflexiona sobre su vida profesional en un documental que grabado durante la última gira de la artista brasileña.

Javier Martínez Madrid /Domingo 12/04/2009.

"Mi nombre es Marisa Monte. Soy brasileña y tengo 40 años. Nací en una familia de la clase media-alta de Río de Janeiro. Soy música". Así se inicia 'Marisa Monte. Infinito ao meu redor', un documental de una hora y cinco minutos en el que la protagonista relata las experiencias de su última gira, la que sirvió para presentar dos discos lanzados de manera simultánea en 2006: 'Infinito particular' y 'Universo ao meu redor'.

Dieciocho meses, 140 conciertos, 50 ciudades, 15 países, cinco continentes, 750.000 personas. Es el resumen numérico que ofrece uno de los grandes nombres de la música brasileña en las dos últimas décadas. No tarda en confesar sus devociones, que van desde Roberto Carlos a Elis Regina, pasando por Tim Maia, Caetano Veloso y Milton Nascimento.

'Infinito ao meu redor', que se acompaña con un disco de tres canciones inéditas y nueve temas completos interpretados en directo, es también una visión, siempre relatada en primera persona, de la industria musical, a la vez que una desmitificación de la gira, trabajo rutinario y extenuante que no siempre es percibido así por los espectadores.

"Sobrevivo haciendo música. Más raro que eso, conseguí una independencia artística poco común en esta industria. Pienso que eso se dio porque trabajé con la intención de comprender los medios de producción de mi profesión”. Marisa Monte posee su propio sello discográfico, Phonomotor, lo que le permite ser dueña de su obra, que distribuye a través de la multinacional EMI.

Quienes hemos tenido la fortuna de verla en directo, sabemos de su alto grado de profesionalidad, de un 'show' muy bien planificado, que cuenta con el suficiente grado de improvisación. "Otras se compran zapatos o bolsos, yo prefiero gastarme el dinero haciendo espectáculos", afirma la mujer que alcanzase su mayor celebridad en 2003, con la edición de 'Tribalistas', junto a Carlinhos Brown y Arnaldo Antunes, la entrega más comercial dentro de una trayectoria siempre brillante, que parte de la tradición brasileña para derivar hacia el pop.
El documental también está elaborado con mimo, dentro de las pautas de este tipo de trabajos. A diferencia de lo que pudiera suceder, por escoger un ejemplo, con 'Wild man blues', el seguimiento al detalle de una gira de Woody Allen junto a su grupo de jazz, arrojan credibilidad hasta las imágenes más íntimas de la diva, que lava su propia ropa en la bañera del hotel y lee a sus compañeros de viaje a bordo de un autobús las críticas de la prensa británica sobre uno de sus conciertos.

'Infinito ao meu redor', rodado con dinamismo y gusto por el detalle, es una reflexión sincera sobre el trabajo de componer e interpretar música, con su gratificación y sus servidumbres, entre las que se encuentra la apertura de nuevos mercados. "500 horas viajando para hacer 14 horas de música. Siete 'shows' en 21 días", cuantifica tras el paso por Asia en un "viaje de exploración".

Sonar Músicos: Ernest Ranglin, puro talento.

2009-04-11T10:47:00.000-07:00

Hablar de Ernest Ranglin no es sólo hablar de un gran músico con una carrera de más de cinco décadas. Es también remontarse a los comienzos de un legendario Island Records y del Ska jamaiquino.

Ernest Ranglin nació el día 19 de junio de 1932 en el pueblo jamaiquino de Robin’s Hall. Comenzó a tocar la guitarra cuando era niño, gracias a que sus tíos le enseñaron los primeros rudimentos del instrumento. En sus comienzos, la música de Ranglin estuvo influenciada por el guitarrista de jazz norteamericano Charlie Christian. A la edad de 14 años se mudó a Kingston, supuestamente para terminar sus estudios en el Bodmin College, aunque su mayor interés era estudiar música seriamente.

En la capital jamaiquina sus lecciones de música consistieron en libros de guitarra y en asistir a los bailes nocturnos para observar a las bandas locales de aquel entonces. A los dieciséis años ya era un incipiente talento en la ciudad.

En 1948 se unió a su primera banda, la Orquesta Val Bennett, que tocaba en hoteles locales. Por entonces la reputación de Ranglin crecía y a mediados de los años ‘50 ya era miembro de la mejor banda jamaiquina, la Orquestra Eric Deans, que no sólo tocaba en Jamaica sino en todo el Caribe y en las Bahamas.

Por un encuentro casual, en 1958 su carrera se transformó: en el hotel Half Moon de Montego Bay, Ranglin conoció a Chris Blackwell, quien luego sería el fundador del sello discográfico Island Records. Blackwell escuchó el show, e inmediatamente le ofreció a Ranglin la posibilidad de grabar un álbum. Este disco marcó un hito fundamental en la historia discográfica ya que fue el primer lanzamiento de esta casa disquera, una de las más importantes del mundo.

Al año siguiente Ranglin se unió al bajista Cluett Jonson formando “Cluet J. And His Bues Blasters”. Su estilo músical difería de las grandes bandas por estar influenciados por el rhythm & blues norteamericano y por la música de Nueva Orleans. Ese género se llamó ska, y representó un gran cambio en la música jamaiquina. Por aquella época grababan en los estudios Federal, los únicos de la isla.

En 1964 Ranglin viajó nuevamente a Inglaterra, invitado por Blackwell, quien dos años antes había lanzado Island Records en ese país. En Londres, Ranglin grabó junto a una cantante jamaiquina llamada Millie el sencillo “My Boy Lollipop”. Esa canción alcanzó el número 2 en el chart del Reino Unido siendo la primera vez que el nuevo sonido del ska se infiltraba en la música pop.

A partir de 1973, Ranglin volvió a concentrarse en el jazz. Puede decirse que desde entonces su producción es heterogénea, de varios estilos y tradiciones culturales, con“experimentos” y con la colaboración de diferentes artistas (Baaba Maal, etc.), como es el caso de sus últimos álbumes. Para deleite de muchos, Ernest Ranglin aún continua tocando en Jamaica.

Obras Incompletas : Andrés Calamaro

2009-04-10T15:16:00.000-07:00

Calamaro presenta 'Andrés', una antología con 54 temas nuevos
El cantautor bonaerense inciará su gira española el 6 de mayo en Barcelona
EFE - Madrid - 07/04/2009

Sus seguidores llevaban tiempo reclamando una antología de su trabajo y, por fin, el argentino Andrés Calamaro edita Andrés, sus Obras incompletas, un total de seis discos y dos DVD que incluyen, además de 54 canciones inéditas, una selección de lo mejor de su carrera desde Alta suciedad hasta hoy.

El porteño, que según ha comentado hoy se considera un "amante de los números redondos", cierra así un ciclo que comprende sus diez últimos años de carrera musical, desde que en 1997 decidiera emprender su camino en solitario tras la disolución de Los Rodríguez, hasta la publicación del que hasta la fecha es su último álbum de estudio, La lengua popular (2007).

Representado bajo una estética "visiblemente comunista", en este recopilatorio Calamaro expande su prolífica obra con más de medio centenar de canciones que hasta ahora no habían visto la luz, entre ellas 'De la lluvia', descartada en su momento como parte de Alta suciedad; 'El manifiesto común', sobre "las prácticas humanas más espantosas"; o 'Rivothiller', una especie de "catarsis al estilo Pollock", explica el músico.

Los temas que le permitieron vivir de la música

Seguro de que estas composiciones inéditas "sorprenderán", Calamaro, que se ha erigido en uno de los grandes el pop-rock hispanoamericano, asegura sentir "gratitud" por sus canciones más emblemáticas -'Flaca', 'Paloma', 'Te quiero igual'...- porque son éstas y no quizá sus preferidas las que le han permitido "vivir de la música". De hecho, todos sus grandes éxitos se han compilado en un disco alterntivo en el que tan sólo se incluyen 18 cortes, además de un DVD con varios videoclips y grabaciones en directo.

"Para hacer un greatest hits hay que tenerlos, por eso es algo bellísimo poder hacer un disco sólo con los temas que te han llevado al éxito", dice el artista, que se considera a sí mismo un músico "incompleto", una cualidad que ha corroborado tras relacionarse y compartir colaborciones con "auténticos genios".
El cantante, que ha transitado por géneros como el folk, el rock o el tango, asegura que en cuanto a composición de canciones se refiere, actualmente sufre el "síndrome de la página en blanco", lo que no significa que esté planteándose un periodo sabático o de no creación. "Estoy bloqueado ante un espacio en blanco que no puedo rellenar, pero eso me pasa todos los días, no tiene por qué ser un problema porque la composición es sólo una parte de lo que significa ser músico", subraya Calamaro, para quien el enemigo "no es Bin Laden ni la crisis, sino escuchar lo que opinan los fans de tu música", bromea.

Andrés, en su versión extendida de seis discos, incluye también un libro con todas las letras de las canciones, textos escritos por el propio Calamaro y dedicatorias de algunos amigos del artista, como Fernando Trueba, quien ha acompañado hoy al cantante y que no ha dudado en declararse "seguidor incondicional" del músico.

Con este trabajo, Calamaro visitará las ciudades españolas de Barcelona -6 mayo-, Salamanca -7 mayo-, San Sebastián -9 mayo-, y Madrid -10 mayo-; además de las ciudades mexicanas México DF -16 mayo-; Monterrey -19 mayo-, Guadalajara -22 mayo- y Puebla -24 mayo-.

Vigilante Medio Argentino (Andrés Calamaro)

Ahora que soy grande me habré dado cuenta

que no todo es tan bueno

detrás de la puerta de entrada de Ezeiza

están el bife de chorizo y el vino

Están los vecinos casi siempre obedeciendo

el destino del vigilante medio argentino

está la señora que todos adoran

es la abuela perfecta

pero a un pobre pendejo

que fumaba en una esquina

sin molestar a nadie le mandó a la policía

el pibe se comió un garrón de dos días adentro

y la viejita nunca supo que el puntero era su nieto

que el puntero era su nieto

Está el portero o encargado de edificio

a veces es amigo pero, en general es el corre-ve-y-dile de la seccional¡

Están en Capital Federal!

En provincias también el vigilante feudal

el dueño de las vidas, por ejemplo en Catamarca

encana negritos y les cierra la puerta

y sus hijos educados con toda severidad

le hicieron la boleta a María Soledad

Es el legislador progresista que termina votando

para bien de los vecinos lo mismo le parece ser travesti o asesino

Es el destino divino, tan fino, tan occidental y cristiano

cosmopolita y parisino

tan típico Matute pero no el de don Gato

El vigilante argento además es barato

además es barato

es el estilo tan fino

del vigilante medio argentino.

http://www.pagina12.com.ar/diario/sociedad/3-49929-2005-04-19.html

Sonar Terapéutico : ¿Prozac o Música?

2009-04-06T16:40:00.000-07:00

¿Prozac o música? Cuando el ritmo ayuda a curar enfermos

Vera Brandes, directora del programa de investigación en música y medicina de la Universidad Médica Privada Paracelso, de Salzburgo, en Austria se autodefine como "la primera farmacóloga música". Una tendencia en auge.

Por: MATTHEW GUREWITSCH*

¿Se acuerda del efecto Mozart? Tal como lo presentaban los medios informativos, el mensaje era que escuchar a Mozart hacía más inteligentes a los chicos. La ciencia no podía comprobarlo, pero la idea prendió y un conjunto cada vez mayor de investigaciones ha sugerido desde entonces que la música, la música clásica en particular, es de algún modo buena para nosotros. "Escuchar música más delicada y asistir a conciertos regularmente disminuye en alrededor de cuatro años la edad real", dijo hace poco el Dr. Michael F. Roizen, ejecutivo del Instituto del Bienestar de la Clínica Cleveland. "Si se debe al alivio del estrés o a otras propiedades, no lo sabemos, pero constatamos disminuciones de la mortalidad por todas las causas, hecho que refleja un envejecimiento menor de las arterias, así como por factores ambientales y relacionados con el cáncer. Asistir a eventos deportivos no ofrece ninguno de estos beneficios."

Que la música afecta al núcleo de nuestro ser es un descubrimiento viejo como la conciencia humana. Platón captó los poderes de la música en "Las leyes" y otros diálogos, y no fue el único en hacerlo. Shakespeare en varias de sus escenas más conmovedoras dramatizó el efecto sedante de la música en los espíritus perturbados.

Los sanadores tratan de aprovechar la música para fines terapéuticos, aunque sea como accesorio de cristales, perfumes y té verde. Pero, ¿tendrá alguna vez la música su lugar como medicamento? Una experta apuesta a que sí. Se trata de Vera Brandes, directora del programa de investigación en música y medicina de la Universidad Médica Privada Paracelso, de Salzburgo, Austria. "Soy la primera farmacóloga musical", dijo Brandes el otoño pasado en Viena. Como tal, está desarrollando medicamentos en forma de música, indicados como receta médica. Para comercializar la línea de productos, ayudó a fundar Sanoson (sanoson.at), una empresa que también diseña sistemas de música personalizados para servicios médicos. "Estamos preparando el lanzamiento de nuestras terapias en Alemania y Austria en el otoño de 2009 y esperamos ansiosamente el lanzamiento en Estados Unidos para 2010", dijo.

El tratamiento funciona así. Una vez que el médico hace un diagnóstico, el paciente es enviado a su casa con un protocolo de escucha y música cargada en un reproductor parecido a un iPod. La tecnología –que incluye auriculares y formateo especiales como protección contra la piratería– está registrada. Una solicitud de patente fue presentada en la Oficina de Patentes de los Estados Unidos.

La música también está registrada. Para evitar la interferencia de asociaciones personales, las grabaciones están hechas con material totalmente original. "Descubrimos que cuando las personas escuchan música que conocen, sus reacciones son totalmente distintas." El camino de la señora Brandsen se cruzó con el del doctor Roizen en agosto pasado en un simposio titulado "La música y el cerebro", presentado por la Clínica Cleveland y la Orquesta de Cleveland durante la residencia de esta última en el Festival de Salzburgo. Roizen, que es autor (junto con Mehmet C. Oz) de "You: The Owner's Manual" y sus numerosas y exitosas secuelas, dio su charla "Los efectos beneficiosos de la música en la salud". Brandes, que en ese momento trabajaba en el programa Mozart & Science 2008, un congreso internacional realizado en Viena en noviembre pasado, estaba presente y descubrió que compartía con él la pasión por cuantificar los efectos saludables de la música, en los que muchos durante largo tiempo tuvieron fe.
Además de Platón y Shakespeare, científicos naturales, muchos de ellos también músicos, han visto la música con un ojo cada vez más analítico. En el utilitario siglo XX, Muzak construyó un imperio (ahora en concurso de acreedores) partiendo de la premisa que la música de fondo en el trabajo podía aumentar la productividad. El doctor Oliver Sacks, explorador de regiones desconocidas de la neurología, dedicó su último best-seller "Musicophilia" a efectos espeluznantes de la música en el cerebro. Y como saben todos los que tienen un iPod, las listas discográficas personales pueden obrar milagros en el ánimo y el bienestar.

¿Pero cómo? Igual que los antiguos boticarios, que destilaban extractos de su reserva de hierbas y plantas naturales, Brandes y sus asociados analizan música de todo tipo para extraer los "ingredientes activos" que luego son mezclados y equilibrados en compuestos medicinales. Si bien se mantienen alejados de las patologías graves o las enfermedades infecciosas, sostienen que sus métodos tienen una amplia aplicación en trastornos psicosomáticos, control del dolor y otras enfermedades como depresión, insomnio y ciertos tipos de arritmia.

La farmacopea abarca unas 55 grabaciones de música medicinal, y hay más en camino. En un estudio piloto, que en 2008 fue mencionado en la reunión científica anual de la American Psychosomatic Society de Baltimore, Brandes y sus socios investigaron los efectos de la música en pacientes que sufrían de hipertensión sin causa orgánica aparente. Según su estudio, escuchando un programa de música diseñado especialmente durante 30 minutos por día, cinco días a la semana, por cuatro semanas, los pacientes experimentaron mejoras significativas en la variabilidad de la frecuencia cardíaca. En su próximo estudio, Brandes someterá estas conclusiones a un ensayo clínico completo. Productora de eventos y grabaciones musicales, Brandes, 52, fue quien descubrió al fenómeno del arpa, Andreas Vollenweider, y montó el concierto de Keith Jarrett en Colonia, Alemania, por mencionar sólo dos hechos salientes de su CV. Pero un accidente de auto en 1995 la llevó a un cambio de carrera. "Me rompí las vértebras 11 y 12, a un milímetro de la médula", dijo Brandes. Para que se recuperara el equipo médico esperaba mantenerla inmovilizada durante 10 semanas. Pero Brandes compartía su habitación con una budista cuyos amigos iban a cantar todos los días y después de dos semanas en el hospital, una resonancia mostró que su columna estaba curada. "Todos decían que era un milagro", cuenta. Tres años más tarde, Brandes pasó tres meses junto al lecho de su madre, que estaba en coma con un raro cáncer sanguíneo, haciéndola oír música. En un primer momento, la enferma respondió mejor a la música de guitarra española clásica que siempre le había gustado. Pero a medida que su estado fue empeorando, esos viejos favoritos comenzaron ma afligirla, y el minimalismo suave resultó más beneficioso.

Pese a lo sugestiva y significativa que había sido esta experiencia, Brandes, que no tiene ningún título avanzado de medicina o ciencia, sabía que sus teorías nunca ganarían aceptación sin ensayos clínicos formales.

Hoy los sujetos de sus estudios musan relojes inteligentes para medir siete valores fisiológicos, entre otros, la frecuencia cardíaca y la actividad eléctrica muscular. Principios similares a los de Sanoson son los que sostiene Sourcetone Interactive Radio. La empresa dice que "el servicio apunta a promover la salud a través del poder de la música ofreciendo listas discográficas que favorecen estados emocionales deseados como la relajación, la tonificación, la estimulación y la felicidad". Sourcetone utiliza la investigación realizada junto con el Beth Israel Deaconess Medical Center de Boston y la facultad de Medicina de Harvard, donde el neurólogo Gottfried Schlaug estudia los efectos de la actividad musical en la función y la plasticidad cerebral.

Asimismo, Stefan Koelsch, investigador en el área de neuro-cognición de la música y el lenguaje en la Universidad de Sussex, Brighton, Inglaterra, está trabajando en tratamientos musicales participativos para la depresión.

Desde la perspectiva de Brandes, es posible que algunas cosas en el futuro sean diferentes. "Cuando llegue un paciente que sufre una depresión, lo primero será siempre ver al médico. Pero después habrá una variedad de opciones de tratamiento: el analista, Prozac o música."

Sonar Proyectos: 6 Mil Millones de Otros

2009-04-05T16:26:00.000-07:00

La historia de todos nosotros

¿Cuáles son los miedos más terribles que atenazan al mundo? ¿Es igual el amor en Siberia, el Amazonas, Pekín y París? ¿Qué forma insospechada toma la discriminación? ¿Cuál es la idea de felicidad que anhelan en diferentes continentes? El fotógrafo francés Yann Arthus-Bertrand cobró fama mundial a comienzos de la década con su proyecto de fotografiar la Tierra desde el cielo. Pero su nuevo proyecto, imaginado durante uno de esos infinitos aterrizajes que lo llevaron a mezclarse con personas de culturas desconocidas para él, ya no se ocupa sólo de la belleza del planeta sino de los motivos que tenemos los humanos para preservarla. 6 mil millones de otros aspira a recolectar respuestas a preguntas básicas pero esenciales de la mayor cantidad de seres humanos posible. Muchas de ellas ya están saliendo por el canal Encuentro.

Por Mariana Enriquez (Radar)

Una mujer argentina dice que su vida es la militancia, y se acerca al borde del llanto cuando le dice al entrevistador que lo dejaría todo, incluso a sus hijos, hoy mismo, por la posibilidad de la revolución. Un joven palestino, poco más que adolescente, cuenta que odiaba vivir en la Ribera Occidental, que hizo todo por mudarse a Estados Unidos. Y cuando llegó a la tierra prometida, no le gustó. Volvió a Palestina, a su casa, y desde ahí le habla a la cámara. Un hombre francés no puede comprender por qué lo abandonó su mujer; él todavía la ama, él no supo leer los indicios del distanciamiento, dice que no los hubo, y desespera. Un pastor etíope dice que su pueblo, el hamer, no sabe quién es Dios, pero sin embargo le rezan cuando se les pierde una cabra. Un padre ruandés asegura que no puede permitir que el tiempo quede detenido en 1994 –el año del genocidio– porque él tiene hijos y la vida continúa. Así cuentan sus vidas los protagonistas de 6 mil millones de otros, un proyecto del fotógrafo francés Yann Arthus-Bertrand (el mismo que en 2000 y 2002 se hizo muy famoso por las fotos de la Tierra que tomó desde el cielo recopiladas en Earth from the Air y Earth from Above). Acá se puede ver en su formato de programa de televisión por el canal Encuentro, pero este año en Francia fue exhibido como una gran muestra, y su ambición última es la de ser un gran archivo visual de la humanidad del nuevo milenio. Algunos críticos, especialmente en Francia, creen que la aproximación a los sujetos es un poco antropológica, muy National Geographic, sobre todo por el estilo de primer plano, pantalla dividida y cámara quieta. Pero es una crítica injusta, seguramente alimentada por los reparos que conlleva la condición de fotógrafo estrella de Arthus-Bertrand, que además preside una ONG llamada GoodPlanet, desde la que propone tomar conciencia sobre el planeta y ser activo en los intentos por salvarlo. 6 mil millones de otros va más allá. Decir que hay que salvar al planeta es muy lindo, pero, ¿para qué, por qué? La respuesta la da esta gente que habla, confía, se emociona, recuerda, se ríe, trata de esquivar el bulto, dice la verdad.
La felicidad: Una actriz de 71 años, iraní: “Mi felicidad está unida a la de la gente de mi país, a lo que pase allí. No puedo olvidar que soy iraní, no puedo olvidar los problemas que está pasando la gente hoy, y me siento feliz cuando veo que se está por abrir un camino, que brilla una luz sobre Irán, pensar que mi tierra puede ser un mejor lugar”. Una anciana italiana, hermosa: “¿Como puede uno ser feliz cuándo está solo? Yo era feliz con mi marido, y cuando él murió, el sol se fue”. Hombre del norte de la India, de turbante blanco y piel curtida: “Soy un granjero y cuando la lluvia cae sobre los surcos secos, por la gracia de Dios, es cuando un granjero es feliz”. Una mujer sudafricana dice que la música la hace muy feliz “porque encontré su secreto: si tenés un problema, una vez que empezás a escuchar música, sentirás la felicidad en lo profundo de tu corazón”. Un hombre de Argelia, moreno, de gorro negro: “Yo vivo bien, no tengo problemas ni con mi mujer ni con mi hijo. Sí me faltan algunas cosas para ser muy pero muy feliz: no tengo trabajo, por ejemplo, tengo 50 años y no tengo trabajo”. Una mujer de Camboya, que parece satisfecha, de fantástica piel: “Soy muy feliz porque tengo un buen marido, y es como tener un baúl lleno de oro. Estoy diciendo la verdad, les pueden preguntar a los vecinos: me respeta y lo respeto incluso cuando, a veces, comete errores, como apostar al fútbol, y me lo oculta, pero lo tolero porque lo amo y soy feliz con él”. Un refugiado sudanés en Chad: “Mi felicidad es relativa, aquí se puede respirar otra vez, hay un poco de aire fresco, ya no se escuchan los disparos de las armas. Con las organizaciones que están con nosotros, y con nuestros niños, nuestros corazones están en paz. Pero de vez en cuando uno se acuerda de los momentos difíciles del pasado”.

6 mil millones de otros es un proyecto en constante expansión. Por ahora se hicieron 6 mil entrevistas en 65 países (entre los que se cuentan Argentina, Argelia, Etiopía, Ruanda, Francia, Tanzania, Suecia, Italia, Suiza, India, Brasil, Camboya, Irán, Indonesia, Japón, China, Chad, Alemania) y existen 4500 horas de filmación a cargo de seis directores (Arthus-Bertrand no participa de la edición o las entrevistas). El cuestionario es sencillo y amplio: se les pregunta a las personas sobre el dinero, sus recuerdos de infancia, la familia, la guerra, la discriminación, Dios, el amor. Dice Arthus-Bertrand: “Los seis directores tienen un cuestionario; es más fácil con preguntas establecidas, es un acto juguetón, y la gente puede decir cosas que de otra manera quizá no se atreverían a expresar. También ayudó que los directores no son cínicos: creen en la gente y en la generosidad de su espíritu”
La discriminación: Un joven de Los Angeles: “La gente te pregunta de dónde sos y yo digo de acá, de los Estados Unidos. Pero insisten: ‘¿De dónde sos?’. De Los Angeles. Lo escuché tantas veces que sé a qué se refieren: a mis raíces. Les digo: ‘Nací aquí, mis padres son de México’. Tan pronto como decís de dónde son tus padres, ya no sos considerado un estadounidense sino un mexicano. Los que preguntan siempre serán tus amigos, pero se cruzó una línea, e inconscientemente te hacen sentir diferente”. Un hombre de Nepal: “Antes teníamos miedo de hablarle a la gente rica. Andan por ahí en sus lindos autos, y nosotros sólo tenemos nuestros instrumentos de cuerda. Cuando les hablamos, nos dirigimos a ellos de manera formal, pero ellos nos responden de manera informal. A pesar de todo, ese trato nos enseña muchas cosas”. Una mujer bosnia, que fue enviada a Srebenica y sobrevivió: “Ahora vivo en Serbia, en una casa serbia, con una mujer serbia, la que me alquila, con la que compartimos el baño. Créase o no, yo la quiero como si fuera mi hermana, y la respeto. Tomamos café juntas, comemos juntas. Hace dos años que vivo con ella y le pago alquiler. No hay malos sentimientos entre nosotras, ni culpas. Vivo con ella y no puedo odiar a su país. Un país entero no puede ser condenado. Nos llevamos muy bien, aunque ella es serbia y yo musulmana”. Un chico francés con discapacidad motriz dice que la gente le tiene miedo a su diferencia. “No saben cómo tratarla cuando de hecho la persona debe ser tratada lo más naturalmente posible, pero es verdad que puede incomodar a la gente, porque no están acostumbrados. Lo que me pasa frecuentemente, cuando estoy con mi papá, es que la gente se dirige a él para hablarme a mí.” Una mujer neocelandesa: “Soy una mujer maorí, parte de una minoría. Es mi historia, y la discriminación es parte de mi vida cotidiana. Pero no siento lástima por mí misma, y así me sobrepongo”.

Yann Arthus-Bertrand dice que la idea de 6 mil millones de otros le llegó cuando estaba tomando las fotos de la Tierra desde el aire y tuvo que descender en Mali, cuando se descompuso su helicóptero. “Tuve que esperar al piloto en un pequeño pueblo. Me quedé ahí todo el día, y por la noche, junto al fuego, un hombre que había conocido durante la mañana me contó su vida entera, sus deseos, sus ambiciones, que podían resumirse en pocas palabras: ‘Alimentar a mi familia’. A pesar de desconocer la pobreza y la sequía, antes de llegar a Mali yo creía entender toda la situación. Pero la verdad es que no tenía idea hasta que este hombre me lo explicó, mirándome a los ojos, sin quejarse, sin pedirme nada.”

El miedo: Un hombre de Ruanda: “Mi miedo más grande... no sé qué decir. Que vuelva el genocidio, ése es mi miedo”. “Que vuelva la guerra”, dice un adolescente de Camboya. Una mujer de Kenia tiene miedo de pelearse con su marido, porque significaría la desintegración de la familia. Un hombre suizo: “Le tengo miedo al deterioro de la vejez”. Una maestra indonesia teme que sus estudiantes la odien. Un joven refugiado de Costa de Marfil, que vive en España: “Le tengo miedo al sonido del helicóptero, desde chico, porque cuando veía un helicóptero patrullando siempre se avecinaba un tiroteo”. Una chica rubia norteamericana (pero una rubia desaliñada, no una rubia muñeca de California) tiene miedo a volver a enamorarse. Un hombre japonés de mediana edad dice que “le preocupa mucho” que el poder del hombre distorsione a la naturaleza. Y una mujer de Papua Nueva Guinea no quiere morirse: “Toda mi gente, a la que amo, está aquí abajo, no tengo a nadie allá arriba con quien disfrutar y reírme”.

El amor: Un hombre español cuenta que hace 24 años que está casado con su esposa, pero se enamoraron hace apenas dos. Una mujer iraní, de cabello corto, polera negra, maquillada –un aspecto que quienes saben sobre la sociedad del país persa apenas pueden imaginar–, dice que enamorarse “es fantástico cada vez; que no se puede describir y si se pudiera, entonces seguramente no fue amor verdadero”. Un hombre belga, de gorra y mejillas de borracho, dice que es fácil, que cuando se tiene, se tiene, que él ama a su esposa desde el primer día y siempre fue simple. Una mujer brasileña dice que no le gusta decir “te amo”, que prefiere demostrarlo con pequeños gestos. Otra mujer, también negra, pero de Tanzania, dice que prefiere no tener relaciones con hombres, por las enfermedades; está sola, cuidando a sus hijos. Una anciana de Siberia dice que no sabe qué es el amor; cree que lo que ella sintió fue hábito. Pero después lo piensa mejor: “Hice muchas cosas con mi marido. Salíamos a caminar. Pasa que ahora muestran el amor por televisión y nosotros no tuvimos ese tipo de cosas que se ven allí, tuvimos una amistad que nos permitió ser felices y enfrentarnos a los desafíos de la vida. Así, más sencillo, fue el amor que tuvimos”.

La serie 6 mil millones de otros se emite los jueves a las 19 (y repite los jueves a las 3.30; los viernes a las 13; los domingos a las 2 y a las 15.30), por canal Encuentro.

http://www.6billionothers.org/index_en.php

Kurt Cobain, de la A a la Z

2009-04-04T11:41:00.000-07:00

Por José M. Sánchez ( 03-04-09 )

Supo conducir a la música hacia una nueva generación, encumbrando su frágil físico a los altares de los más grandes. Sus seguidores y los amantes del rock recuerdan la mirada penetrante, ausente y delirante de Kurt Cobain y al hombre de cabello rubio que se despreciaba a sí mismo hasta el punto de querer morir.

Fue el 5 de abril de 1994, a los 27 años, como los héroes o las leyendas. Lo encontró en el garaje de su casa un empleado de electricidad que revisaba el sistema eléctrico. Quince años después, su muerte sigue sin esclarecerse, sin haber dilucidado si se trataba de un suicidio o un asesinato.

ABBERDEEN. Su ciudad natal, aquella en la que creció y en la que, a los 14 años, vio cómo su tío le regalaba una guitarra. Comenzaba a hacer sus primeros 'pinitos' en la música. La primera canción que aprendió fue 'Back In Black', de AC/DC. Actualmente, a la entrada de la ciudad se puede apreciar un un cartel que le rinde tributo.

BLEACH. Así se tituló el primer disco de la banda. Lanzado por la mítica discográfica Sub Pop en el año 1989, su grabación costó poco más de 600 dólares, una cantidad que nunca desembolsaron. Pese a contener la gran canción 'About a girl', tuvo escasa trascendencia entre el público.

COURTNEY LOVE. Su mujer, la heredera de toda su fortuna, y la que se ha paseado en los últimos años como una de las viudas más conocidas del rock, salvo excepción de Yoko Ono. El documental '¿Quién mató a Kurt Cobain?' la señaló como la instigadora de la muerte de su marido. Se conocieron en Los Ángeles durante un concierto. Los seguidores más acérrimos del grupo tuvieron gran animadversión hacia ella, a la que consideraban como una persona interesada solo en adquirir fama.

DROGAS. El cantante reconoció haber tomado todo tipo de sustancias, entre ellas, heroína. Tuvo su primer contacto con ellas a principio de los setenta. Durante la gira de promoción de Nevermind, Cobain, adicto, se desmayó en varias ocasiones, lo que, unido a su adicción a los calmantes a consecuencia de sus problemas estmacales, dio entonces la voz de alarma ante una posible decadencia.

EL PERFUME. Siempre decía que el libro escrito por de Patrick Süskind era su favorito. Posiblemente, se identificaba como con el personaje, Jean Baptiste Grenouille. La canción 'Scentless Apprentice', del disco In Utero, está inspirada a raíz de la lectura de este libro.

FRANCES BEAN. Nacida en agosto en 1992 , es su única hija y, en realidad, el único ser de la tierra que le alegraba su existencia. Su madre abusó del consumo de heroína cuando estaba embarazada de ella. Cuando nació, Cobain dijo entre suspiros: "Tiene los ojos mas hermosos del universo".

GRUNGE. “Sucio”, en inglés, fue la etiqueta para renombrar a un nuevo género surgido dentro del rock alternativo. Sus características provenían de los sonidos de guitarras muy distorsionadas, que destilaban mucha energía y aderezadas con melodías repetitivas. Nirvana fue el principal grupo impulsor de esta nueva moda y que popularizó universalmente.

HOLE. La banda de su mujer. El tema ‘Old age’ fue escrito por el propio Cobain. A raíz de su grabación, los miembros de Nirvana vivieron un episodio de celos que les llevó a discutir ante una posible baja del frontman de Nirvana.

IN UTERO. Nombre del tercer y último disco en estudio de Nirvana. Lanzado en 1993, el título surgió de un poema escrito por su mujer. Dado el éxito comercial, la banda quiso volver a sus raíces más primitivas. El temor de Cobain de perder adeptos salidos del punk le motivó. En este álbum se incluyen joyas como ‘Rape me’ o ‘All apologies’. Uno de los títulos que se barajaba fue ‘'Me odio a mí mismo y quiero morir’.

JOHN LENNON. En sus diarios citaba al ex beatle como uno de sus ídolos. Sentía una admiración especial por el fallecido músico de Liverpool. Tanto fue así que ‘About a girl’, una de sus más reconocidas canciones, fue un “intento” de escribir un tema para The
Beatles.

KURT. El hombre y la persona. Solidario y atormentado, se sentía a menudo culpable de que su país fuera tradicionalmente dirigido por hombres blancos. Fue el icono de una generación perdida y desilusionada. De carácter inseguro, el cantante sacudió como nadie el panorama musical del momento junto a sus compañeros Dave Grohl y Khris Novoselic. Y todo en un corto espacio de tiempo. Su vertigioso ascenso a la fama que protagonizó en escasos tres años y la universalización de la filosfía 'grunge' que imploraba se catapultó en contra de sus principios.

LEYENDA. Murió a los 27 años de edad, la misma en la que fallecieron otros grandes como Jimmy Hendrix, Janis Joplin o Jim Morrison. Wendy O'Connor, su madre, se lamentó: “Le dije que no se uniera a ese maldito club”. Su prematura muerte, su ilusión, su forma de ver la vida, su evolución musical y, sobre todo, su deseo de anteponerse a la idea de comercializar su música, le convirtieron en, posiblemente, la última leyenda del rock.

MUERTE. Ary Smith, un electricista que realizaba trabajos en casa, fue quien descubrió el cuerpo sin vida de Cobain. El cantante buscó en todo lo habido y por haber una felicidad que siempre le fue negada. En su última carta, la del suicido, se despide con un “los quiero”, en referencia a sus seguidores.

NEVERMIND. El disco por antonomasia de Nirvana. Fue grabado en 1991 y, desde entonces, la música cambió de signo. Su sorprendente presentación fue aclamada por la crítica. El bebé que aparece desnudo en la carátula se llama Spencer Elden y, en aquellos entonces, tenía 5 meses.

ODIO. El odio a la cultura generalizada y estandar marcó la vida de Cobain. La desesperación, el dolor, la angustia, la tristeza y la depresión se deslizan por la mayoría de sus letras. En una ocasión dijo: "Prefiero que me odien por lo que soy a que me admiren por lo que nunca seré".

PEARL JAM. El grupo protagonizó la dualidad musical del momento. La banda liderada por Eddie Vedder, tras los años, se ha quedado como el único referente del sonido ‘grunge’. Tras conocerse la muerte de Cobain, la banda procedente de Seattle, que acaba de reeditar su primer disco ‘Ten’, le homenajeó interpretando ‘Hey hey, my my’ de Neil Young durante en programa de televisión Saturday Nigth Live.

QUEMADO. Sus restos mortales fueron quemados y, en honor a sus últimos deseos, un tercio de sus cenizas se esparcieron en un templo de Budismo Tibetano en Ithaca, en Nueva York; otro acabó en el río Wishkah por su hija Frances Bean; el resto fue entregado a su viuda. El año pasado fueron robadas en casa de Courtney Love y puestas a subasta en eBay.

ROCK ALTERNATIVO. Es, digamos, la madre del 'Sonido Seattle' y de un conjunto de géneros musicales nacidos en la época de los ochenta y que tuvo gran repercusión a principio de los noventa. Nirvana contribuyó a la universalización de este estilo musical y que, pese a sus principios, obtuvo gran éxito comercial.

SEATTLE. Esta ciudad fue protagonista de la muerte en extrañas circunstancias del cantante. ¿Asesinato o suicidio? Cobain escapó, huyó y estuvo varios días en paradero desconocido. Su mujer contrató a un detective para intentar localizarlo.Tres días después de morir finalmente se encontró su cadáver.

TEEN SPIRIT. Así se refieren muchos medios especializados a su canción más conocida, 'Smells like teen spirit', y la que le otorgó fama y popularidad. Fue interpretada por primera vez el 17 de abril del año 1991. Esta canción ascendió raápidamente a las listas de musicales de todo el planeta. Como anécdota, le debe su título a una novida de la juventud cuando, una noche, ella escribió en una pared "Kurt huele a espíritu adolescente" a raíz del nombre de un desodorante.

UNPLUGGED. Su disco en acústico, despojado del sonido más eléctrico, fue todo un hito para la generación del momento. Editado de forma póstuma y grabado en Nueva York un año antes de su muerte, el recuerdo de Kurt con pantalones rotos y una chaqueta desarrapada fue imitado por los jóvenes de la década de los noventa. El álbum, incluso, recibió un Grammy.

VENDIDO. Tras convertirse en una súper estrella, los seguidores de Nirvana tildaron a Cobain de “vendido”, lo que le sumió en una profunda desesperación. De hecho, en una ocasión dijo que se sentía “arrepentido” de haber grabado el Unplugged porque, según selaaló, “cambiamos todo nuestro estilo por unos cuantos dólares”.

WISHKAH. Así se denomina al río que pasa cerca de su ciudad natal y de ahí viene el nombre de su disco From de muddy banks of the Wishkah. Grabado en directo con retales de canciones de diferentes conciertos, realizados entre 1989 y 1994. Fue comercializado dos años después de la muerte del cantante y se situó directamente en primer lugar en la lista Billboard. Además, la presigiosa revista Rolling Stone lo incluyó entre los mejores discos del año.

X. Fue la generación en la que se encontraba. Nirvana fue uno de los símbolos de esa ‘Generación X’, término acuñado en 1964 para definir una serie de conductas en los jóvenes británicos que rompían las pautas y costumbres anteriores. El escritor norteamericano Douglas Coupland fue el autor que popularizó este término.

YOUNG, NEIL. Uno de sus autores de cabecera y, por supuesto, una de sus influencias. De hecho, en su supuesta carta de suicidio le cita a través de una frase que se ha quedado en el imaginario de todos sus seguidores: It's better to burn out than to fade away" ("es mejor incendiarse que quemarse de a poco").

ZAPATILLAS. Envuelto en una corriente de inconformismo, rechazó todos los estereotipos y buscó su propio estilo, el mismo estilo que millones de jóvenes imitaron. La marca de zapatillas Converse All Star sacó a la venta el año pasado una edición limitada inspiradas en su figura, con motivo del 100 aniversario de la firma.

Sonar Comics : Robert Crumb

2009-04-01T19:06:00.000-07:00

La Biblia es un escándalo, según Crumb
El legendario historietista 'underground' tiene lista su vitriólica versión del Génesis

ELPAÍS- Madrid - 01/04/2009

Bien subversivo sería representar a dios como una mujer negra, pensó el historietista Robert Crumb, leyenda y gran renovador del cómic underground. "Pero si lees bien el Antiguo Testamento, [dios] no es más que un patriarca judío viejo y cabreado", señaló el artista, en una entrevista con la revista Time en 2005. Crumb (Filadelfia, Pennsylvania, 1943) anunció entonces que emprendería su propia versión del libro del Génesis y, cuatro años después, el esquivo autor (muy raramente concede entrevistas) acaba de anunciar en su web que tiene listo el cómic, que se publicará el 19 de octubre en Estados Unidos y Reino Unido. "Va a provocar a la derecha religiosa" ha vaticinado la editorial británica de Crumb en The Guardian.

Crumb se ha ganado su reputación por su estilo punzante y descarnadamente ácido, con el que ha satirizado la sociedad estadounidense desde hace cuarenta años. En sus páginas abunda el lenguaje malsonante y las escenas de sexo. De ahí la expectación suscitada por conocer cómo ha retratado la expulsión del paraíso de Adán y Eva y la travesía de Noé en su arca, entre otros episodios incluidos en el Génesis, libro clave para el judaísmo, el cristianismo y el islam. Crumb ha trabajado con la edición canónica de la Biblia del rey Jacobo y con la traducción de Robert Alter para reinterpretar el Libro del Génesis. Se trata de "una sátira escandalosa", han advertido desde Jonathan Cape, la editorial de Crumb. "Presenta una narración compleja e incluso subversiva que anima a reexaminar a fondo el contenido de la Biblia y su papel en nuestra cultura".

"Ha sido muy divertido", ha confesado el dibujante, que vive junto a su mujer, la artista Aline Kominsky-Crumb, en el sur de Francia, al hacer balance de los años dedicados a su último cómic, que tendrá 200 páginas. "Es muy visual. Morboso. Y está lleno de cosas raras y enloquecidas que van a sorprender de verdad a la gente".

http://rcrumb.com/

Marvin Gaye : A 25 Años del Adiós

2009-04-01T18:17:00.000-07:00

Marvin Gaye
La muerte violenta del músico a manos de su padre, hace 25 años, supuso el nacimiento de una las grandes leyendas de la música.

FERNANDO NAVARRO - 01/04/2009

No ha quedado nunca claro qué es lo que llevó al Reverendo Marvin Gay a acribillar a disparos a su propio hijo en la noche del 1 de abril de 1984, un día antes de que fuera a cumplir 45 años. Pero agarró su revolver y descargó su pistola matando en su casa a Marvin Pentz Gay Jr, más conocido como Marvin Gaye (añadió una "e" a su apellido en homenaje a Sam Cooke), uno de los grandes soulman y compositores de la historia de la música popular.

Algunas biografías apuntan que el Reverendo no soportaba los numerosos y apasionados líos sexuales del segundo de sus tres hijos y, tras una fuerte discusión, disparó. Otros simplemente concluyen que aquel hombre, un conservador cristiano de una secta llamada la Casa de Dios, estaba loco. La religión en cualquier caso tuvo que ver en la actitud del padre: sus estrictos códigos morales y su conducta de hierro habían marcado a Marvin de por vida.

Aquel 1 de abril fue como el desenlace de una tragedia griega: Marvin Gaye, el gran seductor, el humanismo hecho música, moría a manos de su propio progenitor, el sacerdote de la moral, el defensor religioso. Esos balazos lo elevaban a la categoría de mito, aunque ya en vida consiguió ser admirado como un artista negro en un mercado pensado para blancos. Junto con Diana Ross, Stevie Wonder o Smokey Robinson, Gaye fue de los pocos negros que rompieron la barrera de los prejuicios y se ganaron el respeto de todos.

Una de sus más claras referencias fue Sam Cooke, pero también Nat King Cole. Por eso, en los primeros años, después de pasar de niño por el coro de la iglesia, flirteó con el doo-wop cantando por las esquinas. Su mentor, sin embargo, fue un tipo que se caracterizaba por rasgar la guitarra y su ritmo frenético, Bo Diddley. Con los Moonglows, grabó una serie de singles para Chess Records hasta que Berry Gordy, el creador de Tamla Motown, se fijó en él.

Referirse a Marvin Gaye es hablar de un compositor de un tamaño colosal. En Motown, detrás de los focos, fue uno de esos hombres de estudio, artífice de varias composiciones arrebatadoras, magnífico arreglista que se esconde en los créditos de temas de Martha & The Vandellas o Stevie Wonder. Pero su capacidad vocal no pasó desapercibida y, después de labrarse en duetos con cantantes como Mary Wells, encontró su sitio para iniciar una carrera.

En solitario, Gaye representa la máxima expresión de la música soul, sólo en sus inquietudes artísticas se cita la gran evolución de la música negra. Se movió por el R&B al que añadió estilismo, ofreció sofisticación al género para limarlo con arreglos del jazz y redefinió sus parámetros abriendo fronteras al funk. Incluso sería una de las mayores influencias de los pioneros del rap.

La muerte de Tammi Terrell, con la que cantaba el famoso tema Ain't No Mountain High Enough, le marcó para siempre. Como un ermitaño, se refugió en una casa, se empapó de sí mismo y buscó respuestas a un mundo que le superaba. De ahí salió What's Going On, un álbum conceptual sobre la vida, el medio ambiente, la guerra de Vietnam y la supervivencia en los suburbios. Productor, cantante y compositor de todo el disco, Gaye se enfrentó al jefazo de la Motown, que imponía siempre su criterio, porque no quería publicarlo y terminó siendo un éxito. Pero por encima de todo fue su culminación artística, una obra maestra que siempre está en las listas de los mejores discos de la historia.

Como también podría estar Let's Get It On, que mostró su magnetismo sexual al micrófono y que recogía en los créditos interiores que el "sexo es sólo sexo" y el "amor es amor". Era la verdad de Gaye, que encontró en las mujeres una auténtica válvula de escape, también en las drogas, mientras en su música expresaba sus fantasmas, su necesidad de contacto humano. Desorientado, emigró a Europa y regresó a EE UU, a casa de sus padres, donde se alojó hasta ese trágico 1 de abril. Esos disparos acabaron con un músico cuya fuerza creativa absorbía al oyente, como sólo los más grandes son capaces de hacerlo. Inquietudes sociales, políticas y artísticas plasmadas en un soul elegante que fluía como un río. Su música estaba llamada a arrastrar a quien la escuchaba y dejarle en un mar de humanidad. A todos, menos al Reverendo Marvin, a su padre, que asesinó a su hijo, y no hizo absolutamente nada por escucharle.

http://classic.motown.com/

Sonar Documentales : Joe Strummer

2009-03-31T12:46:00.000-07:00

Vida y obra de una leyenda del punk

Esta noche, se podrá ver por primera vez en Argentina el documental sobre Joe Strummer, líder de la banda inglesa The Clash.

Esta noche, los amantes de la música tendrán una oportunidad única. A las 20, por Cityvibe, de Movie City, por primera vez se podrá ver en la Argentina el documental The future is unwritten, que narra la vida de Joe Strummer, el cantante y líder de la legendaria banda inglesa The Clash.

Estrenado en 2007 en el festival Sundance, el filme es un retrato de uno de los músicos que encabezaron el movimiento punk, un género musical contestatario de fuertes raíces anarquistas, que tuvo su auge entre los jóvenes ingleses a fines de los '70 y esparció su rebeldía por todo el mundo. Strummer llevó sus canciones a los primeros puestos de todas las listas, y con los años terminó transformándose en un humanista preocupado por la ecología y la paz.

Así como Sex Pistols fue la cara visible y escandalosa del punk, The Clash encarnó el perfil político y combativo. Sus letras, mayormente escritas por el propio Strummer, abordaban temas como la falta de trabajo, la brutalidad policial, el racismo, la pobreza y la miseria moral de la Inglaterra de Margaret Thatcher. En 1980, su álbum London Calling fue elegido como el mejor del año por la revista Rolling Stone.
Turco de nacimiento e hijo de una enfermera escocesa y un diplomático británico, la vida de Strummer fue intensa y cambiante. Durante su infancia, conoció Egipto, México, Irán, Malawi y Alemania. Posteriormente ese recorrido reapareció en su obra: fue uno de los primeros en fusionar rock y música étnica. Fue diseñador, obrero, sepulturero, artista callejero y hasta cabecilla de una organización de ocupantes ilegales de casas. También condujo su propio programa de radio e incursionó en el cine como actor y compositor de bandas de sonido, de la mano de los directores Alex Cox y Jim Jarmusch. En 2002, el cantante murió de un ataque cardíaco, a los 50 años.

El documental fue dirigido en clave intimista por el experimentado Julian Temple, pionero en el terreno de los videos musicales, que congregó a familiares, amigos y compañeros de Strummer en The Clash alrededor de una fogata en el Brooklyn Bridge Park, en las afueras de Londres.
Gracias a un excelente archivo fílmico y fotográfico, Temple reconstruyó con sobriedad y refinamiento la vida del cantante, pero por sobre todo su mensaje y la pasión de sus ideas. La música de Strummer tuvo una gran influencia posterior en el rock, el rap, el hip-hop y el grunge. "La primera banda que vi fue The Clash. Tenía 17 años y el show fue muy excitante. Sus letras me abrieron al mundo. Desde esa noche empecé a pensar que yo también podía", revela Bono, el cantante de U2, una de las muchas celebridades que desfilan por el documental. Anthony Kiedis y Flea, de los Red Hot Chili Peppers; Courtney Love, la cantante y viuda del músico Kurt Cobain (de Nirvana); los actores John Cusack, Steve Buscemi, Mat Dillon y Johnny Depp; y hasta el cineasta Martin Scorsese cuentan anécdotas y recuerdan a Strummer, con una mezcla de nostalgia y agradecimiento.

Sonar en la Matrix : Una década después

2009-03-31T11:57:00.001-07:00

Se estrenó en 1999
'Matrix' cumple una década

Antonio Martín Guirado (Efe) Los Ángeles 31/03/2009

Ganó cuatro Oscars, recaudó más de 460 millones de dólares y abrió las puertas al cine del futuro. La simbiosis entre espectáculo audiovisual y filosofía de 'The Matrix', todo un fenómeno de la ciencia ficción, cumple este martes 10 años de su estreno.

Desde la cibernética imagen del comienzo, cuyas letras y números en verde sin orden aparente sirvieron luego como icónico fondo de pantalla para miles de ordenadores, hasta su trepidante y romántico desenlace, 'The Matrix', a pesar de su estreno en 1999, es puro cine del siglo XXI.

Thomas Anderson (Keanu Reeves), cuyo alias es Neo, descubre gracias a Morfeo (Laurence Fishburne), considerado el sujeto más peligroso por las autoridades, que el mundo en el que vive es una ilusión generada por ordenador, puesta ante sus ojos "para ocultar la verdad".

Esa 'verdad' en 'The Matrix' es que los seres humanos son esclavos de las máquinas, que se rebelaron en un momento de la Historia. Como se explica en el filme, "existen campos interminables donde los humanos no nacemos. Se nos cultiva".

Mientras tanto, la población vive en una realidad virtual, la misma que distrae las mentes humanas —en una actualización del mito de la caverna de Platón— mientras los cuerpos son empleados como fuente de energía para mantener el funcionamiento de las máquinas.

Cruzada para liberar a la humanidad

Y ahí comienza la misión, repleta de símbolos cristianos, para Neo —'anagrama de 'One', el elegido—, que debe liderar la lucha por la libertad de la humanidad desde la ciudad de Sión, con la ayuda de Trinity (Carrie-Anne Moss).

"Imagino que ahora te sientes un poco como Alicia, cayendo por la madriguera del conejo", le espeta en su primer encuentro Morfeo a Neo, la misma sensación que se tiene al ver por primera vez este cóctel de referencias a títulos clásicos.

Los hermanos Larry y Andy Wachowski, directores y guionistas del filme, trufaron su obra, que posee tantos aficionados como detractores, con homenajes al cine que aman.

Ya sea con los dilemas acerca de la inteligencia artificial, como en 'Terminator', el aspecto visual —pasado por la túrmix 'cyberpunk'— que recuerda a 'Blade Runner', el parásito que se introduce en el cuerpo humano, al contrario que en 'Alien', o la persecución por los tejados a lo 'Vértigo'.

Este 'thriller', de atronadora banda sonora y repleto de imaginación, combina las premisas de la ciencia ficción tradicional con una tecnología en efectos visuales nunca vista hasta entonces.

Destaca la técnica llamada 'bullet-time photography', una extremada ralentización asistida por ordenador que registra hasta 12.000 fotogramas por segundo, usada en escenas como en la que Neo logra esquivar las balas de uno de sus enemigos.

A medio camino entre un relato futurista de Philip K. Dick y el cine de artes marciales de Hong Kong, el resultado final de la obra de los Wachowski abrió el debate sobre la convergencia cultural, entendida como una participación mucho más global en sus manifestaciones.
El fracaso de las secuelas

Alrededor de la franquicia (tras 'The Matrix' llegaron 'The Matrix Reloaded' y 'The Matrix Revolutions', ambas de 2003), se creó todo un imperio basado en cómics, páginas de internet, dibujos de anime y videojuegos, que eran partes ineludibles a la hora de comprender todo el universo de la saga.

Esas piezas del puzzle, que hacían referencia las unas a las otras creando una narrativa común, llevaban la historia hacia terrenos inexplorados en la trilogía, lo que propició que la acogida de los dos siguientes filmes no fuera tan cálida, puesto que daban por sentado algunos detalles que el gran público desconocía.

Así lo explica Henry Jenkins, fundador del programa de Estudios Culturales de los Medios en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, en el libro 'Convergence Culture': "Muchos críticos machacaron las secuelas porque no eran lo suficientemente lógicas en sí mismas y bordeaban la incoherencia", agregó.

"¿Crees en el destino? ¿Crees que tienes el control de tu vida? ¿Qué es la realidad?". Son algunas de las reflexiones que lanza la película a lo largo de sus 130 minutos, antes de que Neo, convertido en mesías, se dirija susurrante al espectador y emprenda el vuelo.

"Vengo a enseñarles un mundo sin reglas, sin controles, sin fronteras... donde todo es posible. ¿A dónde vamos después? Es una decisión que les dejo a ustedes".

Homenaje Sonar a Luca Prodan

2009-03-29T17:24:00.000-07:00

Yo viví siete años en Londres y tuve que dejar todo y venirme porque la heroína me estaba matando. La heroína es la mamá eterna, es como el útero que te protege. Con ella no se jode, por algo es la segunda droga en importancia, la primera es el poder.

Luca Prodan

Amigos de Sonar, ya saben, venimos desde hace un par de meses homenajeando a Luca a traves de nuestra señal 91.3, nos sumamos hoy a la iniciativa en el Blog Sonar, en un permanente recuerdo a Luca Prodan, referente fundamental de nuestra cultura nacional. Lo hacemos publicando una de sus últimas entrevistas.

Grazie Luca!

Revista Parte de Guerra, agosto/septiembre de 2000
Reportaje a Luca Prodan antes de su muerte.

NO IMPORTA

Esta es una entrevista poco conocida que el líder de Sumo concedió a Néstor Nardella días antes de su muerte, a fines de 1987. Luca preparaba un recital de fin de año en Cemento, que no se llegó a realizar ya que murió el 22 de diciembre. Tampoco llegó a cobrar una importante suma de dinero por derecho de autor.

En esta charla, Luca da su personal visión del rock nacional.

Por Néstor Nardella

- Luca, ¿cómo es la nueva gira que están por hacer con Sumo?

- Parece que vamos a ir a Brasil con Charly García, eso lo leí en Clarín... (risas) Por ahí vamos a ir C6rdoba, por ahí Chile. A mí no me importa mucho, yo no soy un tipo que va a la grabadora. Ahora tengo 50 centavos, pero no es por falta de laburo, es por falta de voluntad mía. Yo podría tener 60.000 ahora, pero no cobré lo de SADAIC. Pero hoy voy a cobrar 9.000 australes, entonces soy un hombre feliz.

- ¿Están puliendo los temas para el nuevo LP?

- Si, estamos haciendo eso. Yo no hago nada en este momento, hice unas cosas pero, la verdad, estoy muy perezoso en estos días. Pero no importa, yo, si quiero, en una semana puedo hacer todo. Lo que pasa es que vivo acá, lelos del estudio, y los otros viven a una cuadra. Yo tengo que tomar un subte, después un tren, después caminar. Y ellos tienen que caminar una cuadra, ¿entendés? Aparte, no me importa mucho en este momento. Lo vamos a empezar a grabar en febrero, marzo. Entonces hay tiempo, no hay apuro.

- Ahora que les llegó la fama, ¿qué hacés para que a los Sumo no se les suba el éxito a la cabeza?

- Y, yo les doy el ejemplo. Yo soy un tipo sencillo, vos ves ahora cómo vivo, me gusta vivir así, me gusta tratar bien a la gente. Y no tolero trabajar con gente mala, pesada, o viva. Si hay un plomo que se hace el vivo o que afana, que no trabaja bien y no es respetuoso a la gente, yo lo voy a retar. Eso yo hago, más que nada poner el ejemplo. Yo a veces quedé durmiendo en el piso del micro, volviendo de Viedma, ponele, porque los otros asientos están ocupados. Yo podría hacerme el déspota y echar a uno de los ayudantes de las luces, decir "yo soy el cantante Luca Prodan, salí del asiento que yo lo quiero". Al final no me importa, porque la pasé mejor en el piso.

- ¿Qué opinás de la historia del rock nacional?

- Cuando yo vine acá, no hablaba castellano... y al principio, la verdad que me parecía ridículo el rock en castellano. Y después, como fui entendiendo castellano... Mirá, la mayoría es copiado de otras cosas y eso a mi no me gusta. Pero... Manal, por ejemplo, a mí me gusta, hacen un blues bastante crudo pero tienen letras bien de Buenos Aíres, es bien de acá. Spinetta me parece rebuscado, todos dicen "las letras matan" pero nadie entiende lo que está diciendo... Y ahora no me gusta, todos esos arreglos con ochenta cambios de acordes, que al final no dicen nada. Por ahí me gusta más su primera época. Me gustó su disco de viejos temas, Kamikaze, había cosas más sencillas. Y de lo de ahora, Soda Stéreo, me parece que ellos la hicieron bien (se ríe)... pero yo ahorro el maquillaje y el peinadito raro y todo eso, eso es rebuscado también. Virus no me gusta para nada, me parecen totalmente fríos.

Cualquiera puede comprar un teclado, un secuenciador y una batería electrónica, y puede hacer música. Pero si yo le doy una guitarra criolla a Federico Moura y le digo "pelá algo que me mueva el corazón", no pasa nada, ¿entendés? Lo mismo puedo decir de Gustavo Cerati o de Miguel Mateos. Ellos quieren ser famosos, tener minas, guita, yo no quiero nada de eso. Yo siempre tuve mujeres, siempre tuve mi guita -de otras maneras-, pero si me das una criolla, yo te pelo algo, ¿entendés? Es la diferencia entre ser un músico que tiene la música en el corazón, como Mercedes Sosa o Atua... ¿cómo se llama? Atahualpa Yupanqui, o ese que es medio grasa, pero también tiene la música en el corazón, Jaime Torres. A mí dame esos tres y no los tres rockeros que yo te conté antes. La música es sentirlo, no "querer ser músico": serlo.

Vuelven : PJ Harvey & John Parish

2009-03-27T06:13:00.000-07:00

JESÚS MIGUEL MARCOS -27/03/2009

Sola o en compañía, PJ Harvey sigue volando alto, derribando barreras, abriendo sendas. En esta ocasión, lo hace de la mano del productor, compositor y amigo personal John Parish, un experto en hacerle quiebros a los convencionalismos cuando de componer música se trata. Su nuevo disco, firmado a medias bajo el título A woman a man walked by (Universal, 2009), emana genio por los cuatro costados. Diez temas volátilmente equilibrados sobre una cuerda floja de guitarras desgarradas, voces fantasmales, instrumentos de juguete y letras lapidarias. Mucho, quizás demasiado

Hay algo que Polly Jean Harvey (Dorset, Inglaterra, 1969) dijo al The Guardian hace tres semanas que la define infinitamente mejor que las habituales descripciones de catálogo interior del Vogue que se hacen de ella. PJ dijo esto: "Siempre he tenido una idea muy clara de lo que he querido hacer musicalmente".

Quizás por eso: 1) su sonido es tan personal (hay una clara y violenta e indomable conexión entre todos sus álbumes), 2) es insobornable (un par de singles resultones la hubieran encumbrado al estrellato; busquen esos singles: no existen) y 3) no le tiene miedo a romper sus propios esquemas ("Podría repetir la misma fórmula, que probablemente gustaría a mucha gente. Pero por dentro empezaría a morirme. No puedo hacerlo", ha dicho Harvey recientemente).

A woman a man walked by es un disco hecho a medias en el sentido más literal de la expresión: Parish compuso la música, Harvey escribió las letras. Por si fuera poco, las sesiones de grabación tuvieron lugar en sus propios domicilios, antes de redondearlo en un estudio de Bristol. Se trata de reeditar una aventura artística que comenzó hace 13 años en Dance hall at Louse Point (Universal, 1996), el primer álbum que firmaron juntos.
Dos en la carretera del rock

La relación de los dos músicos se remonta a los años ochenta, cuando Harvey comenzó a tocar el saxo y hacer coros en Automatic Dlamini, el grupo de John Parish. Desde entonces, sus carreras se han ido entrecruzando habitualmente.

"En cada disco que ha hecho Polly y en cada disco que he hecho yo, nos hemos mandado material y hemos comentado lo que estábamos haciendo. Todo lo que hacemos, hasta cierto punto, es un esfuerzo en colaboración", afirma Parish.

Hay quien tiende a ver estos discos a dúo como obras menores de los artistas en cuestión. Conviene no caer en esa trampa y prestar especial atención a este anguloso A woman a man walked by, un álbum que se caracteriza por la cantidad de registros que alcanza a partir de los medios más básicos.

El primer single, Black hearted love, despliega el típico sonido de Harvey: guitarras afiladas y secas, base rítmica primitiva y voz vigorosa en primer plano. La música la compone Parish, pero sabe para quién trabaja.

En varios tramos del disco, las canciones se alejan del rock contundente y se internan en la vía atmosférica que Harvey ya exploró en su anterior álbum (por ejemplo, Passionless pointless, Leaving California o la excepcional April, el mejor tema del disco). Pero hablábamos de variedad de registros, como en Pig will not, donde aparece la PJ Harvey más criminal y oscura, en una de sus interpretaciones más violentas y sangrantes.

Sonar Peace & Love : Woodstock

2009-03-27T05:40:00.000-07:00

Woodstock regresa a los orígenes para celebrar su 40º aniversario
Michael Lang, promotor del festival, ha anunciado que la cita de este año será gratuita, verde y recuperará el espíritu musical de 1969
ElPaís- Madrid - 24/03/2009

El festival de Woodstock de 1969 fue un hito musical de la época y uno de las mayores manifestaciones del movimiento hippy de la historia. 40 años después, el organizador de la cita, Michael Lang, está decidido a recuperar el espirítu original para celebrar por todo lo alto las cuatro décadas del festival y lavar la desastrosa imagen ofrecida en el 30 aniversario, cuando se produjeron graves incidentes.

Lang ha anunciado que el Woodstock de este año será gratuito, ecológico y musicalmente volverá a sus raíces. Los promotores apuestan por recuperar el estilo musical que impegnó el festival de 1969, al que acudió más de un millón de personas, y ya se ha especulado que podrían estar presentes algunas de las bandas que tocaron en el primer de Woodstock como The Who, Santana, Crosby, Stills and Nash, que ya han confirmado su asistencia en su página web, y Joe Cocker.

Respecto al aspecto económico, Lang ha declarado en el diario británico The Times que necesita encontrar un patrocinador que aporte 10 millones de dólares en las próximas semanas, para los precios de las entradas sean los más asequibles posible y de paso evitar lo que ocurrió en 1999. En el 30 aniversario las entradas llegaron a superar los 180 dólares, las botellas de agua costaban más de cinco y se llegaron a emitir unas tarjetas de créditos exclusivas para el festival, acciones no muy en consonancia con el espíritu de hippy con el que nació Woodstock en 1969.

Esta vuelta a los orígenes no será el único acto que conmemore las cuatro décadas del festival. El director taiwanés Ang Lee prepara un film titulado Taking Woodstock y está previsto salga al mercado un nuevo montaje de Woodstock: 3 days os peace and music, un documental de 1970 en el que participó un jovencísimo Martin Scorsese y ganó el Oscar al mejor documental. Además, también se pondrá a la venta un pack de seis CD's con algunas de las actuaciones más memorables y el propio Michael Lang lanzará la mercado un libro titulado The road to Woodstock.

A 33 Años del Último Golpe Militar

2009-03-25T17:00:00.000-07:00

Eduardo Anguita y Martín Caparrós
La voluntad.

–Está todo bien, muchachos. Todo es normal y no tengo noticias de movimientos de tropas. El Gobierno no negocia ni hay ultimátum militar. Dijo Lorenzo Miguel a los periodistas que le preguntaron qué pasaba cuando salió de la Casa Rosada poco después de la hora cero del miércoles 24 de marzo.

Él sabía que no era así: se lo acababa de informar Francisco Deheza, el ministro de Defensa de Isabel que acababa de llegar de la sede del Ejército.

De su reunión con Agosti, Massera y Videla sólo quedaba clara una cosa: el golpe era inevitable. Deheza sintetizó la situación ante Isabel y el resto de los ministros y dirigentes justicialistas reunidos en la Rosada. Era muy simple: los militares no aceptaban ninguna negociación. La mayoría se retiró por la puerta de Balcarce 50. Isabel se quedó en su despacho. Miguel salió con Deolindo Bittel.

–Vamos a seguir conversando mañana. Dijo Bittel. Poco antes de la una el Rambler Ambassador negro salió por la explanada de Balcarce y tomó Libertador hacia la quinta presidencial. La mujer que iba adentro no era María Estela Martínez de Perón sino una sustituta.

Por indicación de su edecán militar, la presidenta salió en un helicóptero de la Fuerza Aérea con su secretario privado Julio González. El edecán les había dicho que era una medida de seguridad ante un posible ataque guerrillero.

En realidad era el principio de la Operación Bolsa. Diez minutos después el helicóptero aterrizó en el Aeroparque: tropas de la Fuerza Aérea lo rodearon y el general Villarreal acompañado por el brigadier Lami Dozo y el contraalmirante Santamaría, se le acercó: –Señora, está usted arrestada.

El general le pidió su cartera: la señora se la dio y el general le sacó el pequeño revólver que llevaba. Después se la devolvió. El secretario González rezaba un rosario; la viuda de Perón estaba tranquila pero intentó una última defensa. En un aparte con el general Villarreal le dijo que estaba equivocado. –Acá debe haber un error.

Ya se llegó a un acuerdo con los tres comandantes. Podemos cerrar el Congreso. La CGT y las 62 me responden totalmente. El peronismo es mío. La oposición me apoya. Yo les doy a ustedes cuatro ministerios y los tres comandantes podrán acompañarme en la dura tarea de gobernar. –

A usted señora no le responde nada más que una cúpula de gremialistas corruptos, su peronismo está dividido y la oposición pide masivamente su renuncia.

Cuando le dijeron que se la iban a llevar a la residencia El Messidor, en Bariloche, Isabel Martínez contestó que no tenía ropa. Los militares le dijeron que irían a Olivos a buscarla y le preguntaron quién quería que la acompañara a su nuevo destino. –Mi gobernanta, por favor.

Media hora después, la gobernanta, una mujer de unos 50 años, les explicó que ella no quería ir "porque yo no tengo ningún vínculo afectivo con la señora, para mí esto era sólo un trabajo". A las tres de la mañana, María Estela Martínez fue embarcada en el avión presidencial Patagonia. El golpe militar estaba en marcha. En la Rosada, un oficial aeronáutico se acercó a los periodistas que quedaban de guardia y les dijo que, a partir de ese momento, se abstuvieran de dar información. –En un rato se va a dar a conocer una proclama.
La noche porteña estaba despejada, agradable: 20 grados y el cielo estrellado. No había nadie en las calles. En los accesos a la capital los militares empezaban a armar trincheras con bolsas de arena y ametralladoras pesadas. Entre las tres menos cuarto y a las tres llegaron comandos a todas las radios, agencias de noticias y canales de televisión. De los regimientos, bases navales y comisarías salieron grupos, algunos de civil, hacia las grandes fábricas, con listas de los delegados, comisiones internas y activistas reconocidos Otros grupos, uniformados, se presentaron en las sedes gremiales de la CGT, del SMATA y de la UOM.

El comando radioeléctrico de la Policía Federal empezaba a transmitir una larga lista de personas buscadas: los cuatro primeros eran el ministro de Trabajo, Miguel Unamuno, el jefe de las 62 Organizaciones, Lorenzo Miguel, y los dirigentes de la construcción y la alimentación, Rogelio Papagno y Hugo Barrionuevo.

En el puerto, el buque de guerra 33 Orientales esperaba la llegada de los prisioneros: uno de los primeros fue Carlos Menem. El gobernador de la Rioja se había rapado el pelo y las patillas para tratar de huir, pero no lo consiguió. A las tres y veintiuno se escuchó al locutor, grave, por la cadena nacional:

–Comunicado número uno. Se comunica a la población que, a partir de la fecha, el país se encuentra bajo el control operacional de la Junta de Comandantes Generales de las Fuerzas Armadas. Se recomienda a todos los habitantes el estricto acatamiento de las disposiciones y directivas que emanen de la autoridad militar, de seguridad o policial, así como extremar el cuidado en evitar acciones y actitudes individuales o de grupo que puedan exigir la intervención drástica del personal en operaciones. Firmado: general Jorge Rafael Videla, almirante Emilio Eduardo Massera y brigadier Orlando Ramón Agosti.

Horacio González lo escuchó en la casa de una amiga, con quien pasaba algunas noches, en el centro y, por un momento se sintió aliviado. Ya no soportaba más la zozobra, la amenaza permanente de la Triple A. Será terrible, pensó, pero por lo menos va a ser terrible de otro modo. ¿Cómo era eso que decía Max Weber sobre el monopolio de la violencia? Al cabo de un rato, cuando volvió a pensarlo, se arrepintió de su alivio. Minutos después, el mismo locutor leyó que seguía vigente el estado de sitio y que "cualquier manifestación será severamente reprimida".

A las tres y media, el locutor dijo que la Junta Militar ordenaba el cumplimiento de todos los servicios y transportes públicos. La segunda edición de Clarín llegó a incluir la noticia del golpe. El título era "Nuevo gobierno" y la foto mostraba la Plaza de Mayo casi desierta. El epígrafe decía que "sólo unos pocos adictos a la ex Presidente se congregaron anoche en la Casa de Gobierno".

Poco antes, Lorenzo Miguel había dicho que "en los barrios y pronto en plaza de Mayo se podrá ver que esta reacción nuestra tiene calor popular. No caeremos sin pena ni gloria". Ya tenía pedido de captura, pero tardaron varios días en detenerlo. En los diarios de esa madrugada, una solicitada de las 62 Organizaciones peronistas decía que "un golpe de Estado en estos momentos es el más irresponsable salto al vacío que podría realizar el país en la coyuntura histórica que le toca vivir. A nadie escapa que el pueblo argentino desea fervorosamente vivir en paz y libertad.

Ningún golpe de Estado puede brindarle esos dos valores. Porque el trabajo y la libertad son condiciones que se ejercen en democracia y en ambiente de tranquilidad y optimismo. Un golpe de Estado que niegue esas posibilidades no tiene futuro positivo y sólo podría lograr que la guerrilla, que es hoy anti popular e ilegal, se convierta como fruto de esa actitud, en popular y legal." Y, más adelante, para terminar: "El Movimiento Obrero siente un profundo respeto por sus fuerzas armadas. Porque no ignora que sus filas se nutren de nuestros hijos. El movimiento obrero ha sentido como propia las heridas que la guerrilla asesina infligiera a sus soldados. Sabe de sus valores y de la conciencia de Patria que las anima.

Y porque conoce profundamente estas esencias invalorables, es que confía en la responsabilidad de ellas y en la fortaleza moral que les impedirá atentar contra la voluntad soberana de todo el pueblo argentino." En su página 3, Clarín editorializaba: "Las Fuerzas Armadas se hicieron cargo anoche del gobierno, después de una prolongada crisis que resultó imposible de superar en el marco de las instituciones. Esta decisión, materializada finalmente anoche, no tomó de sorpresa a los observadores políticos y prácticamente desde el lunes había pasado a conocimiento de grandes sectores de la opinión pública".

Y, más adelante: "Las Fuerzas Armadas se habían fijado un límite preciso para su actitud de prescindencia: el peligro cierto de que la integridad nacional se encontrase en peligro ante el accionar de fuerzas centrífugas desencadenadas, que el gobierno parecía incapaz de controlar. En la segunda semana de marzo se decidió que ese momento había llegado y finalmente se tomó la decisión para emprender un camino que se sabe muy duro, pero ineludible, ante los riesgos profundos que implicaba el rumbo que había adoptado el proceso nacional".

Pearl Jam "Ten" : Reedición

2009-03-23T18:04:00.000-07:00

Pearl Jam recupera el estallido grunge
La banda de Seattle reedita Ten, el disco que marcó la música de los noventa, con una nueva mezcla y canciones inéditas.

JESÚS CENTENO - Madrid - 22/03/2009 08:00

En el verano de 1990, un tal Eddie Vedder, conocido como Crazy Eddie, era un chico introvertido y solitario que trabajaba en una gasolinera de San Diego. Como tenía el turno nocturno, invertía las mañanas en sus dos grandes pasiones: el surf y la música.

Hasta que un día, su amigo Jack Irons, ex batería de Red Hot Chili Peppers, se presentó en su casa con una maqueta bajo el brazo: contenía las bases de Alive, Black y Footsteps, germen del que sería uno de los discos más sustanciales de esa década: Ten, que se reedita el martes remezclado, en varios formatos y con temas inéditos.

Aquel verano, el bajista Jeff Ament y el guitarrista Stone Gossard, ex componentes de la banda de punk rock Green River, buscaban un nuevo vocalista tras la muerte de Andrew Wood, cantante de Mother Love Bone, su último grupo.

Cuando escucharon la maqueta con las voces del tal Crazy Eddie, no tuvieron dudas de que era él quien debía ocupar el puesto. En tres semanas, Pearl Jam, como se bautizaron, ya estaban tocando en los tugurios de Seattle, ciudad en la que empezaba a despuntar un nuevo sonido, sucio y rabioso, que, al mezclar noise pop, hard rock y punk, la prensa etiquetó como grunge.

Doce discos de platino

En agosto de 1991 lanzaron su debut, Ten, que en un principio pasó bastante desapercibido. Hasta el boom de Nirvana, que editó Nevermind un mes después. Por eso, Kurt Cobain les acusó de advenedizos. Para él, Ten no era un disco alternativo: tenía demasiados solos de guitarra. En 1993, Ten sobrepasó a Nevermind en ventas y, hasta la fecha, el disco ha logrado 12 discos de platino.

Ten supuso una explosión de rock, un álbum que recuperó el nervio y la garra que faltaron en los ochenta. "Se mueven entre la mística y el drama como un rayo, con un sonido supersónico", escribió David Fricke en la Rolling Stone

Pero la revista NME les acusó de "asaltar los bolsillos de los jóvenes con sus himnos generacionales". En efecto, Alive, Jeremy y Even Flow eran lo que la Generación X estaba esperando, muy a pesar de Pearl Jam, cuyo modesto plan era "sacar un disco para salir de gira", según Ament.

La banda nunca quedó contenta con el resultado de Ten. "Había demasiados arreglos que daban al disco una atmósfera artificial", ha recordado Ament. En la nueva mezcla, el productor Brendan OBrien ha hecho reformas: "Suena más claro, más directo, más cercano a lo que queríamos", según Vedder, que reconoce que la fama estuvo a punto de engullir al grupo.

Con el tiempo, enderezaron su carrera con discos sobrios e introspectivos, y aún siguen en forma: preparan LP y el single inédito Brother ha alcanzado el número 1 esta semana en EEUU.

100% Grunge : Nirvana & Pearl Jam

2009-03-23T17:22:00.000-07:00

Huele como a espíritu... nostálgico y 'grunge'.
Los discos de Nirvana serán publicados en vinilo.-

Pearl Jam reedita su álbum 'Ten' en su 18º aniversario

AGENCIAS / Los Ángeles / Madrid - 23/03/2009

La mayoría ya no lleva el pelo largo, ni perilla ni viste camisas de leñador ni botas Dr. Marteens. Ya son treintañeros de vida encarrilada la mayoría de los forofos del llamado sonido de Seattle o grunge, aquel último gran invento de la mercadotecnia musical de EE UU en los años noventa. Pero esos treintañeros y algún adolescente de reciente reclutamiento, siguen siendo un mercado suculento para las discográficas. Dos de las principales bandas de entonces (que la industria etiquetó y equiparó pese a la heterogeneidad de su sonido), Nirvana y Pearl Jam, vuelven a poner productos en los anaqueles de las tiendas, echando un ojo por el retrovisor.

La discográfica Original Recordings Group (ORG) reeditará en vinilo los grandes éxitos de la banda de rock alternativo Nirvana del difunto Kurt Cobain, entre ellos el disco Unplugged, informó la revista Billboard. ORG tiene previsto sacar en 2009 al mercado en vinilo los álbumes Nevermind (1991), que será el primero en ver la luz, así como In Utero (1993) y Unplugged (1994). "Que nosotros sepamos ésta será la primera vez que Unplugged salga en disco de vinilo", comentó Monti Olson, fundador de ORG y vicepresidente de Univesal Publishing Group / Interscope Records.

En realidad todos los LP de Nirvana ya habían sido editados en vinilo (desde Bleach, con una primera tirada de mil ejemplares de color blanco en 1989, también el Nevermind y el Unplugged, en 1994, editado por Geffen Records y la MTV)

ORG, que empezó en 2006 como una pequeña compañía centrada en la reproducción de música en formato vinilo, llegó a un acuerdo con Universal para utilizar la colección que esta discográfica tiene en su catálogo.

"Finalmente Michael Meisel (representante de Nirvana) y John Silva lo aprobaron. Trabajamos con ellos en el proyecto de Beck Odelay Deluxe y pensaron que éramos la compañía apropiada para hacer algo especial", comentó Olson. ORG seguirá los pasos de Sub Pop, empresa que pondrá a la venta la versión en vinilo de Bleach (1989), el primer álbum de la banda de Seattle.

Diez años de 'Ten'

La banda norteamericana Pearl Jam revive también estos días el estallido del grunge con la reedición de su primer álbum, Ten. Publicado originalmente en 1991, sale a la venta el próximo martes en diversos formatos y pone en marcha un plan de relanzamiento de la discografía de Pearl Jam que concluirá en 2011, coincidiendo con el 20º aniversario de la banda. Ten volverá en una edición de lujo que incluye el disco original remasterizado acompañado de un CD con seis temas extras, entre los que figuran algunos que fueron grabados en la primera sesión de Eddie Vedder con el grupo, y un libreto de cuarenta páginas.

El éxito de Ten y Nevermind difundió por todo el mundo la última de las grandes explosiones del rock, a la que también contribuyeron bandas como Soundgarden, Alice in Chains, Screeming Trees o Mudhoney. Sin embargo, Seattle parecía una ciudad demasiado pequeña para Nirvana y Pearl Jam. Las crónicas de aquellos años cuentan las críticas de Kurt Cobain a Pearl Jam, de los que pone en duda la actitud alternativa que pregonaba el grunge en sus comienzos.

Lo cierto es que, a diferencia de Nevermind, segundo álbum de Nirvana, Ten tuvo que esperar algunos meses antes de triunfar en las listas con su ruidosa energía. En realidad, el éxito del álbum de debut de Pearl Jam no llegó hasta finales de 1992, cuando alcanzó los primeros puestos impulsado por los tres singles del disco: Alive, Even flow y Jeremy. Al final, Ten logró 12 discos de platino y encontró un hueco en las clasificaciones de los mejores álbumes de rock de la historia publicadas en los últimos 15 años.

Dieciocho años después de aquel debut, Pearl Jam ha conseguido mantenerse como referencia del rock tras sobrevivir a una época que fue dejando cadáveres entre sus más destacados protagonistas: Kurt Cobain fue hallado muerto en su casa en 1994; Layne Staley, cantante de Alice in Chains, falleció en 2002 a causa de las drogas.

Amy Winehouse se aleja del Soul?

2009-03-23T17:04:00.000-07:00

Más 'reggae' que 'soul' .
La discográfica de Amy Winehouse rechaza sus nuevas canciones.

Efe Londres
Lunes 23/03/2009 17:40 horas

La discográfica de Amy Winehouse, Island Records, ha rechazado los temas que la cantante grabó para su tercer álbum durante su estancia en el Caribe, al considerar que no satisfacen las expectativas generadas tras el gran éxito de 'Back to Black'.

Island Records, que también representa a artistas como Razorlight o Duffy, cree que el contenido de la maqueta se centra demasiado en la relación de la estrella con Blake Fielder-Civil, del que se separó en noviembre, y tiene además demasiada influencia 'reggae', rompiendo con su anterior estilo más 'soul'.

Según publica el diario 'The Sun', la discográfica ha pedido a Winehouse que componga un nuevo conjunto de canciones que se ajusten más a lo que se espera de ella."Amy fue muy productiva durante su estancia en Santa Lucía, escribió muchas canciones, pero la mayoría no dan en el blanco", declaró al periódico una fuente no identificada.

Un cambio radical

Esta misma fuente explica que, en su nueva propuesta, la cantante parece haber abandonado su típico sonido 'soul vintage' en favor de un 'reggae' que podría suponer un cambio demasiado radical para sus seguidores.

"Sus jefes creen que no sería una movimiento astuto cambiar su estilo de forma tan radical, y así se lo han dicho", afirma.

Al parecer, las letras escritas por Winehouse durante su descanso en Santa Lucía son demasiado deprimentes y oscuras, con excesivas referencias, y muy reveladoras, a la relación con su ex esposo.

Añade, además, que la cantante frustra a la discográfica con su tardanza en elaborar su tercer disco, ya que 'Back to Black', del que se han vendido 11 millones de copias, salió al mercado en octubre de 2006.

La fuente manifestó al periódico que el regreso de Winehouse debe tratarse con cuidado, ya que "algo a medio hacer" podría perjudicar sus perspectivas a largo plazo.

La cantante, que en los últimos tiempos ha sufrido problemas de salud derivados de su adicción a las drogas, dará su primer concierto del año el próximo mayo, en Londres, donde actuará junto a otros artistas, para celebrar el 50 aniversario de la creación de Island Records, fundada en 1959 por Chris Blackwell en Kingston, Jamaica.

Sonar Mexicano : Radiohead en el DF

2009-03-17T18:00:00.000-07:00

El de Radiohead, quizá el mejor concierto de la década en el DF.

Abrió el festejo Kraftwerk , el padre de la música electrónica pop, un trozo de historia viva.

Sueño cumplido para 50 mil espíritus que durante meses cultivaron la esperanza y acamparon por días fuera del Foro Sol.

La Jornada

Por Patricia Peñaloza

La noche del domingo 50 mil espíritus sintieron compartir el que quizá sea el mejor concierto que se haya realizado en el Distrito Federal, al menos durante la década que casi termina. Bajo un cielo despejado convergieron en un solo día los ingleses de Radiohead, una de las bandas de rock más trascendentes y emotivas del último decenio –algo así como el Pink Floyd actual–, y el grupo considerado el padre de la música electrónica pop, como hoy la conocemos: Kraftwerk.

Conjunción excepcional, del ombligo del mundo para el mundo. Torrentes lacrimales, éxtasis sonoro, cerebro activado, cantos hermanados: jugoso racimo, un regalo primaveral a una audiencia hambreada, ganosa.

Sin embargo, dado que Kraftwerk, el cuarteto alemán creado a principios de los años 70, fue anunciado tiempo después de que los boletos para los dos conciertos (antier y ayer) del quinteto de Oxford se agotaron, en una hora con 45 minutos el consentido de la noche fue este último conjunto, creador de un trancazo tras otro, no sólo en cuanto a identificación masiva, sino, sobre todo, en cuanto a nivel musical y creativo.

Comandado por uno de los nerds más encantadores del orbe, Thom Yorke, el grupo más anhelado y solicitado por el público mexicano durante años cristalizó un sueño que para muchos llegó a parecer incumplible: ésos que durante meses cultivaron la esperanza con el blog Radiohead en México; ésos que durante días acamparon en congelación nocturna, a las afueras de las taquillas para comprar sus boletos en noviembre pasado, o quienes hicieron lo mismo desde hace cinco noches para alcanzar buen lugar en la zona general. Ésos que musitaron sílaba tras sílaba. Esos adolescentes que al nacer ya oían a sus papás escuchar tal música cual si nanas infantiles; esos veinteañeros que recién los descubrieron, y los adoraron; esos cincuentones que en dicho quinteto han hallado una continuación de lo que han sido las bandas de rock más grandes del siglo pasado. Ésos para quienes las letras de Radiohead son el espejo doloroso, sardónico y espeluznante del mundo decadente en que vivimos: pocas bandas como ésta para generar identificación con los jóvenes que arrojan tan apocalípticas horas.

Music non stop
Cuando se anunció, en diciembre, que Kraftwerk abriría estos conciertos, la sorpresa fue mucha, pues siendo éste un grupo pionero, dentro del pop, de la concepción musical relacionada con la automatización y alienación del ser humano… ¡Radiohead estaría para abrirle a Kraftwerk y no al revés! Incluso Yorke ha declarado haber querido sonar a tal grupo alemán. De modo que dicha conjunción puede entenderse como un homenaje.
A las 20 horas, comandados por uno de sus integrantes originales, Ralf Hütter (Florian Scheneider, el otro fundador, no vino ahora, a diferencia de su actuación previa en México, en 2004), enfundados en negro, y aparentemente robotizados, como se han presentado desde los años 70, en que eran vanguardia absoluta, jugaron con sus laptops sobre pedestales, movimientos mínimos, en medio de los visuales en pantallas que los han hecho famosos y han inspirado a tantos, Daft Punk incluido. Tocaron diez temas representativos: Machine man, Computer World, Autobahn, The Model, Showroom dummies, Radioactivity, Trans Europe Express, Boing Boom Chack y The Robots, canción en que los cuatro fueron sustituidos por robots de movimientos sincronizados. Cerraron, en pantallas y sonidos, con la frase más emblemática de su carrera: Music non stop. Una maravilla. Un trozo de historia en vivo, a pesar de que muchos desconocían lo que veían: ¿Quiénes son esos, eh? ¿Por qué los pusieron para abrir? Aunque la mayoría los escuchó y aplaudió respetuosamente.

En arcoiris
Media hora después, mientras los nervios crecían, las olas en el público se multiplicaban, el cambio de escenario entre banda y banda fue rápido y preciso. Una maquinaria cuasi perfecta. Difícil de creer, dado que el espectáculo que se avecinaba sería impresionante. Exigencia y disciplina: palabras claves en Radiohead.

Cuando uno a uno fueron apareciendo en escena, el Foro Sol se desaliñaba, los cuerpos dejaron de estar en su sitio, la materia se expandió y las almas se hicieron un conglomerado de 8 notas y sus respectivos semitonos desconcertantes. El llamado comenzó con el sonido de la insustituible Telecaster de Jonny Greenwood (guitarra principal); los tambores exactos, sin rebote ni embarres, personales, potentes, de Phil Selway; el bajeo hipnótico, así como los ánimos y gritos de aliento en escenario de Colin Greenwood, hermano del primero; de las decenas de guitarras armónicas, pedales mil y coros cálidos de Edward O’Brien. Y por supuesto, del lánguido y contagioso canto de Yorke, al frente, solo, con guitarra acústica en mano o al piano de pared. La impecable sonorización permitió percibir cada rasgueo, cada inflexión, cada aliento, cada roce… incluso cada latido.

El rezo, el rosario, que no pararía por dos horas y media, es decir, 25 canciones después, se sintió cortito. El repertorio fue pródigo en temas del In Rainbows (2007), ese álbum que casi regalaron por Internet, lo que para muchos nostálgicos quitó espacio a clásicos de discos previos. Pero era imposible resumir 15 años en tan poco tiempo. Así, de tal disco, quizá su más íntimo, amoroso y delicado, desfilaron: 15 step y las hermosas House of cards, Arpeggi y Nude, entre otras.

El segundo tema de la noche, Airbag, del OK Computer (1997), considerado por especialistas el mejor disco de los años 90 (al lado del Nevermind, de Nirvana), desarmó piernas con sus imágenes futuristas, terribles, conmovedoras, sus sonidos irregulares; la dupla vino unas 17 canciones despúes, con esa maravilla llamada Paranoid Android, quizá el momento más alto de un concierto que se mantuvo rumbo al infinito y más allá, de inicio a fin.

Guitarras estridentes sin llegar al ruido, voces melancólicas, evocadoras de tristeza y redención, teclados deslavados y extraterrestres, guitarras chillantes mediante un arco, se fueron robando el pulso de cada asistente.

Yorke, que ríe pocas veces en sus conciertos, se hallaba sonriente, efectuando cada tanto reverencias cual de alabanza a un público la mar de entregado. Yorke tenía en mente, mientras lo hacía, información sobre aquellos a quienes tenía enfrente: un día antes, por la mañana, hospedado en el Condesa DF, el grupo se mostró sorprendido de saber que, para tocar en México, ya no sólo son opciones Ojo de Agua o bares pequeños como La Diabla; se mostraron maravillados por el crecimiento que ha tenido México en lo cultural (así lo expresaron) y atónitos al saber en cuánto tiempo se habían agotado los boletos, y que había gente acampando días atrás. De modo que en playera azul simple, y jeans, Yorke y su ojito gacho correspondían a tanto amor, debajo de una escenografía hecha de grandes tubos de neón en vertical, cual si un bosque luminoso, colgante, cuyos juegos y cambios, al lado de sus alucinantes composiciones, cambios frenéticos de ritmo y sentimientos, se volvían una conjunción sensorial y musical indescriptibles.

La cannabis rolaba en exceso, mas no era necesario, pues ante tal maestría ya nadie pudo tener los pies sobre la tierra.

Sin embargo, entre ojos rojos y corazones latiendo a mil, la gente se retiró extasiada, incrédula, deseosa de más y más.

Sonar Adelanta: Nuevo Album de Dylan

2009-03-16T17:58:00.000-07:00

Bob Dylan publicará su nuevo álbum el 28 de abril

EFE MADRID Lunes, 16-03-09

El cantautor Bob Dylan publicará el próximo 28 de abril su nuevo disco, "Together through life", un trabajo en el que el autor de "Blowin in the wind" se acerca al sonido de los estudios de grabación de los años cincuenta, según confirma el propio artista en su página web.

Tal y como comenta el músico en una entrevista que publica la web, el álbum comenzó a gestarse con la canción "Life is hard", compuesta para formar parte de la banda sonora de la última película del director francés Olivier Dahan, "My own love song", protagonizada por Renée Zellweger y Forest Whitaker.

"El año pasado Dahan me propuso componer algunas canciones para un filme que estaba escribiendo y dirigiendo sobre un viaje de autodescubrimiento que tiene lugar en el sur de América", explica Dylan, aunque confiesa que no todas las canciones de "Together through life" están escritas especialmente para la película.

El sonido de los 50

"Después de empezar con "Life is hard", el resto del álbum tomó su propia dirección", añade el artista, para quien el sonido de los estudios de grabación de los cincuenta, como los Chess Records o los Sun Records han sido una referencia en este disco por su "intensidad" y porque "toda la vibración parece venir de dentro de tu cabeza, está viva".

http://www.bobdylan.com/

Sonar Blues : Willie King de Alabama

2009-03-14T12:57:00.000-07:00

Willie King, destacado 'bluesman' de Alabama
Luchó por mejorar las condiciones de vida de sus vecinos
LILA PÉREZ GIL

Willie King, músico y guitarrista estadounidense que murió de un ataque al corazón en su casa de Old Memphis, en Alabama, a los 65 años, no sólo dedicó sus composiciones al blues, sino su vida entera. Y gran parte de ella aprovechó su popularidad, con un estilo que algunos aprecian como semejante al de John Lee Hooker, para luchar por mejorar las condiciones de vida de sus vecinos sureños, en especial los afroamericanos. Para él, esta población seguía manteniendo un "estilo de vida de blues", es decir, muy triste (esta palabra significa triste en inglés).

Nacido en la comunidad rural de Prairie Point (Misisipi) en 1943, se crió con sus abuelos después de que su padre, que era un músico aficionado al blues, abandonara la casa dejándolos solos a sus hermanos y a él, como se recuerda en la página web de alamablues.com, en la parte dedicada a este artista.

Con este comienzo ya de blues, lo siguiente sería el contacto con la música, y King lo tuvo fácil: su abuelo era cantante de gospel (además de jornalero) y pronto se aficionó. Él mismo se construyó a los nueve años una guitarra de una sola cuerda con un alambre y un trozo de madera, con la que practicaba en el campo o en su casa por las noches.

La vida en el sur era dura, y en 1967 King toma el camino de Chicago, pero un año después volvería a Old Memphis como vendedor ambulante. Es entonces cuando, al ver las precarias condiciones en las que vivían muchos habitantes negros, comienza a desarrollar una actividad política, y, antes de que termine la década, se une al movimiento en pro de los derechos civiles.

Mientras se embarcaba en diferentes proyectos políticos y sociales, participaba en importantes festivales de blues, actuaba en directo y grababa discos. Hasta un total de seis (Walkin' the walk, talkin' the talk; I am the blues), y un DVD en el que se recogen algunas de sus actuaciones.

Jim O'Neal, fundador del grupo Rooster Blues, quedó impresionado cuando lo vio actuar en un festival en Eutaw (Alabama): "La mezcla de su estilo musical y sus letras políticas me dejó noqueado". Siguieron en contacto durante 13 años y en ese tiempo, King se dedicó cada vez más a su comunidad, especialmente a los jóvenes, para quienes montó un programa educacional basado en la música blues.

Fundó la Rural Members Association (Asociación de Miembros Rurales, o de Campesinos), donde se daban clases de música, carpintería, tradiciones africanas y proveían de transporte, asesoría legal y otros servicios a los vecinos, a lo largo de dos décadas.

En los últimos años, patrocinaba además el Freedom Creek Festival. "Tratamos de abarcar todos los aspectos de la vida de la gente, que puedan llegar a nosotros y compartir su realidad, que se conozcan y nos conozcan", explicó Willie King, "que se levanten para tener una relación que trabaje en el desarrollo, tratando de traer la paz".

http://www.youtube.com/watch?v=tgeeQWO07ts